Las dos obras, expresión del Romanticismo rioplatense, tienen propuestas estéticas distintas: "La cautiva" construye en forma de poema la geografía pampeana e instala en ese espacio el enfrentamiento brutal de dos culturas. "El matadero", escrito en prosa y con lenguaje crudo y popular, enmascara en su ficción la crítica al régimen de Rosas. En el estudio que acompaña la edición, ambas obras sirven de motivo para renovar un planteo que nos sigue tocando de cerca: el problema de la alteridad (el indio, el mazorquero, o quien en nuestros días sea visto como "otro") y la necesidad de clasificarlo en un universo de sentidos.
Crítica y teoría literaria, Fantástico, Poesía, Ensayo
La caída de Arturo, única incursión de J. R. R. Tolkien en las leyendas del rey Arturo de Bretaña, puede ser considerado su mayor logro en el uso del metro aliterado en inglés antiguo. Una obra en la que consiguió comunicar la sensación de inevitabilidad y de gravedad de los acontecimientos: de la expedición de Arturo a las lejanas tierras paganas, de la huida de la reina Ginebra de Camelot, de la gran batalla naval al regreso de Arturo a Bretaña; en el retrato del traidor Mordred, en las atormentadas dudas de Lancelot en su castillo de Francia.Desgraciadamente, La caída de Arturo fue uno de los extensos poemas narrativos que Tolkien abandonó durante aquel período. En este caso, resulta evidente que lo comenzó a principios de la década de 1930, y a su juicio estaba lo suficientemente desarrollado como para enviarlo a un amigo muy perspicaz que lo leyó con gran entusiasmo a finales de 1934, y le dijo: «¡Tienes que terminarlo!». Pero fue en vano. Lo abandonó en una fecha desconocida, aunque existen ciertas evidencias de que pudo ser en 1937, el año de la publicación de El hobbit y de los primeros albores de El Señor de los Anillos. Años después, en una carta en 1955, decía que «esperaba terminar un largo poema sobre La caída de Arturo»; pero aquel día nunca llegó.Junto al texto del poema, sin embargo, existen muchas páginas manuscritas, gran cantidad de borradores y diversos experimentos en verso en los que se revela la extraña evolución de la estructura del poema, junto con sinopsis en prosa, así como notas muy interesantes. En estas últimas, se pueden discernir claramente las asociaciones de la conclusión de Arturo con El Silmarillion, y el amargo final del amor de Lancelot y Ginebra, que nunca llegó a escribir.
La chica desastre de los vestidos de verano consta de poemas y prosas poéticas que conforman, como un mosaico, la imagen de un amor real, con sus luces y sus sombras, con todas las etapas por las que se desarrolla un romance actual, de personas que descubren el amor: seres impulsivos, con la emoción a flor de piel, destacando las virtudes y reconociendo los defectos, sin ocultarlos ni maquillarlos. Textos que hablan de afecto, de desamor, de superación, de creer en las posibilidades de uno mismo, a través del enmarañado camino de las pasiones. E incluye textos nuevos que harán las delicias de sus incondicionales.
Me gusta porque llora como una niña pequeña y ama como una mujer, porque es la más cobarde a la hora de ver una película de terror y la más valiente cuando se trata de apretarme la mano en las dificultades, porque cuando ve una abeja reacciona como si la persiguiera un dinosaurio y cuando la vida la amenaza de verdad aguanta de pie sin la menor dubitación.
Publicado en 1979 por Gonzalo Millán desde el exilio en Quebec, Canadá, y editado en Chile sólo 15 años más tarde, La ciudad es, ante todo, un testimonio poético crudo y despojado de metáforas de la experiencia colectiva y cotidiana de la dictadura. En un código que anuncia la estética del videoclip, el poemario despliega una sucesión de imágenes que transitan sin respiro, como un galope incesante y vertiginoso que, sin embargo, no conduce a ninguna parte: es la crónica de una ciudad cuya conciencia aparece repentinamente suspendida, avasallada por el miedo y oscurecida bajo la sombra del Anciano, una suerte de poder absoluto y omnisciente que invade los niveles públicos y privados de la realidad.
Según el crítico Mariano Aguirre, La ciudad es «un poema emblemático porque construye un espacio que cierra un modo de convivencia ciudadana y avizora otro en que las relaciones humanas se prevén fuertemente alteradas por el ejercicio de un poder ignominioso». Considerando que su escritura fue iniciada en septiembre de 1973, inmediatamente tras el golpe militar, el texto cobra, en efecto, un valor auténticamente profético, al tiempo que suscribe un compromiso irrecusable con la coyuntura político-histórica de la que brotó.
Ante la mirada de un mundo sobrecogido tras la invasión del Capitolio de los Estados Unidos, Amanda Gorman tomó la palabra a continuación del presidente Joe Biden. Era la poeta más joven que recitaba en una ceremonia de investidura, como antes lo hicieron Robert Frost o Maya Angelou, y cautivó a millones de personas que veían en ella la luz de una esperanza, y en los versos de La colina que ascendemos la inauguración de una nueva era.Afroamericana criada por una madre soltera en un modesto barrio multicultural de Los Ángeles, defensora del medio ambiente, la igualdad racial y la justicia de género, Gorman se ha convertido en la voz de los olvidados.
Si bien, tradicionalmente, la pluma se ha considerado como un arma tan peligrosa como la espada a la hora de zaherir al prójimo, Felipe Santa-Cruz nos la presenta como una daga que alcanza, más que a nadie, al propio poeta. Con este tema de fondo, vamos internándonos en los diversos anhelos, flaquezas y pesares propios del ser humano, para terminar encontrando que, para cada herida, para cada puñalada, existe una promesa de sutura.
En su segunda obra, Salvago nos muestra, ya desde su título, temas y rasgos esenciales de su obra poética, como la melancolía por la derrota vital y la resistencia a través de la ironía.
«La divina comedia» es un poema donde se mezcla la vida real con la sobrenatural, muestra la lucha entre la nada y la inmortalidad, una lucha donde se superponen tres reinos, tres mundos, logrando una suma de múltiples visuales que nunca se contradicen o se anulan. Los tres mundos infierno, purgatorio y paraíso reflejan tres modos de ser de la humanidad, en ellos se reflejan el vicio, el pasaje del vicio a la virtud y la condición de los hombres perfectos. Es entonces a través de los viciosos, penitentes y buenos que se revela la vida en todas sus formas, sus miserias y hazañas, pero también se muestra la vida que no es, la muerte, que tiene su propia vida, todo como una mezcla agraciada planteada por Dante, que se vuelve arquitecto de lo universal y de lo sublime.
El único poemario de una artista polifacética que es todo un referente para varias generaciones: feminista, música y poeta; comprometida y talentosa. Gata Cattana. La escala de Mohs es una tabla de diez minerales ordenados por su dureza que se usa para medir la maleabilidad de cualquier otro. Y eso son también estos poemas, una unidad de medida de nuestros principios, como personas y como sociedad, un libro que nos pregunta salvajemente por lo que creemos y nos creemos. 'Todo el mundo se vende. Yo me vendí por tres milímetros de iris azul tanzanita en cada ojo' escribe Gata. 'Todo el mundo tiene un precio'. La identidad, la crítica a una sociedad grotesca, el feminismo, el amor, la torpe historia que se repite agónicamente... Todo eso es este libro. Pero ante todo, es el legado de un talento magnífico, el de la politóloga, rapera y poeta Gata Cattana, un mito y una voz imprescindible para nuestras generaciones. El libro contiene dos poemas inéditos de Gata, uno de ellos en su versión manuscrita.
La escarcha y la lumbre es el título de este poemario y estos dos elementos representan el Ying y el Yang, la armonía de contrarios, como señala Jorge en su prólogo. Pero son también otros elementos que deambulan por los versos de este libro: el amor y el desamor, el frío y el calor, el cobijo y la intemperie, etc. Y de la unión de estos contrarios surgen las ideas, las imágenes de los poemas. El tema principal es el amor, el segundo los poemas sociales y solidarios y el tercero que flota a lo largo de todo el poemario es el paso del tiempo y la nostalgia. Esto se hace más patente en los poemas que cierran el libro.
«Hace muchos años, Tolkien compuso su propia versión, que se publica ahora por primera vez, de la gran leyenda de la antigüedad nórdica, en dos poemas relacionados entre sí a los que dio los títulos de La nueva balada de los völsungos y La nueva balada de Gudrún. »En La balada de los völsungos se relata la historia del gran héroe Sigurd, el cazador del más célebre de los dragones, Fáfnir, de cuyo tesoro se apoderó; del despertar de la valquiria Brynhild, que dormía rodeada por un muro de fuego, y de sus esponsales; y de su llegada a la corte de los grandes príncipes a quienes llamaban los niflungos (o nibelungos), de quienes se convirtió en hermano de sangre. En esta corte nació un gran amor, pero también un gran odio, alimentado por el poder de la hechicera, madre de los nibelungos, iniciada en las artes de la magia, de las transformaciones y de las pociones de olvido. »En escenas de dramática intensidad, de confusión de identidades, pasiones frustradas, celos y amargas luchas, la tragedia de Sigurd y Brynhild, del nibelungo Gunnar y su hermana Gudrún, se hace más intensa hasta su final con la muerte de Sigurd a manos de sus hermanos de sangre, el suicidio de Brynhild, y la desesperación de Gudrún. En La balada de Gudrún se relata su destino tras la muerte de Sigurd, su matrimonio en contra de su voluntad con el poderoso Atli, soberano de los hunos (el Atila histórico), el asesinato de éste a manos de los hermanos nibelungos de Gudrún, y la espantosa venganza que ésta lleva a cabo. »La versión de J. R. R. Tolkien es fruto de su exhaustivo estudio de la poesía noruega e islandesa recogida en la Edda poética (y allí donde no hay poesía antigua, de la posterior obra en prosa Völsunga Saga), de ahí el uso de estrofas breves cuyos versos imitan los ritmos aliterativos y la poderosa energía de los poemas de la Edda.» CHRISTOPHER TOLKIEN
En este libro de poemas Álber Vázquez muestra el aspecto más instintivo del hombre, en soledad, incluso en el amor, en busca de un destino no muy definido. Poemas siempre con varias estructuras, como varias capas que se pudieran ir desentrañando. Así se puede mirar tranquilamente la descripción como quién mira un paisaje. O puede ir bajando hasta tantos niveles como uno sea capaz de descubrir, hasta la dureza más absoluta del interior del hombre.
Era sabido que un libro como este podía escribirse entre nosotros, pero alguien tenía que demostrarlo. Un libro entre la alucinación y el llanto, entre el salmo y la insurrección; un libro a horcajadas entre la compasión y la ira, un altar de resistencia y esperanza; un extensísimo poema que se atreve a intentar acoger toda la miseria del mundo, un grito profético sin una gota de demagogia. Tras un proceso de escritura de quince años que su autor da por definitivamente concluido, se publica en el presente volumen la totalidad del poema completo, cuya estructura final alcanza los 55 cantos y casi cinco mil versos, en lo que constituye uno de los proyectos creativos más singulares y perturbadores de la reciente poesía española. La presente edición es definitiva y presenta la totalidad del poema (en 5 secciones, en 55 cantos, en 5.000 versos) con su estructura final, incorporando las 3 secciones completas que faltaban (Para los que aún viven, La Caída de Dios y Canción de E) y reescribiendo significativamente las dos iniciales ("El Saqueo" y "Los Otros Pobladores".
Ana Istarú con La muerte y otros efímeros agravios renueva su compromiso vehemente con la vida, tocando el tema de la violencia desde sus más triviales formas, hasta el pavor organizado de la guerra. La muerte asume, en el poemario, dos faces difierentges: la nada, el aniquilamiento, el genocidio en esta porción específica del mundo que es Centroamérica, enfrentada a la otra muerte, la que no es más que un trámite fecundo e inevitable impuesto por natura, para consumar el rito recurrente de la existencia. Ana Istarú (1960) es una una poeta y dramaturga costarricense.
Todo libro de critica literaria, como la locura de Hamlet, ha de tener método; en este, se ha preferido seguir los textos y no a los autores. De allí el titulo La mascara, la transparencia, términos que Sucre toma prestados de Jose Lezama Lima y en los que ve algo de misterioso, pues indican la posibilidad que se presenta al poeta de hacerse invisible y dejar que su obra hable por el.
La máscara del mono es una experiencia única. Es poesía. Es una nove¬la negra. Es donde el arte más elevado se encuentra con la baja vida y la poesía se enfrenta a la profanidad en las calles de una ciudad moderna y áspera. «Estoy en Sydney. Cada vez que entro en una librería me llama la aten-ción la última novela en verso de Dorothy Porter, titulada El Dorado. Es finalista de un gran premio literario. Me confesó que le hacía ilusión, aunque tiene toda clase de premios como poeta y como novelista. Sé que estoy siendo injusto: me encantan sus poemas, pero sigo arrugando la nariz ante esa especie de engendro, de género híbrido en el que no creo demasiado. Pero el talento de Dorothy derrota mis prejuicios ab¬surdos. Convencido de que ella es incapaz de hacer una payasada, com¬pro La máscara del mono, novela que la lanzó al estrellato. La leo de un tirón. Milagro. Funciona. Dorothy tiene una capacidad asombrosa para describir con breves poemas sueltos diferentes estados de ánimo; alcan-zar momentos de gran intensidad erótica; presentarnos la brutalidad y el dolor del crimen; establecer la voz de la protagonista y narradora con una solvencia estimable; describir un contexto social, como es obligado en toda novela negra. Bingo, caramba. Lo primero que hago al regresar a Barcelona es iniciar una campaña bajo el título: “El pesado de Enrique se ha empeñado en que alguien publique a esta australiana rara que es¬cribe novelas en verso”. Es cierto que puedo llegar a ser muy insistente, pero la Porter lo vale. Es buena.» Del prólogo de ENRIQUE DE HÉRIZ
«Lancelot and Elaine» es uno de los doce poemas que conforman «Idylls of the King», la obra en que Alfred Tennyson (1809-1892), el Poeta laureado de la reina Victoria, plasmó su sueño de recrear el universo del rey Arturo y los caballeros de la Mesa Redonda de acuerdo con su particular visión del legendario soberano como un devoto de «las causas del honor, el deber y el sacrificio personal». La tragedia individual de esta damisela, última enamorada de Lancelot, reproduce las líneas del conflicto que corroe a todo un reino incapaz de sobrevivir al abismo que se abre entre el recuerdo de lo que fue, la ilusión de lo que debería ser y la realidad de lo que es. Profundamente enraizados en la cultura de los países anglófonos, los «Idilios» (aún no traducidos en su totalidad al castellano) han seguido gravitando por múltiples vías, directas e indirectas, en la recepción de la leyenda artúrica en la modernidad.