Esta obra es una historia de amor incomprendida, un paseo por los senderos de lo inevitable, un comienzo con final en los sentidos, un alud donde las inquietudes te llevan hacia el suspiro sublime de lo inalcanzable. A través de un puñado de momentos, el autor evoca las fases de un duelo cualquiera entre las luces de la pasión y las penumbras del desamparo, para finalmente dar a la esperanza el protagonismo que merece. 'La esperanza siempre vuelve. No te asustes cuando la veas reptando por tu almohada...'
Manolo Chinato, es un poeta español natural de Puerto de Béjar, aunque dice sentirse extremeño. Sus poesías tratan principalmente temas bucólicos, sentimentales y sociales y parte de su obra ha sido publicada en «Amor, rebeldía, libertad y sangre». Es conocido por haber colaborado con varios grupos de rock, como Extremoduro, Platero y Tú, Inconscientes o Marea.
Bebi. Y su cuenta de Twitter. Una de las cuentas anónimas más influyentes del país. Toda una auténtica heroína generacional. Asomarse al borde de sus acantilados emocionales, supone un acto tan valiente como suicida y de irreverencia social al mismo tiempo. Por ello sé, que lo que tengo hoy entre las manos para mí (y seguramente para muchos de vosotros), no es exactamente un libro. Es otra cosa muy distinta.
Aquí se refleja el racismo que existía en aquellos tiempos en Cuba, el machismo y cómo los padres sometían a sus hijos a sus deseos y caprichos. Mi intención es hacer reír, divertir, entretener; pero también llevar una enseñanza de que todas las personas somos iguales, sin importar sexo, raza, ni ninguna limitación para amarse y someterse a ser esclavos de nadie, ni de nuestros propios padres. Espero que sea del agrado de todos los lectores y que practiquen con las enseñanzas de esta novela pintoresca que el amor no tiene límites y todas las personas tienen derecho a elegir a quien amar y lo que aman.
Tras unas obras primerizas, Otero publica Ángel fieramente humano ; (1950) y Redoble de conciencia; (1951); luego, reunidos en un solo volumen, con 38 poemas más: Ancia ; (1958), "palabra" formada por la primera sílaba del primer título y la última sílaba del segundo, con la que obtendría el Premio Fasternrath de la Real Academia Española en 1961.
Se trata de una poesía desarraigada, expresión del "yo" con sus angustias existenciales. Es, ante todo, una poesía "metafísica", es decir, dedicada a inquirir sobre el sentido del hombre y del mundo.
Contiene poemas religiosos, pero dirigidos a un Dios a la vez anhelado e incomprensible al que lanza súplicas sin obtener respuesta. Hay también poemas amorosos, impregnados de la misma sed de Absoluto. Y hay, en fin, un primer acercamiento al "nosotros", a los sufrimientos de los demás hombres; así, en poemas como "Crecida", "Encuesta", "Canto primero"…
Predominan en esta etapa las formas clásicas: Blas de Otero se revela, en particular, como espléndido sonetista. Ensaya también el verso libre. Su densidad estilística es ya asombrosa. Y se perciben, entre otras, las influencias de los Salmos, de Quevedo o de Unamuno.
Ancia ; fue un grito de alerta en medio de la desolación de ambas postguerras. Dámaso Alonso, en el estudio que en 1952 dedicó a estos libros dice: “Otero es quien con más lucidez que nadie ha expresado (…) los datos esenciales del desarraigo. De ahí es donde brota todo este canto frenético y a jirones.” Poesía del hombre frente a la muerte y el vacío, pero también poesía del amor y de la esperanza. “Escribo con el cuello llameante”, dice Blas de Otero en uno de los poemas de Ancia ; pero también: “Me estás hiriendo con unas alas tan frágiles”, dirigido al recuerdo de una mujer. Blas de Otero cuida extraordinariamente la forma en su verso. En Ancia ; están muchos de sus sonetos más conocidos por su perfección. Sirva de homenaje a su memoria.
Esta es la historia de una caída, de una pérdida, de una recuperación y de una ascensión. Es la historia de una búsqueda de luz desde la más profunda oscuridad. Está escrita en prosa poética, con breves fragmentos independientes entre sí, que pueden leerse de forma aislada, pero que guardan cierta cohesión, ya que cada fragmento porta, o anhela, un poco más de luz que el anterior. Trata sobre un hombre que ha perdido su luz, pero que alberga un leve destello del recuerdo de ella. Esa fugacidad tortura su mente y le hace emprender un camino de ascensión por recuperar ese tan preciado tesoro. Pasa por todas las fases de depresión, tristeza y melancolía, regocijándose en su pérdida. En las fases iniciales identifica esa luz perdida con el amor de una mujer, con el amor de muchas mujeres que para él son una; y es la pérdida de ese amor el germen de su melancolía. A medida que avanza en su tribulación, va reconociendo que esa luz anhelada pertenece a algo más sutil y profundo, al reino de su alma... Va reconociendo que ese dolor emocional proviene de sentirse separado de la fuente primordial. Está obra está escrita en un lenguaje sombrío, pero en su trasfondo pretende transmitir belleza, esperanza y alegría.
Con "Veinte Poemas al Amor", la opera prima de la joven poetisa cubana, Alexa Bosquet Soto (La Habana,1995) tendremos el privilegio de conocer un estilo muy propio y diferente de convertir en letras los sentimientos. Apartada de tendencias esteticas conocidas la joven Alexa nos escribe lo que siente tal como lo siente, sin malabarismos gramaticales ni rebuscadas frases. Pero mucho cuidado y no confundamos lo natural con la falta o lo vulgar, porque estamos en presencia de una obra poetica bien elaborada, pensada y estructurada al detalle. "El viento roso mi rostro," no se deje confundir, no hay falta gramatical ni ortografica, para ella el viento le hace cambiar el color del rostro, asi de simple, creo que estamos ante ante una literatura para pensar y amar.
«Yo me preguntaba, pero olvidaba responder. Me soñé una vida, pero me olvidé de ser. Viajé alrededor del todo, pero me olvidé de partir: pues preso estaba aquí, en Aniara». «Aniara» es el nombre de la nave espacial cuya misión es transportar a Marte a los últimos supervivientes de la Tierra devastada por una explosión nuclear. Después de una colisión con un asteroide, la nave se sale del sistema solar y queda eternamente perdida en el espacio sin fin. El buque estará destinado a viajar por otros 15.000 años antes de llegar a las proximidades de otra estrella. Aniara es la obra más singular de cuantas escribió el premio Nobel Harry Martinson, pero también uno de los poemas más extraordinarios y conmovedores de la literatura del siglo XX, un viaje existencial en el que resuenan los grandes clásicos suecos o las grandes epopeyas de la literatura universal.
Manuel del Cabral nació en 1907, en Santiago (República Dominicana). Ha viajado por casi toda América y parte de Europa. Su voz, como le dice Gabriela Mistral, «de grande y riquísima poesía humana», es de ancha y múltiple producción; todas las cuerdas, toda la gama conforman su rico instrumento. Pero el creador de «Trópico negro» (1942); «De este lado del mar» (1948); «Chinchina busca el tiempo» (1945); «Sangre mayor» (1945); «Los huéspedes secretos» (1951); «Compadre Mon», «30 Parábolas», etc., confirma que es en la tierra y en la raíz del hombre donde su poesía ha crecido fuerte y justa, y comprueba, además, que es, junto con Neruda, Vallejo y otros, uno de los poetas esenciales de nuestro Continente. «Pocas veces —como dijo André Gide— nos llega del otro lado del mar una voz tan humana, tan vital y americana como la de Cabral». O como ya lo sintetiza y define Gerardo Diego: «Extraño y formidable, este gran poeta, Manuel del Cabral, en cuya voz, fundida a la temperatura de alto horno del hombre nuevo, parecen haberse dado cita todos los hombres de América, el Continente que se descubre día a día en la imaginación exploradora del espíritu». Su obra, profundamente social, constantemente humana, lo sitúa entre los grandes poetas modernos de nuestro idioma.
La poesía de Charles Bukowski (1920-1994) refleja la vida de la clase trabajadora, el alcoholismo y otros temas habitualmente sacados de su propia experiencia. Escribió el guión de la película Barfly , en la que el actor Mickey Rourke interpretaba a un alcohólico salvaje a la deriva. Éste y otros éxitos cimentaron su reputación literaria, pero Bukowski se sintió siempre más cómodo entre los vagabundos y los bebedores que entre los vapores de la fama literaria que, contra todo pronóstico, alcanzaría más adelante.
Su obra poética es un extenso cuerpo de cientos de poemas habitualmente publicados en revistas a lo largo de más de cuarenta años. Los aquí se incluyen, con introducción y traducciones de Umberto Cobo, con un lenguaje crudo y directo, cantan historias sacadas literalmente de cuartos de hoteles entre la muerte, el sexo o el amor de sus protagonistas a través del ojo de la cerradura. La vida como lo que es: un absurdo mezquino y rutinario sostenido en un lenguaje que recuerda unas veces a Whitman y otras a Cummings o a William Carlos Williams.
Tejada Gómez cambio en su manera de escribir debido a un comentario crítico de su hermano, obrero de la construcción, que le mencionó que sus compañeros de trabajo decían que «escribía cosas que nadie entendía». El comentario influyó notablemente en él, quien decidió entonces orientar su poesía hacia la problemática social y los temas populares. Uno de los primeros poemas de esta nueva etapa fue su conocido poema «Hay un niño en la calle». El poema fue incluido en su tercer libro, Antología de Juan. A esta hora exactamente hay un niño en la calle. [...] y saber que a esta hora mi madre está esperando, quiero decir, la madre del niño innumerable que sale y nos pregunta con su rostro de madre: qué han hecho de la vida, dónde pondré la sangre, qué haré con mi semilla si hay un niño en la calle.
Jaime Gil de Biedma (Barcelona, 1929 -1990), escritor poco prolífico y excesivamente riguroso, es autor de una obra poética breve, aunque significativa. Jaime Gil de Biedma ha sabido acercarse al pública lector y construir una poesía plena de sensibilidad y que ya está considerada como una de las más sólidas aportaciones a la poesía española de la postguerra.
Alfosina Storni nació en 1892 y dio trágicamente fin a su vida en 1938. Pasó sus primeros años en San Juan y Santa Fe. En 1916, ya en Buenos Aires, publicó su primer libro de versos, La inquietud del rosal. Después continuó su obra, cultivando distintos géneros: novela breve, cuento, teatro, poesía y crítica. En 1920 obtuvo el Premio Municipal de Poesía y el segundo Premio Nacional, del mismo género. Entre sus libros de poesía —su forma de expresión más propia— figuran El dulce daño, Irremediablemente…, Languidez, Ocre, Mascarilla y trébol, escrito poco antes de su muerte, y otros. Esta Antología poética, compuesta por ella misma, comprende en síntesis sugestiva, la obra seleccionada que va, desde los poemas románticos de su primera época hasta la última producción animada por una inquietud renovadora. Toda ella revela las grandes cualidades, la profundidad, la ternura y la pasión, de una de las cultivadoras más femeninas de la lírica de la lengua española.
Antonio Gamoneda Lobón. (Oviedo, 30 de mayo de 1931). Poeta y crítico de arte español. Colaborador de las revistas Espadaña y Claraboya, durante los años 70 crea y dirige la colección de poesía Provincia. Dedicado a la crítica de arte, trabaja como asesor cultural en la Diputación de León; es también director de la Fundación Sierra Pambley, institución dedicada la docencia caracterizada por ser una proyección de la Institución Libre de Enseñanza. Paralelamente colabora con la revista Serta, a la que aporta diversas reflexiones y estudios. En 2006 recibe el Premio Cervantes, considerado el galardón más importante de las letras hispánicas. Considerado uno de los poetas fundamentales de la literatura contemporánea española, su obra se caracteriza por su rigor y su simbolismo, y ha sido traducida al alemán, francés, portugués e italiano.
Francisco Brines es uno de los mayores poetas españoles de la segunda mitad del siglo XX. Su poesía, que es una lucha sin cuartel entre el amor y la muerte (el primero como afirmación de la vida y la segunda como su negación), viene marcada por la pugna entre la infancia como «territorio sagrado e incólume», paraíso donde todo dura y donde no hay muerte, y la insoslayable y regular decepción que trae aparejada la experiencia vital. La presente antología poética cubre la entera trayectoria del autor, desde su primer poemario (Las brasas, 1959) hasta el postrero (La última costa, 1995), además de diez poemas publicados con posterioridad, pertenecientes a un libro inédito, que iluminan su última etapa.
La obra de Jaime Gil de Biedma —observa Javier Alfaya en el prólogo a este volumen— ocupa un lugar privilegiado y, en cierto modo aislado, en el llamado «grupo poético de los cincuenta». Esta «Antología poética» —preparada por Shirley Mangini González— permite apreciar la trayectoria de una labor creadora caracterizada por la búsqueda de la perfección y que eleva la experiencia individual del escritor al nivel de significación de la vida de todos los hombres.
La poesía de Jaime Sabines ofrece un territorio de enérgica vitalidad, donde la transparencia de su sentimiento, la hondura emocional que impacta a sus poemas, se conjuga con su vehemente sencillez. Para Sabines (1926-1999) nada hay más allá de los sentidos. Todo lo que toca y contempla se metamorfosea en un chorro numinoso que emerge raudo y estalla en un océano de sonoridades que deslumbra y enceguece. Con perplejidad asistimos a esta explosión de golpes rítmicos, acentos coloquiales y versos directos, profundamente reveladores. Originario del estado de Chiapas, en el sur de México, Sabines es un poeta con una rotunda conciencia de la carne. Apasionado de la vida, incapaz de soportar la degradación de los cuerpos, su desaparición física, enhebra su discurso con ternura y pesadumbre para expresar categorías profundas de la existencia. Por eso llena vacíos emotivos. Por eso también ocurre la identificación plena del lector con esta obra recia y contundente. La sustancia del hombre sensible se refleja en estos versos exactos que combinan los diferentes territorios de la desolación y la ternura, y donde imagen y concepto se enlazan en una unidad única, irrepetible. Así consigue perpetuar vigorosos instantes de la existencia, a través del dolor y el desgarramiento. La divinidad transcurre como una percepción del cosmos y la mujer se erige como una presencia primordial ante los acontecimientos del mundo exterior. El poeta chiapaneco enhebra y expresa con energía su condición humana y sus versos van desgranándose, adentrándose en esa dimensión única, sacramente cotidiana: el poema resplandece y la voz se perpetúa en la sagrada insonoridad de la memoria. 'El amor es el silencio más fino', musita Sabines. Y su poesía, significativamente, sublima la vida, exalta los deseos.
Hace tan solo unos pocos días que dejé de verte, que me atreví a enviar esa carta donde intento abrirte la puerta de mi vida y ya no puedo dormir, imaginando todas las formas que tendrás para esquivarme, para evitar decirme que nunca seré el amado hacia quien se tienden tus alas, en quien buscas descansar tus besos. Es demasiada la necesidad que tengo de aferrarme a ti, de convertirme en ti, como para no creer que te ame. Es mucha la soledad que he llenado con soledad, los silencios con silencios, como para estar seguro de cuánto puedo necesitar a alguien como tú, alguien a quien quiero descubrir como si fuera yo mismo, algo más joven.
La versión más íntima de Jaime Lorente a través de sus poemas.
Jaime Lorente nos presenta A propósito de tu boca , un poemario que lleva escribiendo desde que iba al colegio. Un texto personal y sensible sobre su visión del amor y de su forma de experimentarlo y vivirlo. En el libro conviven dos mundos muy extremos, uno muy blanco y otro más oscuro, que pertenecen a lo más íntimo del autor.