El asesinato de Tomás Becket, arzobispo de Canterbury, por orden de su amigo, el Rey Enrique II de Inglaterra en 1170, fue el punto de partida histórico que tomó Jean Anouilh para escribir «Becket o El honor de Dios», un debate apasionante y despiadado que nos habla de amistad, traición, pasiones e intereses mundanos que se contraponen con la lealtad y la dignidad humana. Contiene muchas inexactitudes históricas, que el autor ha reconocido. Dos hombres que fueron amigos durante su juventud y que se ven enfrentados por sus distintas maneras de entender el curso de la Historia y sus propias funciones. Uno desea erosionar los poderes plenipotenciarios de la Iglesia en su país; el otro, servir de modo coherente al Dios al que lo han consagrado sin su autorización (el rey lo nombró arzobispo de Canterbury pensando en que siempre podría contar con su fidelidad). El choque estaba garantizado y el autor lo resuelve con elegancia, un buen uso de los cambios de escena y una eficaz construcción teatral de la trama.
LA OBRA La Tragicomedia Beso de Sapo es un cuento teatral inspirado en el realismo mágico, la picaresca y el teatro bufo.
Escrita en verso, deliciosamente erótica, apasionadamente romántica y ridículamente divertida, se desarrolla a partir del relato del Bufón, quien nos lleva a vivir las peripécias del pícaro Sapo y las desventuras de la Princesa y los Príncipes en su afán de libertad, placer, amor, honor, poder, odio y venganza.
Beso de Sapo desarrolla uno de los mitos más sugestivos de nuestra época, profundamente arraigado en nuestro inconsciente colectivo y poderosamente presente en las artes, los medios de comunicación y el comercio a través de sus gadgets.
“La Princesa besa al Sapo y este se transforma en Príncipe”.
El “Deberás besar muchos Sapos antes de encontrar el bello Príncipe” es popular entre las adolescentes y demuestra la ansiedad en las relaciones actuales. La sociedad en crísis y la elección de sus doncellas.
De ellas depende...y de los Sapos !
Este es el conflicto que aborda con humor, pasión y poesía la Tragicomedia Beso de Sapo.
La obra recrea la historia real del infante Fernando de Portugal, quien en el siglo XV se aventuró en campañas en territorio marroquí en nombre de la corona portuguesa. En batalla contra las huestes del rey de Fez, los hombres de Fernando toman prisionero al guerrero Muley Hasán, de quien está secretamente enamorada Fénix, la hija del monarca. Movido por un sentimiento de piedad, el portugués libera a Muley. En último término el propio Fernando cae prisionero del rey marroquí, que pretende intercambiarlo por la ciudad de Ceuta, en manos portuguesas. Pese a que en Lisboa aceptan la propuesta, Fernando se niega al trato porque supondría perder almas para la fe verdadera. Finalmente muere en cautiverio, presa del hambre, la tortura y todo tipo de privaciones y miserias, pese a la victoria final de las tropas lusas, transformándose en un mártir.
«El mágico prodigioso» se refiere a la historia y leyenda de los Santos Cipriano y Justina, mártires en Nicomedia, siglo III d. J. C. Cipriano, enamorado de Justina, intenta conseguir su amor a través de las maquinaciones y magias diabólicas aconsejado por El Diablo, pero ésta es salvaguardada con por el dios cristiano. Cipriano se convierte y acaban los dos padeciendo martirio.
Este volumen incluye algunas de las mejores tragedias de Eurípides. «Medea», que se representó el 431 a. C., es seguramente su obra maestra. Jasón, esposo de Medea y padre de sus hijos, va a repudiarla y a casarse con la hija de Creonte, rey de Corinto. Medea, despechada y colérica, se vengará: simula haber sido convencida por Jasón y envía a sus hijos con ricos regalos para la novia al palacio de Creonte; pero esos regalos contienen un conjuro mortal que acaba con Creonte y su hija primero y luego, para agravar la desgracia de Jasón, con los hijos de éste, que son los suyos propios. Medea muestra hasta qué extremos aberrantes pueden llegar las pasiones desatadas: según Lesky, en ninguna otra creación del teatro griego se han presentado con tanta nitidez las fuerzas oscuras e irracionales que pueden brotar del corazón humano. «Hipólito» (428 a. C.) acompaña a Medea en la cima de la creación de Eurípides. Muestra la terrible pasión de una mujer enamorada y la firmeza casi enfermiza de un muchacho perfecto. Fedra desea a su hijastro Hipólito, casto y adepto a la diosa Artemis, quien la rechaza. En una carta dirigida a Teseo, su esposo, Fedra acusa a Hipólito de haberla seducido, acusación que tendrá graves consecuencias. Éstos son los dos personajes más heroicos del dramaturgo, al punto de que él incurre en «hýbris», o insolencia frente a los dioses. Sin embargo, media ya un abismo entre ambos y los héroes arquetípicos de Esquilo y Sófocles, puesto que son humanos en su inconstancia. «Los Heraclidas» es una tragedia de índole político-patriótica, en la que se relata la generosidad con que los atenienses trataron a los hijos de Heracles, y el pago injusto que recibieron: se trata de una denuncia de la invasión espartana del Ática. «Andrómaca» recrea la leyenda en que ésta y su hijo están a punto de ser asesinados por Hermíone, esposa de Neoptólemo, celosa porque Andrómaca dio a éste un hijo como concubina, y ella no ha podido darle ninguno. Se ha interpretado de varios modos esta tragedia de pasiones violentas: crítica a la mentalidad espartana, denuncia de las consecuencias desastrosas de la guerra de Troya… En «Hécuba», esta reina de Troya venga la muerte de sus dos hijos, Polidoro y Políxena, en una historia donde se reflejan las terribles secuelas de la guerra: las penalidades de las cautivas, la crueldad y el orgullo de los vencedores, el sacrificio humano… «El cíclope» es un drama satírico de tono humorístico en el que Dioniso es atrapado por unos piratas de los que tratan de liberarle los sátiros, al tiempo que Odiseo negocia el intercambio de comida por vino. «Alcestis» otro drama satírico, narra con tono un tanto burlesco cómo Heracles hace un alto en sus Trabajos para salvar a Alcestis de la muerte y devolvérsela a su marido Admeto.
«Suplicantes» y «Heracles» son tragedias de índole político-patriótica, como lo era «Los Heraclidas» del primer volumen dedicado a Eurípides. En la primera, representada hacia 422 a. C., los tebanos impiden que se entierre a los dirigentes argivos que han atacado la ciudad; las madres de éstos, que forman el coro de suplicantes, llegan a Eleusis y ruegan a Etra, madre de Teseo, rey de Atenas, quien recupera por la fuerza los cuerpos para enterrarlos: Eurípides celebra el valor marcial ateniense que protege los derechos de los indefensos en cualquier lugar. En «Heracles», el protagonista venga la muerte de su suegro y salva la vida de sus tres hijos, amenazada por el asesino Lico, pero la diosa Hera le hace enloquecer y asesina a sus propios hijos, confundiéndolos con otros, y a su esposa; recuperada la cordura, Heracles trata de suicidarse por desesperación, pero Teseo le convence de que acuda a Atenas para purificarse y le insta a superar el horror. «Ión» recrea el mito griego sobre el ancestro de los griegos de Jonia, una historia de un nacimiento no deseado (del hijo del dios Apolo con Creusa), el abandono del recién nacido y la recuperación y el reconocimiento posteriores, en un final feliz propio de la Comedia Nueva. Como en «Ifigenia entre los tauros» y «Helena», la tragedia da aquí un giro hacia la intriga romántica. Con «Las troyanas», representada en 415 a. C. después de la terrible matanza de la isla de Melos (donde los atenienses acuchillaron a los hombres y esclavizaron a las mujeres), Eurípides puso en escena el último día de la destrucción de Troya y el sufrimiento de las mujeres troyanas, que son el botín de los vencedores. La tragedia pone de manifiesto los sufrimientos de los vencidos y la degradación moral que produce la guerra en los vencedores. «Electra» retoma, con modificaciones que apartan el relato de su fuente mítica y le confieren una realidad humana, el tema de la tragedia homónima de Sófocles: Electra vive desdichada en Micenas, donde su madre, Clitemnestra, ha asesinado a su padre Agamenón, hasta que su hermano Orestes regresa para vengarse de la madre y su amante, matricidio justo pero espantoso en el que le asiste Electra. Por último, «Ifigenia entre los tauros» narra la etapa de la hermana de Electra como sacerdotisa de Artemis en el país de los tauros (Crimea), donde preside a la fuerza sacrificios humanos ofrecidos por bárbaros y evoca con nostalgia su perdida patria. Los griegos llegan a la península y se comunica a Ifigenia que debe sacrificar a su hermano Orestes, pero ambos lograrán huir con la imagen de la diosa. La obra se acerca al melodrama y a la intriga romántica por el secuestro y la salvación de la heroína, así como por los escenarios exóticos.
«Fenicias» es la tragedia más larga de Eurípides y una de las más complejas por su abundancia de personajes y situaciones. Ambientada en Tebas, se centra en la lucha por el poder entre los hermanos Eteocles y Polinices tras la caída de su padre Edipo. Eurípides, con su continuo afán innovador, aborda aquí las conocidas vicisitudes del mito tebano (desde el matrimonio de Edipo y Yocasta hasta el enfrentamiento entre Antígona y Creonte), pero rompe con la tradición y adapta los acontecimientos y los personajes a su conveniencia para ofrecer una obra sorprendente. En «Orestes», el protagonista enloquece tras dar muerte a su madre Clitemnestra, asesina de su esposo Agamenón. Electra tiene cuidado de él mientras ambos están a punto de ser juzgados por los ciudadanos de Argos con el cargo de matricidio. Solicitan en vano la ayuda de Menelao, hermano de Agamenón, y tratarán de obligarle mediante el rapto de su esposa Helena. Sólo la intervención de Apolo logrará introducir un desenlace. Al igual que hiciera en Electra, Eurípides da a sus personajes un tratamiento realista y humano que les aleja de sus orígenes arquetípicos, lo cual debió de asombrar al público ateniense. En «Ifigenia en Áulide» aparece Agamenón en el trance de tener que sacrificar a su hija Ifigenia en la población del título para propiciar el éxito de la expedición griega a Troya. Trata de salvarla mediante argucias, a las que se opone su hermano Menelao. Marcada por la violencia, esta tragedia ha sugerido a muchos espectadores una denuncia contra la locura de la guerra, en la que una joven inocente debe morir por una profecía en la que pocos creen. «Bacantes» trata la introducción en Grecia del culto a Dionisio, una religión muy distinta de la tradicional olímpica. Dioniso llega a Tebas y enloquece a las mujeres, que celebran sus ritos en el monte Citerón. Desgracias terribles caen sobre los que se oponen a su divinidad. Bacantes, con su acción feroz y los éxtasis de sus odas corales, es el mejor reflejo del espíritu dionisíaco en toda la literatura, y la única tragedia ática conocida que tiene a un dios como protagonista.
Esquilo ha sido llamado en ocasiones «padre de la tragedia», pero no por ser el primero en componerla, sino por darle una impronta de seriedad que no tenía. Interesado por la naturaleza del carácter humano (crimen, venganza, reconciliación, etc.), con él se cierra la primera etapa de la historia del teatro occidental: la de su constitución.
El ateniense Aristófanes (444-385 a. C.) es el más célebre de los comediógrafos griegos, y fue ampliamente imitado en el periodo romano y después. Vivió la gloria y la decadencia de Atenas, en la época de Pericles y la guerra del Peloponeso. Es el principal exponente de la Comedia Antigua. Sus comedias de Aristófanes ponen de manifiesto el intenso debate que animó la Atenas de su tiempo, y que se manifestó en todos los ámbitos: la política, la filosofía, la literatura… Aristófanes se revela como un tradicionalista en pensamiento y religión (defiende la validez de los mitos antiguos), lo que le llevó a oponerse al movimiento ilustrado de su tiempo, y en especial a Sócrates y Eurípides. Sus críticas a la democracia pueden deberse o bien a su animadversión contra este sistema o bien a una elevada consideración del mismo, defraudada ante su gradual decadencia. También se pronuncia en materia educativa, y hace sentir sus opiniones acerca de la educación de los jóvenes. En conjunto, sus comedias son un fiel y útil reflejo de la sociedad ateniense de su tiempo, y se ocupan de cuestiones como la organización financiera, el ejército y el sistema judicial. Se conservan once de sus comedias, de la cuarentena que se le atribuía en época alejandrina, de las que en este primer volumen figuran las iniciales «Los acarnienses» (alegato en favor de la paz escrito en el sexto año de la guerra del Peloponeso, pronunciado por un campesino que ha tenido que refugiarse en Atenas y que muestra su malestar en la vida urbana y pesar por la destrucción de sus campos) y «Los caballeros» (ataque frontal contra el demagogo Cleón y, de paso, una divertida sátira de la democracia en la que aparecen muchos personajes públicos).
El presente volumen constituye la primera edición integral que se presenta en castellano con los fragmentos conocidos de Esquilo. Tras una accesible introducción a la obra fragmentaria, la exhaustiva recopilación de noticias que sigue, confeccionada a partir de testimonios procedentes de la Antigüedad, informa acerca del origen, la vida, la actividad dramática y el arte escénico de Esquilo, entre otros aspectos. A ello se añaden los fragmentos, más o menos extensos, localizables de sus obras conocidas, y el análisis de los mismos, que admite, en la mayoría de las ocasiones, una reconstrucción bastante aproximada del argumento de cada composición. El libro se completa con otros fragmentos teatrales de ubicación dudosa e incluso algunos pertenecientes a creaciones no dramáticas (elegías y epigramas). Poco sabemos de Esquilo. Nació en Eleusis, cerca de Atenas, en el 525 a. C. Luchó contra los persas en Maratón, en Salamina, y quizás también en Platea: cuando escribió sobre la guerra, lo hizo como persona conocedora de su gloria y su miseria. Vivió el momento fundacional de la segunda democracia de Atenas, la de Clístenes, que tras la agresión persa resurgía más avanzada que la de Solón, y en la que se forjaba un nuevo orden divino y humano, en un proceso que culminaría en la Atenas de Pericles. Murió en Gela (Sicilia) en 456 a. C. Escribió tragedias, las puso en escena y actuó en ellas. Fijó los postulados del teatro occidental, cuyas múltiples evoluciones parten, en último término, de él.
Las cuatro obras que se presentan en este volumen de Aristófanes (el máximo representante del teatro cómico griego y único autor la Comedia Antigua del que nos han llegado obras completas) se enmarcan en un periodo histórico que significa el principio del fin de la hegemonía de Atenas en el mundo heleno. Aristófanes retrata de forma brillante a esa sociedad ateniense tan rica cultural y socialmente, riéndose de ella a la vez que critica a personajes prominentes, políticas y actitudes de su tiempo. «Las nubes», una parodia sobre la educación sofística ateniense, es famosa especialmente por la presencia de Sócrates, contemporáneo de Aristófanes, y por ofrecernos un retrato del filósofo muy distinto del que nos ofrecen los diálogos platónicos. «Las avispas» es un ataque directo contra el poderoso demagogo Cleón y el sistema jurídico ateniense, que estaba viciado y mantenía a vividores y personas sin oficio ni beneficio. Como otras obras de Aristófanes, «La paz» es una demanda de solución pacífica de los conflictos bélicos, en concreto de la Guerra del Peloponeso, que enfrentó a Atenas y Esparta y que marcó el último tercio del siglo V a. C. Por último, en «Las aves», el comediógrafo arremete contra la sociedad ateniense en general y contra sus ansias colonialistas en particular, pero es también un canto a la libertad y a la búsqueda de la felicidad.
Con las cinco comedias publicadas en este tercer volumen se completa la traducción en la «Biblioteca Gredos» de todas las obras conservadas de Aristófanes. Estas cinco corresponden al último período de su producción y reflejan las preocupaciones del autor, y de la sociedad, en los años finales de la Guerra del Peloponeso. «Lisístrata», quizá la más conocida y todavía hoy representada de las comedias de Aristófanes, pone en escena la confabulación de un grupo de mujeres para declararse en huelga de sexo mientras los hombres de las ciudades en lucha no declaren la paz. «Las Tesmoforiantes» está ambientada en las celebraciones de las que toma el nombre y en las que participan sólo mujeres. El personaje de Eurípides pretende infiltrar a un pariente (un hombre disfrazado de mujer) para que hable bien de él, pues se ha enterado de que las mujeres traman un plan para castigarle por el trato ofensivo que, dicen, les dispensa en sus tragedias. En «Las Ranas» vuelve el cómico a centrarse en la tragedia, mostrando a Dioniso camino del Hades en busca de Eurípides para devolverle al mundo de los vivos. En «Las Asambleístas» se representa la toma de la asamblea ateniense por parte de las mujeres que intentan instaurar algo parecido a una democracia radical. Finalmente, la última de las obras de Aristófanes, «Pluto», es un alegato sobre la injusta distribución de la riqueza, que nada tiene que ver con la virtuosidad u honradez de los seres humanos.
Desde lo antiguo a lo moderno, recogiendo mito y leyenda, esta obra en prosa y verso es la tragedia más cruda de Federico García Lorca, una reflexión sobre la vida, la muerte y la única fuerza capaz de vencerla: el amor. Escrita en 1932, Bodas de sangre se basa en un suceso real, acaecido en Almería en 1928. Todo empezó con una boda a la que la novia no acudió. Poco después se encontró el cadáver de uno de sus primos y muy cerca de ahí apareció ella, con el vestido desgarrado. Lorca teje una obra en la que se dan cita las pasiones que nos hacen humanos, desde el amor hasta el sufrimiento, la venganza, el miedo y el odio. El resultado es una sobrecogedora tragedia que da forma a una idea lorquiana: a sus personajes se les tienen que ver «los huesos y la sangre». La presente edición incluye los bocetos inéditos que el artista José Caballero hizo para el estreno de la obra en Barcelona por la compañía de Margarita Xirgu. «Cuando era joven y buscaba una voz en mí, sólo la encontré cuando leí a Lorca. Él me dio permiso para ubicar mi yo, siempre inacabado, incluso hoy, que ya soy viejo.» LEONARD COHEN
Borís Godunov es, sin duda, la más perfecta y brillante de las obras dramáticas de Pushkin, cuya publicación supuso el fin del clasicismo vigente y transformó radicalmente el teatro en Rusia. Concebida durante uno de sus repetidos destierros, Pushkin fue consciente de que sería rechaza y la guardó consigo hasta que finalmente vio la luz, censurada, en 1831. Como su autor esperaba, fue criticada e incomprendida, pero pronto el realismo de Borís Godunov alcanzó el reconocimiento que merecía hasta el punto de ser definida por Máximo Gorki como «el mejor drama histórico ruso» o inspirar la gran ópera de Mussorgski.Borís Godunov retrata con una belleza y profundidad inusitadas la sociedad medieval de la Rusia de finales del siglo XV y principios delXVI a través de la figura del zar que le da nombre.
Borís Godunov es, sin duda, la más perfecta y brillante de las obras dramáticas de Pushkin, cuya publicación supuso el fin del clasicismo vigente y transformó radicalmente el teatro en Rusia. Concebida durante uno de sus repetidos destierros, Pushkin fue consciente de que sería rechaza y la guardó consigo hasta que finalmente vio la luz, censurada, en 1831. Como su autor esperaba, fue criticada e incomprendida, pero pronto el realismo de Borís Godunov alcanzó el reconocimiento que merecía hasta el punto de ser definida por Máximo Gorki como «el mejor drama histórico ruso» o inspirar la gran ópera de Mussorgski.
Borís Godunov retrata con una belleza y profundidad inusitadas la sociedad medieval de la Rusia de finales del siglo XV y principios del XVI a través de la figura del zar que le da nombre.
«Brand» es considerado, junto a «Peer Gynt», el texto más importante e intenso de Ibsen. Es la historia de un hombre que quiere «sanar a la raza humana de sus vicios e imperfecciones». En nuestra época, tan llena de moralistas y de nuevos predicadores, la figura del pastor protestante Brand y su intento de vivir según una virtud perfecta constituye una fuerte provocación. La grandeza y la tragedia del personaje, que ha hecho de la autonomía su religión y su bandera cívica, nos ayudan a comprender la causa de la angustia y la crisis del hombre contemporáneo.
Esta obra pertenece a la primera etapa de su producción —fase romántica— donde recogía la tradición y el folclore noruego, a la vez que retrataba lo que él consideraba defectos del carácter noruego. Es un drama en cinco actos. Simbólicamente expone la falta de solidaridad de Escandinavia frente a la invasión prusiana de Dinamarca. Su protagonista, el sacerdote Brand, sufre una tragedia familiar por mantener sus principios. El idealismo místico y personal se contrapone a una contundente realidad.
Reflexión sobre los problemas y obsesiones que nutrieron su creación literaria y teórica, «Calígula» —obra gestada entre 1938 y 1942 y representada por vez primera en 1945— es una de las grandes piezas dramáticas de Albert Camus (1913-1960). En ella, los temas recurrentes del absurdo existencial, la enajenación metafísica, el sufrimiento del hombre y la lógica del poder reciben un despliegue dramático que discurre en paralelo a las novelas y ensayos de un autor cuyo talento y sensibilidad ética se centraron siempre en una indagación sobre la complejidad, la ambigüedad y la riqueza de la condición humana.
La obra representa la historia de una niña, Teresa, desde que es abandonada a las puertas de un convento de Castilla hasta que se casa y emigra a América, pasando por las peripecias de infancia y adolescencia.