La Sirena Varada es una obra que profundiza en una de las aspiraciones más ambicionadas por el hombre: la de escapar a su realidad. Narra la locura de un grupo de personas que deciden abandonarse a vivir en un mundo de sueños, donde el sentido común deja de existir. Es entonces cuando aparece el personaje principal de la obra, identificado únicamente como "Sirena". La historia de amor entre este personaje y el fundador de la comuna en la que vivían, y la imposibilidad del amor en un mundo irreal les lleva a enfrentarse a la realidad, por dura que esta sea.
Si no fuera porque Mr. Hutton ha de soportar la carga de una esposa enferma y quejicosa, su vida sería extraordinariamente placentera. Vive en una casa confortable, con una biblioteca familiar bien surtida de libros, que son una tentación para quien, como él, ama la lectura; le gusta frecuentar la compañía de mujeres, en especial si son jóvenes y bellas; goza de un refinado paladar y no tiene problemas económicos. Su vecina, Janet Spence, se compadece de Mrs. Hutton y la visita con frecuencia para ofrecerle compañía y cuidados. Janet Spence está enamorada de Mr. Hutton. Desgraciadamente, según él, ha sobrepasado los treinta y cinco y carece de buen gusto, aunque posee cierto encanto enigmático. Cuando un luctuoso suceso convulsiona la vida cotidiana de los protagonistas de esta historia, afloran a la superficie unos comportamientos no convencionales, que ponen de manifiesto sentimientos poderosos con una capacidad aviesamente destructora. El punto de mira es Mr. Hutton. Caprichos del destino. La sonrisa de la Gioconda es, dentro de la obra de Huxley, un divertimento nada circunstancial, una incursión en el género policíaco. Novela ajustada formalmente a los esquemas teatrales, cuyo protagonista es un apasionado de los bellos libros, la música, la pintura y el sexo.
Eugène Ionesco, principal exponente del teatro del absurdo, se constituyó en el maestro del «antiteatro», por el desparpajo de su ruptura con la lógica y la huida inexorable desde lo natural visible, Sus obras, fuertemente marcadas por un sentimiento pesimista respecto de la condición humana, y un particular sentido del humor, han tenido repercusión internacional. En este volumen se incluyen Las sillasy otras piezas de indudable maestría como:
Los saludos
El nuevo inquilino
Amadeo o cómo salir del paso
Esta es la primera pieza de una tetralogía. No se conservan las otras obras que la componían, pero se cree que son las tragedias Los egipcios y Las Danaides y el drama satírico Amimone. La problemática que plantea Esquilo en las suplicantes, es lo perjudicial de la democracia a la hora de tomar decisiones de gran urgencia. Pelasgo tiene que someter a votación la acogida en el seno de su pueblo a unas mujeres que defienden su derecho a disponer de su propia sexualidad y de su libertad frente al poder masculino. Esquilo deja patente en la obra, la oportunidad de la democracia en el gobierno de un pueblo. Pelasgo, lejos de mostrarse como un tirano, consulta a su pueblo sobre la suerte de las suplicantes y la posibilidad de verse implicado en una guerra en el supuesto de que se decida protegerlas. Huyendo de los hijos de Egipto, rey de Egipto, las suplicantes o danaides (hijas de Dánao), llegan a Argos en busca de la protección de la ciudad. Llegan acompañadas por su padre, Dánao, y ruegan y suplican a los dioses que hundan las naves de los hijos de Egipto que andan persiguiéndolas: prefieren la muerte al matrimonio. El rey de Argos decide concederles la protección solicitada, cuando desembarcan los perseguidores de las danaides. El rey de Argos mantiene su protección a pesar de la llegada de los hijos de Egipto, y las suplicantes entonan un himno de gratitud. El hecho de que la acción de esta obra sea tan lenta y leve nos hace suponer que mantendría algún tipo de "simbología" en el concepto general de la trilogía presentada por Esquilo al concurso. Probablemente la última obra de esta trilogía (no conservada) trataría de una de las danaides en concreto, Hipermestra, única entre ellas que no siguió el consejo materno de asesinar al esposo en el lecho conyugal y la cual es alabada por Esquilo.
Figura clave de las vanguardias literarias de principios de siglo, conocido principalmente por sus poemas visuales o caligramas escritos en las trincheras de la primera guerra mundial, Guillaume Apollinaire incursionó también, con el mismo espíritu experimental que marca toda su obra, en el teatro. Drama surrealista, como lo bautizó el mismo Apollinaire en lo que representa la primera aparición de este término de larga descendencia, «Las tetas de Tiresias» se sirve del mítico adivino tebano para contar una historia disparatada, llena de equívocos y doble sentido. Estrenada en 1917, un año antes de la muerte de su autor y todavía en plena guerra, la obra constituye un alegato pacifista y a favor de las mujeres; pero su fuerza reside, antes que nada, en la magistral utilización del absurdo y el humor.
Tras el saqueo de Troya, la flota está pronta a partir, y las troyanas están siendo sorteadas. El destino de cada troyana no puede ser otro que el ser malmaridadas con algún vencedor. Es un canto lleno de dramatismo por las consecuencias de la guerra. Se destaca la crueldad de los vencedores, que, en su desmesura (hybris), no tienen piedad con los vencidos, ni respeto a los dioses, ya que profanan sus templos. Ni siquiera tienen consideración con los niños, manifestando así abiertamente su temor a ellos cuando crezcan.
En LA TRUHANA, comedia musical de temática histórica, evoca Antonio Gala la España de Felipe IV a través de un viaje por el envés del Imperio de la mano de una famosa cómica, metida a bandolera por negarse a ser cortesana. Gala se recrea en la intrahistoria, en el mundo de la picaresca y el bandidaje, mezclando con gran maestría ejercicios de caligrafía cervantina, de literatura sentenciosa y refranera con el humor, la ironía, la poesía, el lirismo, la ternura y la fantasía tan característicos de su mejor estilo. Moisés Pérez Coterillo desvela en su prólogo la profunda unidad, la rara coherencia que define toda la obra de Gala y su afán por llegar al espectáculo total, a la integración plena entre palabra y música, entre espacio y escenario.
¿Qué es exactamente el Doctor Fausto de Marlowe? Muy a su pesar, un eslabón determinante en la cadena de reelaboraciones de una leyenda que se extiende desde Simón el Mago hasta Adrian Leverkühn, el músico de Thomas Mann, y que encontró en el Fausto de Goethe, directamente inspirado en el de Marlowe, su expresión más duradera
Símbolo incuestionable de integridad moral y fuerza vital, Antígona es una de las figuras mitológicas más tratadas en la historia del pensamiento. A ella, escribía María Zambrano (1904-1991) en 1948, «no podemos dejar de oírla», pues «la tumba de Antígona es nuestra propia conciencia oscurecida». La pensadora nunca abandonó su interés por esta heroína, cuya trágica historia, narrada por Sófocles en la tragedia homónima, encierra numerosos asuntos que Zambrano trató con hondura a lo largo de su trayectoria intelectual: la estrecha línea fronteriza entre filosofía y literatura, el carácter social y político de la libertad, el uso y abuso del poder, el exilio o el protagonismo de lo femenino. [Esta edición reproduce la fijación del texto que hizo Sebastián Fenoy Gutiérrez en el Vol. III de las OO.CC. de María Zambrano, 2011.]
La tía de Carlos (Charley's Aunt en su versión original) es una obra de teatro en tres actos del autor británico Brandon Thomas, estrenada en 1892. Jack Chesney y Charley Wyckeham, dos jóvenes vividores residentes en Oxford esperan con impaciencia la llegada de Donna Lucia d'Alvadorez, tía del segundo procedente de Brasil para que se presentada a sus respectivas novias Kitty Verdun y Amy Spaguettiamor. Cuando ésta anuncia que cancela la visita, los jóvenes urden una farsa, haciendo pasar a Fancourt Babberly, otro de sus compañeros, por la esperada pariente. Cuando trasciende que la falsa tía es viuda y poseedora de una gran fortuna, comienzan a surgir pretendientes. La trama se complica cuando aparece la auténtica tía de Carlos. «Ya no recuerdo dónde ni cuándo vi La tía de Carlos, sólo sé que ha quedado en mi mente como la comedia más cómica que he visto en mi vida. Hasta la película llamada Turnabout no volví a ver nada que me hiciera reír tanto. La tía de Carlos es una de esas comedias que nos impactan por debajo de la correa. Viene representándose de vez en cuando desde hace más de cincuenta años y creo que seguirá volviendo al cartel por lo menos durante cincuenta años más. No cabe duda de que es una de las peores comedias jamás escritas, ¿pero eso qué importa? Mantener sobre ascuas al público durante tres actos completos es toda una hazaña. Lo que me asombra es que el autor, Brandon Thomas, haya sido británico. Años después descubrí en París un teatro en el Boulevard du Temple Le Déjazet que se especializaba en farsas, para desternillarse de risa. En esta vieja sala que parecía un granero, escuché más carcajadas que en cualquier otra, excepto el Palace Theatre de Broadway, "el hogar del vaudeville"». Henry Miller, Los libros en mi vida (1952)
La venganza de la Petra, sub-titulada Dónde las dan las toman es una obra de teatro de Carlos Arniches, estrenada en Madrid el 13 de abril de 1917. Farsa cómica de costumbres populares en dos actos y en prosa. Manolo y Petra son un matrimonio lleno de problemas. Él es un vividor que descuida por completo la atención a su esposa. Ésta decide tramar su venganza, con el objetivo último de recuperar a su esposo. Para ello su padre Nicomedes, su madre Nicanora y su criada Eudosia colaborarán con ella.
La Venganza será Terrible cumplió treinta años. Este libro recorre esa historia mediante anécdotas y reflexiones en la voz de su protagonista principal y en las voces de aquellos que orbitaron en el universo humorístico, filosófico y musical de su creador.
Testimonios de oyentes célebres, confesiones de los que participaron, datos y sucesos insólitos, transcripciones de los mejores momentos de la historia del programa. Todo este material se completa con un prólogo de Gabriel Rolón y un archivo fotográfico inédito que llega hasta hoy, con el programa ya convertido en un espectáculo ambulante y más vigente que nunca.
«Hacer radio salvó mi vida», asegura Alejandro Dolina en estas páginas. A la luz de los hechos, podría afirmarse que también salvó las vidas de algunos otros.
Mercedes se encuentra en una tienda de flores, allí conoce a Miguel y a Ramón, una tarde de lluvia, la espera de un taxi, una decisión, el destino… pero ¿y si esa no hubiese sido la decisión?, y ¿si hubiese sido otra? La vida de las personas, como el alma está en un hilo, casi siempre se puede decir que depende del azar, y a todos nos llega un momento en la vida en el que hemos de dudar entre dos o más caminos, y no sabemos cuál es el que vamos a seguir, cuál es el que nos conviene más, hasta que escogemos uno.
La vida es sueño está fuertemente vinculada al sentido dramático del hombre del siglo XVII que descubre no ser el centro del universo y se da cuenta de que todo es efímero y fugaz. El tiempo pasa rápido, las cosas mutan constantemente y nada dura. Al mismo tiempo siente profundo apego a las riquezas de la vida y los placeres materiales.
El protagonista de la obra es Segismundo que, desde su nacimiento, está condenado a un destino terrible. Encerrado por su padre en una torre, allí habitó desde joven, conociendo únicamente a una persona, su carcelero. En este momento, el rey Basilio percibe que tal vez haya cometido un error con esa actitud y decide sacarlo de la prisión y decide probarlo para ver si sirve como posible heredero. Atemorizado porque, en caso de demostrar absoluta incapacidad de gobernar, sería retirado dolorosamente al lugar de donde vino después de haber vivido con las comodidades de la realeza.
Para que su hijo no acabe desilusionado, Basilio prepara una estratagema: el carcelero deberá administrar a Segismundo una droga muy fuerte que lo hará dormir profundamente y después despertar como un príncipe en un lujoso cuarto del palacio real. Al despertar Segismundo y, después de haber experimentado una vida totalmente diferente, es despertado otra vez en la mazmorra donde pasará el resto de su vida. Ese retorno a la desgracia, se debe al hecho de haber vivido acciones condenables al experimentar el poder en la posición de príncipe heredero del trono. Presenciando el dolor e infelicidad del príncipe, el carcelero Clotaldo lo convence de que todo lo presenciado, las bellas ropas, los cortesanos, los regalos, no pasó de un mero sueño. Asegura que, incluso en el sueño, él debería haber honrado a su padre y haber practicado buenas acciones.
Siguiendo la moral barroca, Calderón de la Barca muestra que, sueño o realidad, la vida es pasajera y efímera, por eso el ser humano debe ser bondadoso porque nada se pierde. El dramaturgo concluye su obra con un monólogo acertado que da origen al título: ¿Qué es la vida? Un frenesí. ¿Qué es la vida? Una ilusión, una sombra, una ficción; y el mayor bien es pequeño; que toda la vida es sueño, y los sueños, sueños son.
Cuando alguien nombra a Friedrich Dürrenmatt por cualquier motivo añade siempre «autor de “La visita de la vieja dama”». Esta pieza teatral es para Dürrenmatt lo que «Esperando a Godot» es para Samuel Beckett. Escrita en 1955, «La visita de la vieja dama» se estrenó por primera vez en enero del siguiente año en el Schauspielhaus de Zurich, obteniendo en seguida un enorme éxito de público y crítica. En 1964, se rodó la película interpretada por Ingrid Bergman y Anthony Quinn. Hoy ya es un clásico del teatro contemporáneo. Dürrenmatt acostumbra a decir que «La visita de la vieja dama» trata de la culpa. Pero también podría decirse que trata de una revancha, tal vez porque, muchas veces, la una conduce a la otra. Una vieja dama, convertida en multimillonaria, regresa un día al pueblo, del que se vio obligada a marcharse hace más de cuarenta años, para vengarse de un hombre que, en su juventud, la había abandonado con una hija condenándola a lanzarse a la vida. Trabajó en un burdel hasta que un millonario armenio se casó con ella, dejándola poco después viuda y heredera de una inmensa fortuna. Lo único que pide la vieja dama es justicia, por lo que ofrece una cifra astronómica para que, en el juicio contra aquel hombre, lo condenen a muerte. De entrada los implicados claman al cielo y se oponen a semejante arbitrariedad y traición. Pero, lentamente, el sacrosanto poder del dinero va haciendo mella entre los más recalcitrantes… Comentando sobre su teatro en general, lo define Dürrenmatt: «Las obras de teatro son como pelotas que ruedan: una mitad señala la estética de la tragedia, la otra, la de la comedia. Pero, como en una pelota que rueda es difícil saber cual está arriba y cuál abajo, defino mis obras como comedias».
Un maduro zapatero se ha casado con una chica joven y atractiva, matrimonio que en realidad, a ninguno de los dos complace. Ella se afana en pregonar por el vecindario su larga lista de pretendientes, mientras él, en la taberna, se lamenta por haber accedido a la unión. Llega el momento en que el zapatero debe tomar una decisión…
La ópera de los dos centavos, (Algunas veces “La ópera de los tres centavos”) cáustica sátira del capitalismo que se convirtió en el éxito teatral más importante de Brecht. Se estrenó en 1928 en Berlín. La preocupación por la justicia fue un tema fundamental en toda su obra. Muy actual en estos momentos de crisis económica.
Carmen Resino aborda en La última reserva de los pieles rojas , escrita en 2002, la soledad de dos mujeres que comparten habitación en una residencia de ancianos. Elena más rebelde y Clara más conformista, dibujan el panorama vital de tantas mujeres relegadas al olvido en sus últimos años. Son seres humanos inmersos en el papel que les viene impuesto por su condición personal, social e histórica, un destino frecuente para las personas cuya edad las convierte en una carga para su familia.
Contra ese destino se rebelará primero Elena, y ya al final de la obra también Clara. La soledad y el desamparo que sienten se visualiza en lo agobiante de la pequeña habitación en que transcurren las tres jornadas de la obra, casi como si de una celda se tratara.
El título de la obra queda claro cuando hacia el final de la tercera jornada, Elena le explica a Clara: «Nos han metido en la reserva, como a los pieles rojas. […] Los americanos eran un pueblo joven, y los indios un pueblo antiguo… Los pueblos jóvenes terminan con los pueblos viejos… es la ley de la historia.»
Considerado como el más grande poeta cómico griego de la época clásica, Aristófanes (c. 445 - c. 386 a. C.) publica la mayor parte de su obra (unas cuarenta y cuatro piezas, de las que sólo se han conservado once) durante el largo período de la guerra del Peloponeso. Sus comedias —aparentemente fantasías verbales y burlas groseras destinadas a provocar la risa del pueblo que asistía a las fiestas— son el testimonio de su actitud reflexiva ante los problemas de la sociedad de la época y la expresión de sus profundas convicciones de ciudadano interesado por la política, que se pronuncia contra la guerra, de la que responsabiliza a los demagogos, y critica la crisis moral provocada por los corruptores de la juventud. Sus obras ejemplifican tanto el compromiso directo de Aristófanes con la vida pública como su genial capacidad para elevarse por encima de las circunstancias particulares de su tiempo, infundiéndoles una impronta universal.