A finales del XIX, el francés Monet con su cuadro Impression, soleil levant abre la puerta a un nuevo estilo que va a dominar Europa durante más de medio siglo. En esta primera exposición impresionista (1874) acompañan a Manet otros autores que van a dirigir este estilo, como Renoir o Degas. Esta nueva corriente pictórica pretende reproducir la apariencia meramente transitoria de los objetos destacada por la luz y los reflejos de los cuerpos en el mismo momento en que son contemplados. El estilo se extenderá luego por toda Europa con gran éxito y marcará una etapa incuestionable en el arte mundial.
No es sencillo ser el líder de una exitosa banda de pop-rock y, menos aún, lograr mantenerse en lo más alto durante más de tres décadas. David Summers, líder del grupo Hombres G, lo ha conseguido. Un camino difícil que no sólo ha forjado la personalidad de uno de los cantantes y compositores más venerados del panorama musical, sino que le ha dado una lección vital que ahora quiere compartir a través de estas páginas. Éste no es un libro autobiográfico ni de autoayuda. Es un testimonio real, contado en primera persona, sobre cómo triunfar tanto en lo profesional como en lo personal. A través de ocho capítulos repletos de anécdotas, Summers revela las claves para tener éxito en el trabajo, construir tu propia marca, ser creativo, aprender del fracaso y, cómo no, conseguir llegar a lo más alto. Con una narración sincera y sin filtros que dará mucho que hablar, el vocalista dedica unas líneas nada amables a los políticos y a los medios de comunicación, y saca a la luz historias hasta ahora desconocidas de Hombres G, sus difíciles inicios o la verdadera relación que hay entre ellos. Aquí también conoceremos al verdadero Summers; al padre de dos niños e hijo de un importante cineasta español que ha sido su máxima inspiración durante toda su vida. El artista se abre en canal y muestra su forma de entender la vida, en la que el amor, la creatividad, el arte y la importancia del presente tienen todo el protagonismo. Sin duda, un libro que no dejará indiferente a nadie, dedicado no sólo a los fans del grupo, sino a todo aquel que quiera convertirse en la mejor versión de sí mismo.
En un fascinante viaje en compañía de los héroes de Grecia y Roma en su paso por la pantalla, este libro invita a conocer cómo fueron transformados los personajes míticos e históricos, en un camino de los mitos cinematográfico. Desde aquellas encantadoras películas del llamado peplum hasta las que hoy en día se están realizando con gran éxito de público, desde Espartaco y Ulises hasta Gladiator, los 300 o Furia de titanes. El libro finaliza con un completo y útil índice onomástico de todas las películas y series referidas en el mismo. Las ilustraciones de los carteles originales son obra de Sandra Delgado.
Del agrupamiento temático de los muy numerosos estudios que jalonan la fecunda trayectoria intelectual de Ernst H. Gombrich nacieron tres volúmenes, englobados bajo el título general de Estudios sobre el arte del Renacimiento: El legado de Apeles (AF 23), sobre el papel de la tradición clásica en el arte occidental; Norma y forma (AF 39), sobre las cuestiones del estilo, el mecenazgo y el gusto, y este Imágenes simbólicas, que está dedicado a problemas de interpretación simbólica. Junto a los estudios que analizan el potencial simbólico de imágenes creadas por Botticelli, Rafael, Mantegna, Poussin y otros maestros, destacan de manera especial en este volumen su integradora introducción, en la que se plantean los objetivos y límites de la iconología, e «Icones Symbolicae», el ensayo que da título al libro, donde partiendo de la situación en el arte clásico y medieval Gombrich contempla las implicaciones filosóficas del simbolismo visual del Renacimiento. Sir Ernst H. Gombrich fue hasta 1976 director del Warburg Institute y catedrático de Historia de la Tradición Clásica en la Universidad de Londres. Autor de enorme influencia entre las generaciones posteriores de historiadores del arte, entre sus obras mayores figura la Historia del arte (AF 5).
Hemos escrito este librito sobre cine con la intención de dotar a los alumnos de la 2a Etapa de Enseñanza General Básica, de un texto elemental que les ayude a ver una película. Es sabido que el cine es un lenguaje nuevo y que como tal requiere una enseñanza, una cierta alfabetización. No basta ir al cine a mirar sin más o a divertirse simplemente. Los espectadores; a todos los niveles, deben estar capacitados para leer el lenguaje de las imágenes a determinados niveles, al menos al de expresión de un tema.
Un examen ecuánime sin precedentes de una de las figuras más celebradas e incomprendidas de la historia del Rock and Roll. Ofreciéndonos un retrato mucho más completo que las biografías previamente publicadas, Jagger profundiza en la multiplicidad de roles incorporados por Jagger: liberador sexual, provocador de los medios, estrella del cine independiente, y, por si fuera poco, también un empresario taimado con entusiasmo libertino por mujeres mucho más jóvenes que él.
Cuando muchos otros sucumben a los cantos de sirena de la gran industria, Jim Jarmusch se mantiene fiel a su independencia, lo que le propicia una libertad creativa total, así como un amplio control sobre su trabajo, desde la escritura del guión hasta la propia exhibición, convirtiéndose en una de las miradas más personales y críticas contra el sueño americano y la sociedad moderna dentro del cine actual. Sus películas son sutiles radiografías sobre la cotidianidad, la incomunicación y la soledad, agridulces crónicas de viajes de unos seres inadaptados en un mundo demasiado inmerso en su autocomplacencia, lo que les impulsa por elección propia a un sempiterno vagabundeo dictado al mismo tiempo por las circunstancias del azar.
Sin Diego A. Manrique, nuestra percepción de la música pop sería distinta. Desde las páginas de la prensa o los micrófonos de la radio, ha ido construyendo, año tras años, un paisaje sonoro que forma parte de la biografía sentimental de muchos españoles. La síntesis de su trabajo que se recoge en Jinetes en la tormenta nos conduce por el latido de la música negra, desde Wilson Pickett a Michael Jackson, evoca el ritmo abrasador del rey del soul Otis Redding, se detiene en gigantes del jazz como Billie Holiday o Miles Davis, nos devela los secretos de «malditos» como Syd Barrett, el genio de Pink Floyd, la desdichada Amy Winehouse o el satánico Aleister Crowley… Tom Waits, Jerry Lee Lewis, los Doors, los Rolling Stones, The Who, U2, Springsteen, Nirvana… y muchas otras figuras esenciales, sin olvidar a los que fueron protagonistas de la llamada movida madrileña, nutren estas páginas retratados con la inigualable capacidad de Diego A. Manrique para hacer que estos Jinetes en la tormenta nos muestren su rostro más auténtico. A veces, conviene advertirlo, el resultado rompe la imagen tópica de algunos artistas. Diego A. Manrique comparte con los lectores las claves de una pasión destilada a lo largo de los años en forma de programas radiofónicos y televisivos y en sus críticas y artículos periodísticos: la crónica social de una época extraordinariamente fértil, que despegó con la aventura generacional de los sesenta. Este libro es la culminación de una dilatada carrera literaria en la que el más reputado de nuestros críticos ha sabido emplear su agudeza para captar una realidad turbulenta y aproximarse a ella desde el lenguaje universal de la música.
Relatado ya el largo e intenso proceso de producción de El hombre tranquilo cinematográfico, estudiadas sus fuentes más directas, descrito el dilatado alcance de la película como referencia cultural, explicada su honda significación en la vida y la obra de John Ford… ¿era necesaria una segunda edición de John Ford en Innisfree? ¿Acaso aún es posible hallar en el film entresijos de interés, nuevos aspectos dignos de ser desvelados? ¿Pueden aparecer todavía trazas inesperadas, sorprendentes y aun esenciales, acerca de una obra tan celebérrima como escudriñada? ¿A través de qué senderos y vericuetos puede entonces ir ramificándose y fructificando esta vez, la homérica historia de John Ford y El hombre tranquilo? El lector irá constatando a lo largo de esta nueva entrega que, en efecto, no se trata de una mera publicación más o menos pulimentada del volumen precedente. Antes bien, al tiempo que edición revisada y limitada de aquel, John Ford en Innisfree ahora también contiene una generosa ampliación en la cual continúa ofreciéndose inédita, abundante y sustanciosa información relativa a los más profundos, pero menos conocidos vínculos que esta singular obra de Ford entraña con el vasto patrimonio histórico y cultural de Irlanda.
Este libro es una pionera monografía que pretende ofrecer al lector la más completa visión acerca de la figura del gran compositor norteamericano John Williams, autor de las bandas sonoras de toda una vida: de las sagas de La Guerra de las Galaxias, Indiana Jones, Parque Jurásico o Harry Potter, y de películas inolvidables como E.T., La lista de Schindler, Lincoln...; y también de una importante obra para concierto, menos conocida entre el gran público. Narrado de forma biográfica, para conocer tanto al músico como a la persona, está enriquecido además con anécdotas de su vida tanto personal como profesional. John Williams: Vida y Obra muestra por vez primera en un solo libro todo lo referente a este gran músico y está dividido en dos partes. La primera realiza un recorrido por la historia personal y musical de Williams, en orden cronológico y por décadas. La segunda parte profundiza en su obra mediante un estudio detallado de la orquestación, estilos, influencias, géneros, y realiza un «viaje analítico» por sus grandes sagas cinematográficas. Además se incluyen análisis musicales, guías de audición y una detallada cronología paso a paso de su vida y sus obras, para que sirva también como manual de consulta y referencia.
Con motivo de celebrar su primer aniversario, un conocido periódico sevillano organizó una exposición dedicada al genial bordador Juan Manuel Rodríguez Ojeda. El presente libro es el catálogo editado para tal evento que conmemoraba a su vez el centenario del manto de malla de la Esperanza Macarena. Dividido en tres partes, en la primera Carlos Colón nos acerca la época de Rodríguez Ojeda. Antonio Mañes Manaute nos presenta la biografía del bordador sevillano en la segunda. Cierra el libro la obra en exposición, con imágenes, datos y descripción de las mismas. Una oportunidad para acercarse a la Semana Santa sevillana.
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Leonardo da Vinci (1452-1519), uno de los seres humanos más brillantes que haya existido, es el paradigma del genio renacentista. Impresionado por la combinación magnífica entre su creatividad artística y su capacidad científica, Daniel López Rosetti le dedica, desde hace más de veinte años, horas de estudio e investigación.Tras la comprensión neurocientífica del porqué del genio y la creatividad, en un giro ficcional, el autor le da voz a la Gioconda, la protagonista de la obra más emblemática de Da Vinci. Consustanciada con su creador desde la primera pincelada, es la encargada de develar los antecedentes biográficos de Leonardo y las particularidades históricas y culturales de la época. La Gioconda, que lo acompañó hasta sus últimos días en el castillo de Clos-Lucé, Francia, cobra vida y, desde su mirada privilegiada, muestra los rasgos íntimos que caracterizaron a esta personalidad extraordinaria y compleja, que revolucionó la historia del arte y se adelantó con sus estudios...
Rafa, Mario y Luis (La Unión) son merecedores de ser el grupo más longevo del pop español. Llevan treinta años en las listas de grandes éxitos, que se implantaron allá por 1984, con la incontestable Lobo hombre en París. Aquella tarjeta de presentación continúa siendo hoy en día la canción en versión single que más semanas consecutivas ha estado en el número uno. La Unión son sin duda el grupo estandarte de la «post movida». Nacidos de la mano de Nacho Cano, asombraron por su exquisita forma de componer canciones, con historias que parecían sacadas de libros de Boris Vian. Los ochenta fueron años de esplendor para el grupo, y su espaldarazo definitivo vino con su cuarto álbum: «Vivir al este del Edén», que les convirtió en un grupo perenne en las tiendas de discos. Tras años de inagotables giras a un lado y otro del océano, grabaron «Tren de largo recorrido» (1992), el álbum en directo más vendido de la historia en España, y a partir de aquí editaron discos que estaban más cerca de lo conceptual que de lo comercial, eso sí, sin perder nada de público. Este nuevo mileno lo encararon con éxitos como Vuelve el amor , y sin dejar nunca la carretera, La Unión son un ejemplo de cómo saber durar y perdurar en este negocio de la música, por encima de tendencias, éxitos y fracasos
Esta es la historia de la leyenda del teatro irlandés Katherine O’Dell: sus inusuales comienzos; su estrellato temprano en Hollywood y ya en la madurez, sus altibajos en Dublín y en el West End de Londres. La vida de Katherine es y ha sido siempre una gran actuación, con su hija Norah mirando desde las bambalinas. Pero esta historia de amor entre madre e hija no puede sobrevivir al pasado de Katherine o al daño que le inflige el mundo. La fama se convertirá en infamia cuando Katherine decida cometer un extraño crimen e inicie un imparable descenso a los infiernos.
La arquitectura del miedo invita a adentrarnos en los espacios arquitectónicos donde reside el terror. En sus páginas crecen castillos, iglesias, manicomios, laboratorios, crecen ciudades enteras y casas como las que cualquiera de nosotros habitamos sin sospechar que en ellas anida también el miedo. Vagamos por las estancias que configuran estos lugares representados en la literatura y el cine de terror: recorremos pasillos, subimos escaleras, descendemos a las criptas y a los sótanos, intentamos sosegarnos ante el fuego de una acogedora chimenea y conciliar el sueño en un dormitorio que quisiéramos considerar nuestro refugio. Todo en vano: no hallaremos calma ni reposo en un hogar amenazado. Basta con dirigir la mirada hacia una ventana o un espejo, con tender la mano hacia una puerta, para preguntarnos qué nos acecha al otro lado. Tal vez sea mejor no conocer la respuesta. Es inevitable, sin embargo, formular las preguntas. ¿Podemos, acaso, hallar consuelo en el arte? ¿En cuadros que sangran y estatuas asesinas? No, es evidente que tampoco el arte nos ayudará a vencer el temor. ¿La música? Tal vez, si no nos importa que las manos que tocan el clavicordio sean las de un espectro o que sea un niño muerto el que entona la cancioncilla infantil que escuchamos. De esto tratan estas páginas: del temor que alcanzan a suscitar los elementos constructivos, ornamentales, arquitectónicos; de los recursos plásticos que emplea el género del terror; de arquitecturas que respiran, asustan y viven. Entre estas líneas se embosca el miedo.
Inma Shara tiene un oficio especial: su trabajo consiste en dirigir orquestas. Y en esa profesión tan apasionante se enfrenta a un reto enormemente complejo, el mismo reto que encara un líder de cualquier sector o un directivo de una empresa: cómo armonizar equipos formados por personas de gran talento, que tocan instrumentos diferentes, para conseguir que esas notas musicales escritas sobre el pentagrama cobren vida, lleguen al público y se despliegue la magia. La batuta invisible quiere reflejar la tensión permanente con la que trabaja un director de orquesta, que debe ser un excelente músico y al mismo tiempo un buen gestor de recursos humanos. En definitiva, el director de orquesta se enfrenta al doble reto de todo líder: marcar unos objetivos compartidos por todos, que respeten la capacidad y la intuición artística de cada uno de los miembros del equipo, y lograr que estos objetivos trasciendan en una interpretación que emocione y entusiasme al público. En este libro, Inma repasa, entre otras cuestiones, el tipo de formación que se requiere para llegar a este nivel de liderazgo y cómo se resuelve el desafío de seguir fielmente la partitura del compositor y cumplir a la vez las expectativas del público.
«La ciudad» es uno de los libros que más ha influido en el cómic y la novela gráfica del siglo XX. Esta novela sin palabras, publicada en 1925, fue realizada con grabados en madera y ha sido considerada por artistas como Will Eisner una obra maestra absoluta del arte del pasado siglo. Masereel representa escenas de la vida cotidiana de una ciudad enmohecida por el hollín de las fábricas y la oscuridad de la pobreza. Este ambiente contrasta con el brillo y la majestuosidad de las zonas ricas de la misma urbe. Hombres de capa y sombrero, obreros de rostros enjutos, prostitutas y damas de la alta sociedad son parte de los habitantes de este libro.
Referencia, Arte, Historia, Ciencias sociales, Crítica y teoría literaria
Muchas veces el conocimiento se ha visto encorsetado por fórmulas y barreras, y se ha alejado de su labor más útil, que es enriquecer nuestras vidas y ayudar a conocernos mejor. ¿Cómo y por qué surgieron la sociedad moderna, el Estado, la ciencia, la democracia o la administración? ¿Qué ha dicho Heidegger que no supiéramos ya? ¿Por qué Don Quijote, Hamlet, Fausto, Robinson, Falstaff o el Dr. Jekyll y Mr. Hyde son figuras tan conocidas? ¿Dónde estaba el inconsciente antes de Freud? Este libro aborda los episodios remotos y centrales del Antiguo y Nuevo Testamento, la emergencia de los Estados y la epopeya de la modernización, las revoluciones y la democracia, la evolución de la literatura, el arte y la música a través de sus grandes obras, el desarrollo de la ciencia y la filosofía, el campo de batalla de las ideologías, cosmogonías y teorías, pero también la educación que dan los libros, los colegios o universidades, los periódicos y los foros de opinión. Un cuadro cronológico, una breve relación de los libros que han cambiado el mundo, consejos de lectura y un índice onomástico muy detallado aumentan la utilidad de esta obra imprescindible. «Una brújula para guiarnos en el mundo moderno, para sortear el actual laberinto de datos». FERNANDO SAVATER «Un libro que lo comprende todo, para aquellos chalados que no quieren morir de actualidad, alimentados sólo por un telepizza y un vídeo pirata». VICENTE VERDÚ «Este libro incluye todo aquello que uno nunca se atreve a preguntar en una tertulia. La cultura nos ofrece un bagaje cultural para el nuevo milenio». DIE ZEIT
En La danza de Śiva está la esencia de la experiencia de la estética india, arraigada en la «constante intuición» de la unidad y la armonía de la vida, donde cada cosa tiene su lugar, cada ser su función y cada interpretación su momento en el divino concierto dirigido por Śiva, el señor de los danzantes. De su esencial armonía dan cuenta los siete ensayos de profundo y clarificador análisis con que Coomaraswamy nos presenta la historia y esencia del arte de la India.