Esta obra transcurre en la Francia de 1947. Seis mujeres y un hombre integran una triste y decadente orquesta, que ofrece todos los ritmos, en el palco de un bar de un establecimiento dedicado a aliviar enfermos de estreñimiento. En este patético y grotesco escenario de vida, estas personas luchan por sobrellevar los efectos devastadores del tiempo doloroso y cruel que sobreviene después de una guerra, cualquiera sea. «L’Orchestre», tal es el nombre en francés, retrata de un modo sumamente irónico las vidas patéticas de esas mujeres que en la realidad de su época solían ser las ejecutantes de las orquestas, pero que tocaban desde un foso, ocultas a los ojos del público. Las que sí estaban sobre el escenario y fingían tocar los instrumentos eran mujeres atractivas, que se ofrecían a la vista de los parroquianos esperando ser «seleccionadas» por alguno. Cuando esto sucedía, abandonaban su lugar en la orquesta y eran reemplazadas inmediatamente por otra «señorita» en las mismas condiciones. Música en directo y las historias de los personajes que van desgranándose entre piezas musicales. Un striptease del alma de las protagonistas. Bajo la tiranía de la depredadora directora de la orquesta y del invisible señor Lebonze, dueño del establecimiento. El arte y la vida no son lo que parecen. La tragedia produce risa. Jean Anouilh, emblemático autor contemporáneo, que ha escrito piezas inteligentes y certeras, teje aquí una trama perfecta que muestra en una situación límite de vida, a siete personajes prototípicos de la sociedad, que interactúan durante su trabajo diario, mostrando sus carencias, sus dolores, alegrías y miserias y en ese marco se degradan y agreden sin piedad tratando de sobrevivir. Melodrama impactante que presenta momentos contradictorios de humor, que como en los viejos espectáculos teatrales de nuestro teatro, hacen reír… llorar y pensar.
Dos esfinges, de pronto, se ponen a hablar, en el decorado evanescente de estucos quebrados de una falsa Venecia americana, desafectada, lujuriante y hórrida: dos diosas o dos fetiches totémicos que increpan y murmuran y susurran y se atenazan y se atraen, repelen o complementan en lo oscuro, más allá de las claridades de liento plateado de la pantalla cinematográfica, más allá del círculo encendido de los focos, en la última zona donde el mito, llameante, es ya sólo mito y ha sorbido, en la perennidad del emblema, la identidad personal. Duelo de diosas, Orquídeas a la luz de la luna pone en acción, en el diálogo entre dos emblemas, lo que, más allá de su individualidad concreta, encarnan ya, en el vasto teatro de la historia, los mitos, que no las personas, de MARÍA Félix y DOLORES del Río. Coturno para dos emperatrices, Orquídeas a la luz de la luna es también solio y campo de Agramante de la palabra: fundación, en la fábula escénica, de un nuevo espacio poético.
Esta célebre obra teatral transcurre en los años cincuenta del pasado siglo, en los suburbios portuarios de Nueva York. En ese decorado —dominado por la imponente presencia del puente de Brooklyn— aborda Miller el drama de los inmigrantes ilegales, sobre cuya existencia precaria y clandestina se cierne la amenaza de los funcionarios de Inmigración y la posible expulsión del país. Tal es el caso de Marco y Rodolfo, dos jóvenes hermanos sicilianos, huidos de la miseria de su tierra natal, que se refugian en la humilde casa del estibador Eddie Carbone. Éste, un ser impulsivo, de instintos tan bienintencionados como primarios, vive con su esposa Beatrice y una sobrina, Catherine, una muchacha a la que Eddie quiere proteger obsesivamente del hostil mundo exterior. Entre Catherine y Rodolfo no tarda en surgir una mutua atracción, pero los celos y las sospechas comienzan a atormentar a Eddie y le impulsan a tomar un camino sin retorno.
Peer Gynt es un adolescente aldeano y fantasioso que desea una vida llena de lujos y poder. Su carácter y personalidad disgusta a la gente que lo conoce, incluso a su madre Asa, la cual tiene grandes problemas para controlarlo y se indigna fácilmente con las actitudes de su hijo. Un día, Peer asiste a una boda a la cual no fue invitado y queda profundamente enamorado de una joven llamada Solveig. Ésta lo rechaza, debido a su negativa fama. Cuando el futuro novio le pide ayuda a Peer Gynt para convencer a la novia, éste escapa con la misma y la deja abandonada en una colina, al decidir ir por otro camino… Peer Gynt es una obra dramática escrita en 1867 por el escritor noruego Henrik Ibsen. Fue publicada el 14 de Noviembre de ese año. La primera edición fue de 1250 ejemplares y fue seguida, 14 días después por una reedición de 2000 copias. A diferencia de otras obras de Ibsen, ésta es una obra fantástica, en lugar de una tragedia realista y está escrito en verso. La historia ha inspirado obras musicales como la homónima de Edward Grieg.
La emoción, la belleza, el sentido trágico y al mismo tiempo grotesco de las grandes pasiones humanas hallan en La Celestina una de sus más intensas expresiones. El «loco amor» de Calisto y Melibea, enhebrado con los hilos de una «bruja», Celestina, culmina fatalmente con la muerte de ambos. Fernando de Rojas es capaz de contarnos esta historia con una habilidad insospechada, que ata al lector a un texto poderoso y magnífico y que obra el milagro de llenar de pasión la lectura misma.Esta edición incluye una introducción que contextualiza la obra, un aparato de notas, una cronología y una bibliografía esencial, así como también varias propuestas de discusión y debate en torno a la lectura. Está al cuidado de Santiago López-Ríos, profesor de literatura española de la Universidad Complutense de Madrid.
Si Calderón de la Barca es el autor teatral barroco por excelencia, cabe decir que La vida es sueño es la obra que sustancia los grandes temas de este movimiento.
La historia del príncipe Segismundo, que sale de la cueva en la que había sido encerrado por su padre para convertirse en rey por un breve lapso de tiempo —un tiempo soñado—, antes de ser devuelto de nuevo a ella, da pie a un complejo drama sobre el libre albedrío, la fugacidad de la vida y la falsedad de las apariencias.
Esta edición incluye un aparato de notas, una introducción que contextualiza la obra, una cronología y una bibliografía esencial, así como también varias propuestas de discusión y debate en torno a la lectura. Está al cuidado de Enrique Rull, profesor titular de literatura española en la Universidad Nacional de Educación a Distancia.
Jasón no solo regresó de la Cólquide con el vellocino de oro, sino que también sedujo a la hija del rey Eetes, Medea. A su vuelta a Yolco, hallan un escenario de traición familiar del que huyen dejando un rastro carmesí. Cuando recalen en Corinto, Medea desplegará una pavorosa venganza contra Jasón al descubrir que pretende a la hija del rey Creonte. Este imperecedero personaje femenino recoge las leyendas que veían a la hechicera como una mujer exótica y salvaje que, por amor, despierta el lado atroz de lo humano. Sus coetáneos decían que Eurípides prefería representar «las cosas como son y no como debieran», y ello quizá sea lo que nos sigue atrayendo de esta princesa extranjera: su cruda realidad, su repulsión natural hacia el perjurio, su asimilación negada, su temible ira, su compromiso con la sangre. La presente edición de «Medea» cuenta con la versión y la introducción del helenista, escritor y traductor Ramón Irigoyen. Asimismo, los profesores de comunicación audiovisual de la Universidad Pompeu Fabra, Jordi Balló y Xavier Pérez han escrito a cuatro manos el epílogo «La venganza triunfal».
El gran teatro del mundo demuestra la pericia del autor en géneros tan diferentes como el auto sacramental, la comedia filosófica o el drama de honor. Traducido y representado innumerables veces, en todo tiempo y lugar, este auto sacramental ha superado los condicionamientos estéticos de la época en que fue escrito para extender con fuerza un mensaje ya conocido desde los clásicos latinos: la vida no es más que una mera representación en la que nuestro papel está determinado y dura tan poco como ésta, y en la que lo importante es «obrar bien».Esta edición incluye una introducción que contextualiza la obra, un aparato de notas, una cronología y una bibliografía esencial, así como también varias propuestas de discusión y debate en torno a la lectura. Está al cuidado de Enrique Rull, profesor de literatura española de la Universidad Nacional de Educación a Distancia.
Nacido pocos meses antes que Shakespeare, Christopher Marlowe es uno de los dramaturgos más importantes de la literatura inglesa. Ambos vivieron en Londres, donde cosecharon el arte de la poesía y escribieron exitosas obras que modernizaron el teatro del siglo XVI e inauguraron la época isabelina. No obstante, la obra de Marlowe quedó trágicamente interrumpida en 1593. Su muerte prematura plantea, todavía hoy, uno de los mayores «¿Y si...?» de la historia de la literatura: ¿Qué otras obras habría escrito? y, sobre todo, ¿cuál habría sido su papel en la tradición occidental?La presente edición, una versión de Aliocha Coll, Andrés Ehrenhaus y Andreu Jaume, reúne la obra completa de Christopher Marlowe formada por las dos partes de Tamerlán el grande, El judío de Malta y Eduardo II, que sirvieron como fuente de inspiración para El mercader de Venecia y Ricardo II de Shakespeare y La trágica historia del doctor Faustus, considerada una de las grandes obras de la literatura universal. A estos dramas se suman Dido, reina de Cartago y La masacre de París, así como el poema largo Hero y Leandro y El pastor apasionado a su amor, traducidas por primera vez al castellano.
Se cree que Esquilo escribió la tragedia Prometeo encadenado como parte de una trilogía probablemente seguida de las obras perdidas Prometeo liberado y Prometeo portador del fuego. Las tres hubieran dado cuenta de la historia de Prometeo, castigado por los dioses, acusado de haber robado el fuego del Olimpo y de haberlo entregado a los humanos. Esta obra relata los acontecimientos inmediatamente posteriores a los del mito, en los que el titán encadenado profetiza el derrocamiento de Zeus como rey de todos los dioses. Esquilo hace una exquisita muestra de los temas más característicos de la tragedia griega y de su propia obra: el ineludible destino y el sufrimiento existencial.El helenista y escritor Ramón Irigoyen ha preparado para esta edición un prólogo que acompaña a su traducción de la obra. Además, Jordi Balló y Xavier Pérez, profesores de comunicación audiovisual en la Universidad Pompeu Fabra, han escrito a cuatro manos el epílogo con el que se cierra este volumen.
Platónov es una obra de teatro escrita por Antón Chéjov cuando este tenía 18 años (entre 1878 y 1880). El manuscrito fue entregado a la actriz María Yermólova a para ser representado en el Teatro Maly de Moscú, pero fue rechazado por la dirección del teatro en 1882. Desaparecido, el texto fue encontrado en 1921 en la caja fuerte de un banco de Moscú.Platónov habla de la caída de un hombre y, con él, de la extinción de todo un mundo. En esta obra temprana y sin embargo magistral, Chéjov nos muestra todos los temas, los personajes y las obsesiones que caracterizaron su obra dramática de madurez. Protagonizada por Mijaíl Platónov, un maestro de escuela de provincias que arrastra un desencanto enorme por la vida que acabará sumergiéndolo en la desesperación, Chéjov hace un retrato preciso de una sociedad herida de muerte, que ataca como un animal moribundo y que está a punto de perecer definitivamente.
En la constelación de autores británicos que surgieron en la posguerra de la Segunda Guerra Mundial, muy pronto se destacó la figura de Harold Pinter (que hoy sigue en el primer plano de los grandes autores), se diría que como una brillante ilustración del parentesco que el filósofo Georg Lukacs encontraba entre el naturalismo y la vanguardia. Se diría que se trataba de un absurdo bañado de realidad reconocible, y que los espectadores del teatro —y de la radio, y del cine y de la televisión— reconocían y reconocen como una voz aguda contemporánea. Pinter comenzó su hoy extensa obra en 1957 con «The room» («El cuarto»), siendo desde entonces los cuartos cerrados, con muy pocos personajes, dos o poco más, los escenarios de muchos de sus dramas. En 1960 daría «The caretaker» (que se tradujo como «El guardián»), y comenzó su fama. Aquella vanguardia naturalista trascendió luego, hasta nuestros días, en un teatro político que da lugar a temas como la tortura y la opresión lingüística. A esta fase corresponden las excelentes muestras contenidas en este volumen.
Casona, crítico siempre de los males de la sociedad civilizada -del mundo urbano- utiliza el tema del suicidio como telón de fondo del asunto central: la felicidad e infelicidad en dos hermanos, en dos seres a quien el destino se muestra con doble faz, como Jano. La justicia o injusticia nada tiene que ver con el corazón ni con los sentimientos que presiden las relaciones entre los humanos. En la obra todo sirve a una idea central: la exaltación de la vida, el rechazo del suicidio. No hay nada que lo justifique porque fuera está la naturaleza, encarnada en la primavera, con toda su potencia, con toda su savia que reanima los deseos de gozar.
Prometeo encadenado es una tragedia de la antigua Grecia, tradicionalmente atribuida a Esquilo, pero actualmente es considerada por muchos eruditos el trabajo de otra mano, quizás durante el siglo IV a. C. Sin embargo, todavía es incluida normalmente en las ediciones de Esquilo. Hay pruebas que era la primera parte de una trilogía, pero de las otros dos partes, Prometeo liberado y Prometeo portador del fuego, sobreviven sólo fragmentos. La obra abre con Prometeo cautivo y encadenado a un acantilado. Un coro de ninfas marinas se esfuerzan por confortarlo y él les cuenta como ayudó a Zeus a ser el más poderoso de los dioses. Pero ahora el poder ha convertido a Zeus en un tirano; y en su esfuerzo por liberar a los hombres del yugo de Zeus ha sido castigado. También relata a las ninfas que él tiene un secreto que Zeus necesita y que un día irá a pedir por su ayuda. Océano, padre de las ninfas, viene en su carro tirado por caballos alados y dice a Prometeo que sea humilde y se someta a su castigo, pero este se mantiene orgulloso y desafiante. En la escena siguiente aparece Io, Princesa de Argos, a quien Zeus ha convertido en una vaca. Io alguna vez fue la favorita del dios pero este se volvió contra ella y ahora está condenada a vagar por el mundo, molestada por un tábano que la pica continuamente. Prometeo profetiza que Io volverá a su forma verdadera y dará a luz a un héroe que lo liberará de sus cadenas. Finalmente Zeus reclama a Prometeo por su secreto y cuando este se reúsa a revelarlo el dios lo amenaza con un águila que le comerá las entrañas. Y como gran final, golpea violentamente las rocas alrededor del Titán con un rayo.
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En el prólogo a esta Prosa completa de la mítica poeta argentina Alejandra Pizarnik, Ana Nuño nos habla de este libro imprescindible y esperadísimo en los siguientes términos: «El interés que presenta esta edición, respecto del ominoso imperativo de la novedad editorial, es triple: ofrece una ordenación cronológica de un material que en su momento fue recogido en volumen, tanto en Argentina como en España; rescata textos, sobre todo, mas no exclusivamente, de crítica literaria de la autora, publicados originalmente en revistas literarias de difícil consulta, y da a leer este conjunto como un todo, lo que le permite subrayar la coherencia y correspondencias múltiples entre prosa de creación y prosa ensayística, por un lado, y, por otro, entre el conjunto de la prosa y la obra poética. Conviene destacar dos aspectos de la prosa de Pizarnik. Los relatos, en primer lugar, cuajados de motivos y figuras recurrentes en la obra poética: la seducción y la nostalgia imposibles, la tentación del silencio, la escritura concebida como espacio ceremonial donde se exaltan la vida, la libertad, y la muerte, la infancia y sus espejismos, los espejos y el doble amenazador… Importa menos, en este sentido, la extensión de los relatos que la intensa concentración en ellos de un trabajo de escritura que busca exaltar los poderes del lenguaje. Éste es —y no la muerte o la locura o el suicidio— el gran motor de la obra de Pizarnik».
«Me viene el futuro y no es inerte. Nada es inmutable. Nadie. Para esto envejecí, para saber que puedo cambiar todo». Márgara es una mujer con el don de la profecía. Como a Casandra, tampoco a ella la creen, aunque lo que vaticina sea la esperanza del mundo. Para salvarnos —augura—, solo hace falta que la humanidad oiga y entienda que la bondad trae ganancia. Nora, el personaje creado por Henrik Ibsen en «Casa de muñecas», decide enfrentarse a su propio creador y discutir con él sus dichos y acciones. Al hacerlo, ella se vuelve autora de su identidad, al tiempo que convierte en personaje al dramaturgo. Dos mujeres, dos voces que se levantan y crecen como una tormenta para mostrar las caras de la violencia e intentar rebelarse ante la opresión y los mandatos. Griselda Gambaro vuelve a deslumbrar con dos obras teatrales poéticas, incisivas, originales, en las que con lucidez extrema indaga en los pliegues del poder y la dominación.
Dentro del teatro de Alejandro Casona(1903-1965) el Retablo jovial significa la vuelta a las raíces escénicas: una adaptación de relatos y fablilla populares para “devolver al pueblo lo que es del pueblo “devolver al pueblo lo que es del pueblo” Cinco piezas cortas: Sancho Panza en la ínsula, Entremés del mancebo que casó con mujer brava, Farsa del cornudo apaleado, Fablilla del secreto bien guardado, Farsa y justicia del corregidor, Construyen este relato entretenido, chisporroteante de gracia y disparate, seleccionado del relato de cervantes, Baccoccio y otros grandes escritores. Con toda su sabiduría teatral. Casona los escribió para llevarlos por los rincones más apartados de la geografía española en su grupo “Teatro del Pueblo” de las Misiones Pedagógicas.
Rinoceronte (1959) es la pieza más rica y densa de Eugène Ionesco (nacido Eugen Ionescu, Slatina, Rumanía 1909-París 1994). Sin abandonar el espíritu de innovación ni la comicidad de La cantante calva , Ionesco introduce un mito: todos los habitantes de una ciudad mutan paulatinamente en rinocerontes. El animal encarna el fanatismo que "desfigura las personas, las deshumaniza". Cuando solamente Berenguer resiste la marea de las bestias feroces, símbolos del totalitarismo, comprendemos que estamos ante una reflexión sobre la historia. Mientras bestias inmundas correteen todavía en el planeta, siempre habrá héroes dispuestos a decir: "No capitulo".
Ambientada en la zona cordillerana, historia del romance entre un telegrafista y una mujer a la que encontró extraviada y que resulta ser contrabandista.
«Rosas de otoño» es una obra de teatro del dramaturgo español Jacinto Benavente estrenada el 13 de abril de 1905. La pieza narra las peripecias de Isabel, segunda esposa de Gonzalo, al constatar que su marido ha puesto los ojos en otra mujer, llamada Josefina. Ésta última es además objeto de atención de Pepe, a su vez, marido de María Antonia, hija del primer matrimonio de Gonzalo. Gonzalo, viejo, Don Juan al que ya se le fue el tiempo, paga lujos y saraos a Josefina, mujer con pasado y al marido de Josefina lo coloca en su firma comercial para que haga la vista gorda; finalmente se impone el sentido común y las abnegadas Isabel y María Antonia mantienen sus respectivos matrimonios, pese a la vida de infidelidades que sus respectivos maridos las han hecho pasar y aún las harán sufrir.