Ensayo, Arte, Ciencias sociales, Comunicación, Filosofía
Brillante y original reflexión sobre la utopía, Arqueologías del futuro aúna el análisis literario y el político, el pasado y el futuro, la realidad y la ficción, ofreciendo una perspectiva única y compleja sobre el deseo de cambio que atrapará al lector En la era de la globalización, caracterizada por el vertiginoso avance tecnológico del primer mundo y la desintegración social del tercero, ¿es aún significativo el concepto de utopía?, ¿conserva esta entidad peculiar una función social? Fredric Jameson investiga el desarrollo de esta idea partiendo del texto clásico de Tomás Moro, al tiempo que se pregunta sobre la utilidad del pensamiento utópico en un mundo poscomunista. En la primera parte del libro, el autor analiza la utopía como forma, desde el punto de vista que supone imaginar sociedades alternativas y perfectas, y la importancia que dichos ejercicios han tenido en el desarrollo histórico y social. En la segunda, sin embargo, se centra en la utopía como contenido, analizando las creaciones modernas de la ciencia ficción a través de la representación del «otro» de la vida extraterrestre y los mundos alienígenas y siguiendo una perspectiva más claramente política. Así, se ocupa de los trabajos de algunos de los principales autores del género, como Philip K. Dick, Ursula LeGuin o Kim Stanley Robinson, para concluir con un examen de las posiciones opuestas a la utopía, esto es la distopía, y con una evaluación de su valor político actual.
Arquitectura gótica y pensamiento escolástico no sólo rompe con las simplificaciones positivistas y las idealizaciones institucionistas en el campo de la historia del arte, sino que, a través de un método riguroso —modélico en el ámbito de las ciencias sociales— consigue establecer las homologías profundas existentes entre las catedrales góticas y la filosofía medieval. Se sirve para ello del concepto sociológico de hábito mental. Pero su contribución va más allá. Como Le Goff ha señalado, Panofsky aplicó el análisis político a las obras de arte, es decir, dio un primer paso para mostrar cómo el poder de las obras de arte se organiza en relación con el poder general. Y así, en este libro, relaciona el estilo gótico, a través de la noción polivalente de orden (y de jerarquía), con el método escolástico, y estos dos niveles con el orden sociopolítico encarnado en la isla de Francia, hacia el año 1200, por la monarquía de los Capeto.
Rasgo distintivo estético y estructural de las ciudades del siglo XX, cuyo perfil ha transformado, la "arquitectura moderna" nace y se desarrolla en buena parte del globo entre 1910 y 1970. Su concepción trajo aparejada una promesa de transformación, por su aparente capacidad para transformar ciudades sucias y abarrotadas en espacios amplios de viviendas generosas ubicados en paisajes modelados. En esta breve introducción, Adam Sharr expone el desarrollo de esta arquitectura, que ha creado poderosísimas imágenes culturales apoyándose en las innovaciones de las técnicas de construcción, así como de los materiales que la identifican, como son el acero, el cristal y el hormigón, y teniendo en cuenta de forma insoslayable la incorporación de instalaciones como las correspondientes a la luz eléctrica y el aire acondicionado, para acabar planteándose si la arquitectura contemporánea sigue siendo fundamentalmente moderna.
Art Thinking nos propone un nuevo punto de vista desde el que enfocar la educación y hacer que los alumnos vuelvan a conectar con aquellas clases que se convirtieron en un tedio alejado de su realidad. María Acaso, con un provocador discurso, nos muestra cómo utilizar el arte y la creatividad para revolucionar la forma de enseñar en el aula. Así nos propone pequeños actos cotidianos que tanto profesores como alumnos y padres podrán poner en práctica para darle un giro a la escuela. ¿Y si lleváramos una sandía a clase? ¿Cuál sería el resultado?
Para el franquismo, la República era la enemiga del patrimonio y de la religión, cuyo poder estaba controlado por los “rojos”, y en su territorio dominaba la barbarie, el caos, la iconoclasia y el robo de los bienes patrimoniales. Sin embargo, esta acusación, que mantendría con insistencia machacona durante toda su existencia, escondió durante décadas la labor de salvaguarda republicana de las obras de arte y su destino en la inmediata posguerra. El autor de este libro (reconocido experto en el estudio del devenir del patrimonio durante la guerra y la posguerra en España y director de varios congresos internacionales sobre el tema, el último celebrado en el Museo del Prado en 2019) llevaba años planteándose cuál había sido el destino durante el primer franquismo de las miles de obras salvadas y almacenadas por la República durante la guerra. Tras la concesión de dos proyectos de I + D dedicados a este ámbito y después de cinco años de investigación, vierte aquí los sorprendentes resultados. Parte del estudio de las políticas republicana y franquista durante la guerra para centrarse en el destino que los gestores franquistas les depararon a estas obras en la inmediata posguerra. El núcleo esencial del libro analiza la gestión franquista de aproximadamente 17.000 obras almacenadas por la República, que fueron devueltas en muchos casos a sus propietarios, aunque una gran cantidad fueron desviadas hacia otros destinatarios, que sin embargo reconocían en muchos casos como suyas. Supone una novedad investigadora inédita el estudio de las entregas en depósito de miles de estas piezas a museos, a organismos, a la Iglesia e incluso a particulares, lo que produjo el expolio, la diáspora y la desaparición de numerosas obras. En muchos sentidos, este expolio franquista tiene paralelismos indudables con el realizado por los nazis en los mismos años. Es el arte como botín de guerra.
Tres enfoques distintos confluyen en este libro: historia y psicología del arte (Sir Ernst Gombrich), psicología (Julian Hochberg) y filosofía (Max Black). Estos tres distinguidos autores examinan en los tres ensayos recogidos en este volumen el problema de las percepciones de las imágenes y, en particular, de la pintura y la fotografía. Tal confrontación de ideas es ciertamente inédita en la bibliografía en lengua castellana sobre la imagen. Fundándose en experiencias sustancialmente diferentes, los tres ensayos solicitan la reflexión y la profundización de temas ya de por sí sugerentes: el tiempo, la verosimilitud, la escena espacial y otros conceptos, como los de empatía, capacidad de información de la imagen y niveles de atención. De un modo particular, el intercambio de opiniones entre Gombrich y Hochberg abre un debate rico en consecuencias de permanente interés entre especialistas. Al mismo tiempo, las constantes referencias al plano cognitivo de la imagen abren nuevas posibilidades para la investigación de la imagen a partir de la pragmática moderna.
Arte e ilusión es un estudio clásico de la creación de imágenes, del que Kenneth Clark afirmó que es «uno de los libros de crítica de arte más brillantes que he leído». La obra aspira a responder a una sencilla pregunta: ¿por qué existe el estilo? Aunque la pregunta sea sencilla, la respuesta no es fácil, y la brillante y extensa indagación que el profesor Gombrich hace en la historia y la psicología de la representación pictórica le lleva a muchos campos de estudio importantes. Gombrich examina, pregunta y reconsidera viejas y nuevas ideas sobre la imitación de la naturaleza, la función de la tradición, el problema de la abstracción, la validez de la perspectiva y la interpretación de la expresión. Publicado por primera vez hace más de cuarenta años, Arte e ilusión no ha perdido ni un ápice de su vitalidad y relevancia. Gombrich es riguroso cuando se trata de aplicar los hallazgos de la ciencia a la comprensión del arte y de abordar ideas complejas y cuestiones teóricas; sin embargo, nunca pierde la sensación de asombro ante la inagotable capacidad de la mente humana y ante la sutileza de las relaciones que intervienen en el acto de ver el mundo y hacer y ver el arte. Gracias a un conocimiento profundo y a su excepcional don para hacer una exposición clara, Gombrich presenta sus argumentos con espíritu científico, como hipótesis que han de ser sometidas a prueba. Los problemas de la representación son fundamentales para la historia del arte, y Arte e ilusión es un texto imprescindible para todos los interesados en la comprensión del mismo.
UN REPASO CÓMICO A TODOS LOS GRANDES AUTORES . Literaturas orientales - La literatura griega - La literatura latina - La literatura europea medieval - Orígenes de la literatura española - El Renacimiento y el humanismo - El barroco - El neoclasicismo - El romanticismo - El realismo - La literatura moderna en Europa y América - El siglo XX en España.
Una clase magistral sobre diseño, arquitectura, forma, objetos y consumo en el siglo XXI. Con la A de Auténtico. Así empieza este libro, que es algo más que un diccionario: una guía esencial para entender el mundo moderno. Por qué Warhol es auténticamente falso, cómo se crean las identidades nacionales, y qué es esa extraña manía de coleccionar. También explica por qué Grand Theft Auto es un gran invento o por qué los apartamentos de Hitchcock no podrían existir. Y no es una autobiografía, pero brinda al lector la visión personal de uno de los más reconocidos expertos del mundo en el diseño y sus manifestaciones.
Bette Davis con su fuerte personalidad independiente y única, llegó a ser conocida como la poderosa estrella de ojos grandes. Realizó unas 100 películas por las que recibió 10 nominaciones al Oscar y ganó dos de ellos a la mejor actriz. Bette Davis tenía un fuerte carácter, una personalidad independiente y parecía marcada por el destino para destacar como estrella. De ojos grandes, con una estupenda dicción inglesa, solía cautivar inmediatamente cuando mantenía entre sus dedos su cigarrillo enfundado en una larga boquilla.
Arístides rescata el concepto antiguo de que la música no es en absoluto una ocupación trivial, y que no sólo debe ser apreciada por sí misma, sino que también debe ser admirada por ser útil a las demás ciencias. Para él la música no es sólo un arte, sino que es capaz de modelar la propia manera de ser del hombre, su éthos: la música es ética, útil para toda la vida, es capaz de hacer de la vida una obra ordenada y bella. Ordena el alma con las bellezas de la armonía y conforma el cuerpo con ritmos convenientes. Es adecuada para los niños por los bienes que se derivan de la melodía, para los que avanzan en edad por transmitir la belleza de la dicción métrica y para los mayores explica la naturaleza de los números porque revela las armonías que mediante estas proporciones existen en todos los cuerpos. Además la música es capaz de lo más difícil para el hombre, comprender tanto su propia alma individual como el alma del universo.
El tratado del arquitecto, ingeniero y tratadista Marco Vitruvio Polión es el texto de referencia para conocer de primera mano la teoría y las obras arquitectónicas grecolatinas. Con el «De Architectura», Vitruvio (siglo I a. C.) deseaba ofrecer un corpus que condensara todos los conocimientos alcanzados por la teoría arquitectónica griega, cosa que no se había hecho hasta entonces, a decir del propio autor. Además de cuestiones específicamente arquitectónicas (órdenes, materiales, técnicas de construcción, tipos de edificios…), el libro informa también sobre pintura y escultura griegas y romanas, como artes auxiliares. El abundante contenido, unido a las innegables cualidades formales, otorga a esta obra una gran trascendencia y la convierte en fuente inestimable para el conocimiento de esta materia. En el Renacimiento fue un texto de primer orden para el acceso a la teoría y a las obras arquitectónicas grecolatinas. El presente volumen presenta una actualizada versión castellana de los cinco primeros libros —de los diez del original—, a la que precede una completa y documentada introducción.
En la transmisión de las antiguas teorías musicales no hubo en el Occidente latino solución de continuidad entre la Antigüedad tardía y la Edad Media; figuras como Boecio (Roma, c. 476 - Pavía, 524) así lo demuestran. «De institutione musica» («Sobre el fundamento de la música»), de Boecio, es por su planteamiento específico, por su enfoque técnico, por su espíritu abierto a una amplia perspectiva de las anteriores tradiciones musicológicas, una obra singular, punto de llegada de las antiguas tradiciones griegas y punto de partida de la doctrina musical posterior: en este campo científico, junto con los escritos de Aristóxeno y de Ptolomeo, el tratado de Boecio es la obra técnica más importante que nos ha legado la Antigüedad y, además, el último intento por parte de un escritor latino de ofrecer una visión de conjunto de la antigua música grecorromana, así como el primer gran monumento de la teoría musical del medievo. Su influencia posterior, sobre todo a partir del siglo IX, fue enorme. Encarcelado a raíz de intrigas políticas adversas, Boecio compuso en su reclusión una obra fundamental, la «Consolación de la filosofía», que marcaría como ninguna otra el pensamiento medieval: se trasladó a la mayor parte de lenguas europeas, y sólo la Biblia la superó en número de traducciones. Boecio fue el último erudito en lengua latina con un completo dominio del griego, y un profundo conocedor de las filosofías de Platón y Aristóteles.
El tratado del arquitecto, ingeniero y tratadista Marco Vitruvio Polión es el texto de referencia para conocer de primera mano la teoría y las obras arquitectónicas grecolatinas. Con el «De Architectura», Vitruvio (siglo I a. C.) deseaba ofrecer un corpus que condensara todos los conocimientos alcanzados por la teoría arquitectónica griega, cosa que no se había hecho hasta entonces, a decir del propio autor. Además de cuestiones específicamente arquitectónicas (órdenes, materiales, técnicas de construcción, tipos de edificios…), el libro informa también sobre pintura y escultura griegas y romanas, como artes auxiliares. El abundante contenido, unido a las innegables cualidades formales, otorga a esta obra una gran trascendencia y la convierte en fuente inestimable para el conocimiento de esta materia. En el Renacimiento fue un texto de primer orden para el acceso a la teoría y a las obras arquitectónicas grecolatinas. El presente volumen completa la actualizada versión castellana preparada minuciosamente por Francisco Manzanero Cano con los últimos cinco libros de los diez que tenía el original.
Porco Rosso es una de las películas más personales e introspectivas de la filmografía de Hayao Miyazaki. Su éxito confirmó la dinámica positiva que logró Studio Ghibli a principios de los noventa, cuyos puntos culminantes fueron La princesa Mononoke (1997) y El viaje de Chihiro (2001). La historia, situada en 1929 durante la Italia fascista gobernada por Benito Mussolini, tiene como protagonista a un solitario piloto de hidroaviones que, tras vivir el horror de la Primera Guerra Mundial, regresa milagrosamente transformado en un cerdo antropomorfo. Convertido en cazarrecompensas, vive apartado de todo y de todos, a excepción de su amiga de la adolescencia Gina. Miyazaki insufla en esta atípica película sus más grandes aficiones y confiere a su protagonista algunos de sus demonios internos. Con un tono en ocasiones cómico y en otras crítico, en Porco Rosso tenemos la ocasión de ver a un Miyazaki diferente.
En este tercer volumen de la colección Biblioteca Studio Ghibli , Manu Robles explora el universo de Porco Rosso a través de su contexto, sus personajes, sus temas, sus influencias, su música y sus referencias, sin olvidarse de su trasfondo histórico.
Una guía exhaustiva de la genial trayectoria de uno de los artistas más completos de nuestro tiempo y Premio Nobel de Literatura 2016. Es, con toda seguridad, una de las figuras más influyentes de la música en el siglo XX. "La gran bestia del rock and roll" como dijo Chuck Berry de él. Bob Dylan es un artista venerado y cuestionado que forma parte ya del imaginario cultural universal. A partir de la recuperación de la música folk supo crear un estilo propio e inconfundible con letras cargadas de simbolismo y reivindicaciones, lo que le convirtió en un referente para distintas generaciones de jóvenes. El llamado Bardo de Minnesota, a pesar de sus vaivenes estilísticos y espirituales, logró escribir algunas de las canciones más hermosas de la historia de la música. Este libro es una aproximación a la vida y la obra de Bob Dylan, nada más y nada menos que un paseo por la historia cultural del siglo XX en la que el genio creador de "Like a Rolling Stone" o "Blowin' in the Wind" tiene la voz protagonista. • La estrella del folk y la canción protesta. • Su polémica reconversión al rock. • Un circo llamado Rolling Thunder Revue. La historia de Robert Allen Zimmerman, más conocido como Bob Dylan, es la historia de la música del siglo XX. Personaje poliédrico donde los haya, ha sido venerado y cuestionado de igual manera, pero lo cierto es que lleva cincuenta y cinco años subido a los escenarios y ha vendido más de ciento veinticinco millones de álbumes en todo el mundo. En este libro Manuel López Poy ha tratado de parcelar su trayectoria, sistematizar su creación, organizar el caos que siempre ha rodeado al bardo de Minnesota y estructurar la partitura de su vida en diversas áreas: su vida, canciones, compromiso, conciertos clave y discografía. Con fotografías a color, videos y una tracklist al final del libro con sus mejores canciones.
Durante la vida de Sandro Botticelli (1444 o 1445-1510), la influencia de su arte apenas llegó más allá de su Florencia natal, y tras su muerte fue rápidamente olvidado. Realizó pinturas de temática religiosa, además de temas mitológicos y alegóricos, y retratos, normalmente por encargo de los Medici y el Vaticano. En el siglo XIX fue redescubierto por los prerrafaelitas. Desde entonces, Botticelli está considerado uno de los más grandes artistas del Renacimiento. En la galería Uffizi de Florencia, obras como La Primavera y El nacimiento de Venus son algunos de los reclamos más destacados para los turistas y los amantes del arte. Sus cautivadoras figuras de mujeres, sus íntimas representaciones de la Virgen con el niño y la belleza angelical de sus adolescentes son famosas hoy en todo el mundo. El presente volumen, bellamente ilustrado, explora con detenimiento la vida y obra del artista.
Un recorrido riguroso, exhaustivo y ameno por los estilos artísticos que se sucedieron en Europa y América durante el siglo XIX: romanticismo, eclecticismo, realismo, impresionismo, simbolismo, modernismo; así como la arquitectura de hierro y cristal y la escuela de Chicago, creadora de los primeros rascacielos. Con este nuevo título de la serie Breve historia del Arte descubrirá todos los movimientos artísticos que se sucedieron en Europa y América a lo largo del siglo XIX, una de las épocas más interesantes de la historia contemporánea. Desde los grandes acontecimientos político-económicos como el colonialismo o la unificación de Italia y Alemania, a los convulsos sucesos que tuvieron lugar en España tras la muerte de Femando VII (desde las guerras carlistas, la subida al trono de Isabel II y su destronamiento a la restauración borbónica pasando por la I República), todos los movimientos artísticos: romanticismo, realismo, la arquitectura ecléctica y la de hierro y vidrio, impresionismo, puntillismo, simbolismo y modernismo se tratan en esta Breve Historia. Grandes artistas como Delacroix, Gericault y Eiffel en Francia, Friedrich en Alemania, Paxton en Inglaterra, los grandes maestros impresionistas franceses y españoles, los artistas que abrieron el camino a la pintura del siglo XX (Cezanne, Gauguin, Van Gogh), el escultor Rodin y el genial Gaudí exhiben su obra a lo largo de las páginas de este título, imprescindible para adquirir una información completa sobre esta época tan importante del arte y la historia. En un estilo ágil y ameno y de una forma rigurosa, de la mano de Carlos Javier Taranilla de la Varga conocerá en detalle a los grandes maestros de la época a lo largo de todos los campos de la creación artística: arquitectos, escultores y pintores, tanto en Europa, como en América. Una obra imprescindible para comprender los fundamentos técnicos, culturales y humanos del mundo actual.
Desde el inicio de los tiempos el hombre ha expresado a través del arte su manera de vivir y de sentir. Breve historia del Arte le descubrirá el arte universal en todas sus perspectivas y le ayudará a adentrarse en las circunstancias históricas, mágico-religiosas, ideológicas, sociales y políticas que las hicieron posibles y que han influido en las creaciones estéticas de los artistas. Aprenderá, también, a entender el significado de las creaciones plásticas, así como los motivos por los que se realizaron y a comprender la influencia que ha tenido el arte en cada época, ya que constituye un fiel reflejo del pensamiento humano. De la mano de su autor, Carlos Javier Taranilla, con un estilo riguroso, didáctico y ameno, podrá conocer lo anecdótico y oculto que rodea la labor de los artistas, y que no todo lo que está en los museos es arte, sino sólo lo sublime y lo genial.
Breve historia del cómic presenta una historia del cómic desde sus orígenes en el siglo XIX hasta la actualidad, en tono divulgativo y sin presuponer ningún conocimiento especializado por parte del lector. Se repasan las publicaciones, autores y escuelas más importantes de los tres principales mercados del medio (Estados Unidos, Japón y el franco-belga), además de prestar una especial atención al cómic español y realizar acercamientos puntuales a otros como el italiano y el argentino.Razones para comprar la obra:—No es un simple catálogo de obras y autores, sino que ofrece una auténtica historia, y narra y explica los procesos de cambio que ha sufrido el cómic en todo el mundo empleando un tono divulgativo pero riguroso.—Al contrario que otras obras similares publicadas en el pasado, atiende a toda la amplitud del medio y no descuida ninguna de sus tradiciones artísticas principales.—Refleja las últimas corrientes y metodologías más empleadas en el estudio del cómic y su historia, y maneja una bibliografía actualizada.—De los cómics comentados en la obra no solo se explican sus argumentos y temas, sino que se insertan en su época y se expone su importancia histórica para el medio, así como sus influencias y ascendencias. Las diferentes obras y autores no se ven como elementos aislados, sino que siempre se señalan las relaciones entre ellos.El libro recorre los personajes populares, las grandes aventuras y las series más importantes del cómic, pero también presta especial atención a las historias personales de los autores, a la creación de las diferentes editoriales y al contexto histórico en el que surgieron.