Narra la vida aventurera de Gabriel Orsenna, uno de los personajes más peculiares y divertidos de la actual literatura francesa. Gabriel nace en 1883 y crece en un curioso ambiente familiar. Influenciado por su abuela, en su juventud se convierte en abanderado de las ideas positivistas por entonces en boga, y consigue un puesto de trabajo en la embajada de Brasil en Londres. Durante el viaje a Inglaterra conoce a las dos hermanas que serán las mujeres de su vida: Clara y Ann Knight, de caracteres muy diferentes pero que, con Gabriel, constituyen un singular trío de amantes y enamorados… Tras apasionantes aventuras y experiencias en Brasil, años después Gabriel regresa a Francia y se reencuentra con Clara. Y comienza su época más feliz, dedicado a diversos proyectos relacionados con la gran Exposición Colonial que se prepara para 1931. Divertida y brillante, La exposición colonial recrea con pleno acierto la decadencia del Imperio francés y las peripecias de unos protagonistas que consiguen plasmar una original visión del mundo y de los secretos del alma humana.
Un viaje por la escritura. Un volumen donde se recogen, en forma de cartas o entrevistas, las fuentes del trabajo de Elena Ferrante. «¿Sabes eso de que te ronden la cabeza las notas de una pieza, y luego, cuando te pones a cantarla, la canción es totalmente distinta de la que te obsesionaba? ¿O cuando tienes muy presente la esquina de una calle pero no sabes dónde queda? Para darle un nombre a estos fragmentos uso una palabra que es de mi madre: Frantumaglia. Son cachos y pedazos que vienen de no se sabe dónde y hacen ruido, incluso molestan...» comentaba Ferrante con su editora, Sandra Ozzola en la primavera del 2015. «Frantumaglia» son los pedazos que amueblan el laboratorio de Elena Ferrante desde que empezó a escribir, a principios de los años 90, hasta hoy, cuando la crítica y el público aclaman esta figura como un clásico contemporáneo. Leer este libro es como abrir los cajones de su mesa y fijar la mirada en el cómo y por qué Ferrante escribió primero las tres novelas de Crónicas del desamor y luego la espléndida saga «Dos amigas». El texto se compone de cartas a sus editores, entrevistas y diálogos apasionados con lectores privilegiados, que han llegado hasta el fondo de la escritura de Ferrante y han entendido su «anchura». Aparecen también la infancia, las ciudades queridas por Elena, su almacén de recuerdos..., en suma, todo lo necesario para conformar el retrato de un gran autor.
En busca de la tierra prometida, el pueblo mexica, después de doscientos años de migración, llegó a orillas del lago Texcoco. En aquel extraordinario lugar, donde florecía la superpoblada ciudad de Tenochtitlán, los mexicas se asentaron. En tan sólo dos siglos, entre 1320 y 1521, después de largas luchas, intrigas y alianzas, los mexicas fueron capaces de superar su condición de extranjeros y dominar la mayor extensión del área mesoamericana, fundado lo que hoy conocemos como el imperio azteca. Bajo su dominio, Tenochtitlán, su capital, alcanzó la cifra de 300.000 habitantes y deslumbró a los primeros conquistadores, pues las ciudades europeas no reunían entonces más de 100.000 habitantes. ¿Cómo el pequeño grupo mexica se convirtió en la cabeza del imperio azteca? ¿Qué estrategias utilizaron? Este estudio desarrolla la tesis de que los aztecas fundaron unas estructuras de poder propias de un gran imperio con argumentos y recursos similares a los utilizados por los pueblos mediterráneos. Analiza los mecanismos de la expansión política, militar, económica y cultural, el auge y la caída del imperio azteca y realiza una brillante y documentada reflexión sobre la ideología, el arte y el imperialismo.
Figuras desconcertantes, enigmáticas, terroríficas, y sin embargo de una gran belleza artística, las gárgolas han fascinado a lo largo de la historia. Estos seres de piedra, silenciosos y observadores, atraen y conmueven a quienes los contemplan. La gárgola, aislada de su funcionalidad como canalón de desagüe, es pura imagen. Provoca numerosas emociones al contemplarla, y es arte, expresión, belleza o fealdad. Las gárgolas están cambiando continuamente, transformándose ante nuestros ojos y observándonos desde las alturas a través de los siglos. En esta obra nos introducimos en el tema de la gárgola en general: orígenes, funciones simbólicas, labra, fuentes artísticas, tipologías, iconografía, etc. El libro ayudará, tanto a expertos como a profanos, a entender la fascinante simbología de las gárgolas al margen de su utilidad arquitectónica.
Carlos Núñez, considerado uno de los mejores gaiteros del mundo, nos cuenta su visión de lo celta como una utopía milenaria que, desde hace siglos, ha creado un imaginario universal que hoy sigue siendo una inagotable fuente de inspiración artística. El libro analiza la música celta desde múltiples perspectivas: histórica, musicológica, cultural, etc., y aborda aspectos muy diversos: su relación con otras músicas y estilos, sus formas, los instrumentos característicos de su interpretación, su ámbito territorial de expansión e influencia, etc. Al tiempo, narra numerosas experiencias personales relacionadas con su actividad como intérprete de dicha materia y con sus contactos con gran número de expertos en el tema desde distintas disciplinas: músicos, historiadores, antropólogos, cronistas, etc.
La historia del arte es una de las obras sobre arte más famosas jamás publicadas. Durante cuarenta y seis años, ninguna otra ha rivalizado con ella en tanto que introducción al tema en su totalidad, desde las primeras pinturas de «las cuevas» hasta el arte experimental contemporáneo. Lectores de todas las edades y procedencias supieron hallar en el profesor Gombrich a un auténtico maestro, en quien se combinan el conocimiento y la sabiduría con un don único para comunicar de manera directa su profundo fervor por las obras de arte objeto de su estudio.La historia del arte debe su amplia difusión a lo directo y espontáneo de su estilo, así como a la clara exposición del autor, quien afirma que su propósito es «ordenar inteligiblemente el caudal de nombres, períodos y estilos que colman las páginas de obras más ambiciosas». Esto, unido a su perspicacia en cuanto a la psicología de las artes visivas, nos permite contemplar la historia del arte como «un continuo fluir e intercambio de tradiciones, en los que cada obra refiere al pasado y apunta hacia el futuro en una vívida cadena que vincula, incluso, a nuestra época con la de las pirámides». En su nuevo formato, la 16.ª edición de esta obra, ya clásica, ahora ampliada en 141 páginas, mantiene su criterio progresivo ante las generaciones venideras, a la vez que sigue siendo la primera fuente de información para los recién llegados al mundo del arte.
Erik Orsenna, premio Goncourt 1988, ha creado un ingenioso argumento para ofrecernos, en sólo 9 guitarras, un claro y ameno resumen de los momentos clave de la Edad del Mundo. Con las biografías de los mejores guitarristas de cada siglo, acudiremos a Egipto (2500 a. C.), al Perú de Atahualpa y Pizarro (1531), a la Barcelona de 1580 asediada por una epidemia de peste, a la corte de Luis XIV en Versalles (1680), a la Italia del maestro Niccolò Paganini (1820), al nacimiento del blues, el gospel y los negro spirituals surgidos con la trata de esclavos en Estados Unidos, a los clubes parisinos de los años veinte con el genial intérprete de jazz Django Reinhardt, y finalmente, al Vietnam de los años sesenta en la prodigiosa guitarra de Jimi Hendrix en Woodstock. Un excelente músico, Eric Clapton, será nuestro guía entre tantos siglos y artistas. Y los Beatles, con un John Lennon resucitado para la Historia, acudirán como invitados al gran concierto que, desde el comienzo de la novela, se prepara minuciosamente en el Valle del Omo, África. Será el último concierto, y sucederá en el último día de este siglo...
Crónica, Arte, Crítica y teoría literaria, Espiritualidad, Memorias
Las sesiones del Cabaret Voltaire, en el Zúrich de 1916, convulsionaron el mundo del arte y dieron lugar a lo que convino en llamarse «dadá». Sin embargo, más que el inicio de una nueva época artística, en manos de Hugo Ball —uno de sus iniciadores así como su más conspicuo protagonista—, éstas significaron la evidencia de la desintegración, intelectual, estética y moral, que desembocó en la Gran Guerra. En un intento extremo por buscar el núcleo del arte y la literatura que debía erigirse en salvación, dadá fue un grito de desespero y un afán de medicina. La huida del tiempo recoge la expresión más substantiva y reflexiva del nuevo movimiento, antes de que el dadaísmo dejara de ser un sistema de crítica y análisis para convertirse en uno más de los ismos de vanguardia que poblaron el horizonte europeo en los albores del siglo XX. La presente edición se basa en el texto publicado en vida del autor y se acompaña de su primer manifiesto dadaísta, así como de dos ensayos, uno de Paul Auster y otro de Hermann Hesse.
Frans Masereel publicó por primera vez en 1920 esta serie gráfica con la vieja técnica del grabado en madera que él contribuyó a redescubrir para el siglo XX. «La idea» no es un conjunto de ilustraciones para un texto, se trata de una obra autónoma que Masereel tuvo siempre entre sus favoritas.
«Padrón mira su mundo, lo piensa y lo cuenta, generando reflexión e interés. Tiene un reflector permanente sobre él y vive la paradoja de que su nombre aparezca el mismo día en el «Papel Literario» y en las columnas de chismes de farándula. De verbo resplandeciente y asertivo, y conocedor de los códigos de la comunicación de masas, Padrón es un líder de opinión. Lo entrevistan constantemente, sus palabras son seguidas por más de medio millón de personas en Twitter, las editoriales y los medios solicitan su pluma y es invitado como orador y participante a prestigiosos grupos de análisis de corte intelectual y político. [...] Con la llegada de Hugo Chávez al escenario político, el país donde habita Padrón mutó. De ser patria, pasó también a ser preocupación. Comenzó a invadir su obra y su discurso. Primero las telenovelas y finalmente, su poesía. Venezuela se convirtió en dolor, angustia, mordaza, inseguridad y amenaza. [...] Las páginas que siguen detallan las conversaciones que Leonardo Padrón y yo sostuvimos durante el año 2012. En ellas, vida, obra y país se entrelazan dibujando un boceto del escritor y del hombre que cada lector completará al leer». Carolina Acosta-Alzuru
¿Por qué, de entre todas las artes, la música ha sido la que más ha influido en científicos tan importantes como Pitágoras, Newton, Kepler o Galileo? A través de estas páginas no solo conoceremos algunas de las más fascinantes obsesiones que asediaron a estos genios, también comprobaremos cómo hasta en la canción más sencilla puede esconderse un principio matemático. En La lira desafinada de Pitágoras, Almudena Martín Castro plantea un viaje hacia la búsqueda de la belleza por parte de científicos de todas las épocas, y establece ecos comunes con una disciplina que todos podemos disfrutar sin ninguna preparación previa: la música. Planetas que cantan como sopranos, melodías mesopotámicas que vuelven a la vida, momias que recuperan su voz, armonías prohibidas asociadas erróneamente con el diablo o ritmos que unen a la Tierra con la Luna. Un relato sorprendente y lleno de humor, que nos descubre los misterios del universo. Durante treinta años, Pitágoras se dedicó a divulgar la teoría de la reencarnación y a reflexionar sobre el mundo, acompañado por algunos de sus seguidores. También le dio por tocar la lira y, como Pitágoras era mucho de pensar, en el proceso empezó a preguntarse por qué algunas cuerdas, al combinarse, producían sonidos bellos —agradables, consonantes—, y otras no. Así es como descubrió un hecho que hoy sabemos cierto: que existen números sorprendentemente sencillos en la base de la armonía musical. Y estos números son los mismos, desde la antigua Babilonia hasta el reguetón. Sus proporciones guiaron la historia de la música hasta nuestros días y contagiaron a la física su expectativa de belleza.
Cómo disfrutar del arte con tus propios ojos. Eugenia Tenenbaum revive en este libro períodos históricos desde la Antigüedad hasta el siglo XX, con el objetivo de disfrutar de las obras de arte que vieron la luz en esas épocas. Gracias a su voz cercana y rigurosa, nos reconciliaremos con el placer inmenso que nos ofrece el arte sin otro requisito que nuestras ganas. A lo largo de todo el recorrido, sin embargo, se nos obligará a volver a mirar, una y otra vez, para encontrar algo nuevo. Porque cuestionar lo que sabemos es la única manera de comprender mejor quiénes somos, y de conseguir que el arte sea algo para todos.
Fernando Savater nos regala un repaso por los escritores y sus obras memorables, pero sobre todo, nos permite celebrar con él esa emoción singular: el placer de la lectura. "Personalísima guía de lectura". "La música de las letras contagia entusiasmo lector, sabe concertar citas amorosas entre sus lectores y los libros que recomienda. Gracias a sus oficios como celestina, algunos descubrimos a Cioran, Rosset o Santayana. Seguiremos atentos a las recomendaciones de nuestro volteriano de guardia, lector puro y sólo escritor por necesidad." Luis Muñoz Díez, Culturamas. Los cazadores exhiben orgullosos las mejores piezas que han conseguido; los viajeros enseñan fotografías de los lugares más hermosos que han visitado; Fernando Savater es un certero cazador de grandes escritores y un viajero incansable a través de los libros. En las páginas de esta obra da cuenta de algunas de sus mejores conquistas en la jungla de las bibliotecas: Edgar Allan Poe, Albert Camus, Erasmo, Voltaire, Schopenhauer, Dick Francis, los maestros de la novela policiaca y de la ciencia ficción. Aunque también habla de la educación que nos ayuda a vivir y de la experiencia vital que nos va educando.
Partiendo de Debussy y llegando a Steve Reich. O empezando por Ablinger y acabando por Zimmerman. O arrancando en el impresionismo y siguiendo hasta la electroacústica. El lector puede elegir su forma de lectura en este libro torrencial, quizá el más completo escrito hasta la fecha, y no solo en español, sobre el complicado y muy diverso escenario de la música contemporánea durante el siglo XX. Vertebrada sobre itinerarios estéticos, la presente guía no deja de ser una historia de la música del siglo XX. La gran diferencia respecto a los manuales de historia estriba en la importancia que en este libro cobra el compositor, que junto al sonido es el eje fundamental del relato. (De la Introducción del autor). Relato es la palabra clave para un libro llamado a convertirse en un clásico: una obra llena de erudición, exhaustiva y utilísima como manual de referencia. Pero impregnada a la vez de amor por la música, de buen pulso narrativo y de una notable capacidad crítica.
Esta obra trata sobre las fronteras de la pintura y la poesía, sobre sus posibilidades y sobre muchos otros temas relativos al arte antiguo que Lessing plantea como ¿incidentales?, pero que, de hecho, le sirven para realizar una crítica a varios de los grandes autores de su época, entre ellos a Winckelmann. En el Laocoonte, Lessing cuestiona la identificación que algunos autores de su época hacían entre poesía y pintura, que va, a su entender, en menoscabo de ambas. Las observaciones incidentales lo llevan a mostrar por qué poesía y pintura se alejan una de otra al imitar, en razón de su propia naturaleza, una más apta para lo temporal y otra para lo espacial, que impone límites a cada una de las artes. Para ejemplificar sus argumentos se basa en el caso del Laocoonte, que da título al libro, comparando la descripción de Virgilio con la estatua que lo representa. Lessing utiliza muchísimos otros ejemplos, sumamente eruditos, para mostrar cuáles son las relaciones ideales entre poesía y pintura, y para subrayar la idea de que, entre los antiguos, la belleza era la ley más alta de las artes plásticas, a la que había que subordinar cualquier otra consideración, incluida la misma expresión.
Divulgación, Ciencias sociales, Arte, Comunicación
A lo largo de 18 capítulos 20 autores de ocho nacionalidades diferentes abordan la relación existente entre el cine y la política. Se trata, por consiguiente, de una visión heterogénea de esta relación, además de recoger colaboraciones inéditas de diferentes profesionales de la ciencia política conocidos únicamente por su trabajo en la disciplina. Autores europeos conocidos como Manuel Alcántara Sáez, Leonardo Morlino, Dieter Nohlen, Gianfranco Pasquino y Enrique San Miguel se ven acompañados por autores americanos como Rolando Ames, Maxwell Cameron, Martín d'Alessandro, Paula Muñoz, Simón Pachano, Mario Serrafero, Martín Tanaka y Jesús Tovar, entre otros. Un director, una película o un tema son los hilos argumentales que ligan la relación entre el cine y la política desde una perspectiva muy personal que termina produciendo un resultado original sobre la presencia de la política en lo que ha sido por excelencia el arte de masas durante el siglo XX. Los capítulos se agrupan en tres secciones de acuerdo con el tema abordado: el poder; la construcción de lo político (estado, nación y partidos políticos) y la negación de la democracia.
A casi veinte años de su estreno The Matrix ya se puede considerar un filme clásico, y no sólo por las innovaciones técnicas que introdujo y por su influyente estilo, sino porque su formidable originalidad ya pasa inadvertida para la mayoría de las personas. Los jóvenes acuden a los cines a deleitarse con los espectáculos de Christopher Nolan, pero olvidan que antes de Inception estuvo The Matrix. El crítico Elías Rivera recuerda que vio la película completamente a ciegas cuando la estrenaron en 1999 y que a raíz de ello se propuso escribir un libro en el que explorara —y de alguna forma celebrara— su experiencia de “espectador ignorante”. Así, el autor se dedicó a analizar la película y a confrontarla con sus propias reacciones para inferir el plan de los cineastas, exponer sus artificios y explicar lo que buscaban producir en nosotros. La poética del código verde es un intento por preservar el asombro deslumbrante que produjo el filme en sus primeros espectadores. En el libro se explica además cómo las múltiples referencias en The Matrix —filosóficas, religiosas, cinematográficas y literarias— se articulan satisfactoriamente con el relato, y cómo su tono y su estilo se relacionan con la estética y la ideología de los discursos visuales y literarios de la marea posmoderna. La poética del código verde resultará de interés para quien quiera comprender los trucos y la magia de la narrativa cinematográfica, así como los lazos sutiles, y en ocasiones sorprendentes, entre temas, estilos y épocas. Constituye una invitación a leer los textos narrativos, sean visuales o literarios, desde una perspectiva primordialmente estética, es decir, como totalidades en las que las ideas son inseparables de su forma.
Divulgación, Ciencias exactas, Ciencias naturales, Química, Arte
El barrio donde crecimos, el graznido de las gaviotas, el cielo rosicler que anticipa un día de sol, el olor de los libros viejos, las fotos en blanco y negro de los abuelos, el mar, las revistas de moda de los sesenta, las flores urbanas o un pupitre con nombres grabados… Todas ellas bellezas cotidianas que a menudo pasan desapercibidas.
Deborah García Bello, química y divulgadora galardonada, nos invita a disfrutar del asombro por estas bellezas cotidianas y a saborear con sosiego las bellezas extraordinarias. Desde la felicidad de un día corriente hasta la fascinación por una obra de arte, la autora nos descubre una original investigación en la que el arte se comunica con nosotros a través de sus materiales. Porque saber de química es como andar por la vida con unos ojos que miran a escala atómica. Todo lo bello, lo bueno y lo verdadero se ve más nítido a través del conocimiento científico.
Descubriremos el mundo dentro del mundo, lo bello dentro de lo bello, en un relato costumbrista donde la narrativa se mezcla con la divulgación científica, que baja la ciencia y el arte de sus torres de marfil, y que nos revela que lo más deslumbrante se encuentra en la cotidianidad de nuestro entorno.