De las obras que en este volumen se recogen, «Delito, condena y ejecución de una gallina» es probablemente la que más ha llenado de angustia y coraje, risa y esperanza a sus numerosos espectadores y también a muchos lectores. Sus diálogos van del sarcasmo a la ternura, pasando por el humor negro; sus personajes han sido delineados con cuidado y sus diálogos están provistos de agilidad y fuerza. En pocas palabras, es una obra desarrollada con maestría y por lo mismo es un hito en la historia del teatro guatemalteco. «Sebastián sale de compras» es otra pieza en la que lo grotesco va creciendo hasta convertirse en hostilidad, pues hace sentir al espectador el cerco cada vez más apretado y apremiante que los comerciantes le tienden al protagonista, un hombre laborioso que termina aplastado por las insinuaciones y exigencias de aquellos. El aliento y la poesía de las obras antes mencionadas también se encuentra en «Compermiso». Es más, cada una evidencia cómo desde aquel entonces, nuestro autor estaba compenetrado de los problemas de Guatemala, por lo que no tiene sentido decir que «fue en el exilio donde Manuel adquirió plena conciencia e información sobre la atroz realidad de su país…». Las tres piezas de teatro aquí reunidas representan un desafío a la imaginación de los directores y un reto a la capacidad de los actores. Sea esta publicación una forma de retomar el diálogo con uno de los más conspicuos dramaturgos de la segunda mitad del siglo XX y el principio de saldar la deuda que con él tenemos.
Alfonso XI de Castilla prepara el ataque de Algeciras, ayudado por el Conde de Orgaz y Don Mendo, el cual suplica de nuevo al rey que le haga caballero de la Banda. En la lista de los ofrecimientos guerreros de los vasallos descuella la liberalidad de García del Castañar de tal manera que Alfonso, sorprendido, quiere conocer a tan generoso súbdito. Le visitará, disfrazado, acompañado de Don Mendo, ya con la Banda puesta y Grande de España. Una escena en el Castañar nos muestra la apacible dicha campesina de los simpáticos esposos Blanca y García. Éste recibe una carta de Orgaz señalándole la visita del rey de incógnito: es el de la banda roja. Al llegar a la magnífica casa de García, Don Mendo, a quien todos creen el Rey, se enamora de Blanca y la requiebra en vano. Herido de un amor violento, prepara con los consejos de Bras –criado de García- una traición en el Castañar…Rojas Zorrilla supo prestar un acento de honda humanidad a un problema teórico. Don García nos conmueve, Doña Blanca nos seduce. Tales cualidades humanas, unidas en esta obra a muestras de magnífico lirismo, con un estilo suelto y con número razonable de cultismos justifica perfectamente el éxito constante de la obra.
Eben es el más joven de los hijos de un tiránico granjero viudo que espera, como sus hermanos, que muera para heredar la granja en la que viven. Pero cuando el tiránico padre vuelve a casarse con una joven y bella mujer (Abbie) y anuncia que dejará sus posesiones a su nueva esposa, estallan las pasiones más encontradas entre los habitantes de la granja.Aclamada por la crítica como la mejor obra de O'Neill.
Diatriba de amor contra un hombre sentado, monólogo en un acto, es la reconstrucción de una vida compartida y un retrato de una mujer presa de un amor que sabe que no podrá compartir, atenazada por una «soledad sonora» sin mística pero con sordina. «¡Nada se parece tanto al infierno como un matrimonio feliz!». Así inicia Graciela —esposa de un hombre acomodado, en la antesala de las bodas de plata de su matrimonio— su monólogo, su diálogo frustrado más bien, sobre la dicha y la infelicidad íntima, sobre el paralelismo entre el ascenso social y el crecimiento del desamor. Graciela se dirige a su marido, pero este es un maniquí, un objeto sobre el que proyectar el desencanto de una vida jalonada de pérdidas: de la confianza en él, del respeto por él, del valor de sus sentimientos hacia él. Todo para saber que, a pesar de sus rencores, ni siquiera le queda el consuelo de decirle que no le ama.
Extracto: '...pero de ti, nadie nunca llegó a hartarse. El que recibe trece talentos, con mucha más gana quiere conseguir dieciséis. Y si los logra, quiere cuarenta, y dice que no vale la pena vivir si no los llega a tener.'
Durante el reinado de Felipe II, el príncipe Carlos, heredero del mayor imperio de la historia, vive sumido en el desánimo ya que la mujer que ama está casada con otro. Conquistarla no sólo supondría romper los vínculos del matrimonio, sino también contravenir las leyes naturales, ya que ese otro es el mismísimo rey, su padre. «Don Carlos» es una tragedia amorosa en la que se suceden las intrigas con la sublevación de los Países Bajos como telón de fondo. Esta obra, fruto de uno de los mayores talentos del teatro alemán y universal, sirvió de inspiración para la famosa ópera de Verdi de mismo nombre, y constituye un fascinante canto a la amistad, el amor y la libertad humana.
«Don Álvaro o la fuerza del sino» nos narra la historia de un amor condenado por la fatalidad. Don Álvaro, joven noble indiano, pretende a Leonor, hija del marqués de Calatrava. La desconocida procedencia de don Álvaro hace que el marqués se oponga al enlace, por lo que ellos deciden escapar juntos. La noche de la huida, el padre de la dama los descubre e intenta detenerlos. Cuando don Álvaro lanza su pistola al suelo en gesto de sumisión, ésta se dispara accidentalmente y hiere de muerte al marqués. En la confusión del momento, don Álvaro y Leonor se separan, creyendo ambos que el otro ha muerto a manos de los criados.
Así describía Federico García Lorca al personaje de esta obra. Cada jornada transcurre en una época distinta, desde fines del siglo pasado hasta los felices años veinte. Mientras el tiempo huye irremediablemente, son los otros los que hacen solterona a una mujer que se pregunta de manera abierta si es que no tiene derecho a respirar con libertad. Aunque se presenta y articula como una comedia es, en realidad, un drama, el drama de la cursilería española, de la mojigatería española, del ansia de gozar que las mujeres han de reprimir por fuerza en lo más hondo de su entraña enfebrecida.
¿Cómo diablos puede convertirse una familia obsesionada con la limpieza en la fuente de polución más horrenda de la historia de la humanidad? Esta es la incógnita que se resuelve en El 6º continente, la obra teatral creada a partir de las innumerables improvisaciones de un grupo de actores bajo las órdenes de la directora francesa Lilo Baur. Estrenada en el teatro parisino Bouffes du Nord, este drama familiar-planetario es a su vez una ópera bufa que, ante el inevitable desastre ecológico que vaticinan sus páginas, no deja otra salida al espectador (y al lector) que la risa. Precede a esta pieza teatral el monólogo Ex paciente de los hospitales de París, en el que un médico residente de un hospital público de París relata una larga y accidentada noche de guardia, una noche en la que encontró la fe, la perdió, la reencontró y la extravió de nuevo. Con su habitual y aguda ironía, y echando mano del lenguaje escénico, Daniel Pennac nos enfrenta con la realidad de una sociedad posmoderna llena de excesos, inconsciente y egoísta, cuyos integrantes desestabilizan un sistema sanitario precario y un equilibro medioambiental ya prácticamente inexistente. Reseñas:«Divertida, conmovedora, lúcida y bromista.»Le quotidien du médecin «Divertidísimo.»Marie France «El estilo ligero y audaz de Pennac nos ofrece una pléyade de situaciones cómicas y toda una legión de personajes estrafalarios. Es divertida, uno se ríe, pero la melancolía y el cinismo, siempre presentes en Pennac, no pierden su lugar, y provocan de manera imperceptible que el lector ahonde en sus reflexiones y emociones más sombrías.»Le souffleur
Versión de «El Faetonte» de Calderón de la Barca comentada, revisada, y comparada entre diferentes versiones de la obra en su época. Además aporta importantísima información sobre la escenografía en el siglo XVII.
En una habitación cerrada, un hombre negro y otro blanco mantienen una dura batalla dialéctica. El hombre blanco, un profesor de humanidades de vida acomodada, atenazado por sus propias dudas acerca de la condición humana, considera que la única salida a la miserable situación en la que se halla el ser humano es arrojarse a las vías del Sunset Limited. Ha llegado a creer que la experiencia de la felicidad es perniciosa para la condición humana. El hombre negro, sin embargo, se encuentra en el polo opuesto y ha llevado una vida marcada por la violencia, la adicción a las drogas y la cárcel. Pero a pesar de todo no ha perdido su fe. Encerrados en un debate filosófico, los dos contrincantes defienden de manera apasionada sus credos personales y tratan de convertir al otro. Ambas visiones, fundamentalmente contrarias, confluyen en esta conversación que ahonda en el vacío que se abre entre el silencio de Dios y lo inevitable de la muerte.
«El alcalde de Zalamea» es una de las obras más populares de Calderón de la Barca y contiene todos los grandes ingredientes de la literatura universal: venganza, pasión, crimen, honor, orgullo, justicia, lucha de clases… Esta universalidad unida a la maestría en la dramatización es lo que hace de esta obra publicada en 1651 (escrita, presumiblemente, en 1636) un clásico imprescindible, un texto sorprendentemente actual pese a haber sido escrito hace ya casi cuatro siglos. La obra narra el drama vivido en la localidad extremeña de Zalamea de la Serena al pasar las tropas españolas con motivo de la guerra de Portugal. El capitán Don Álvaro de Ataide, personaje de extracción nobiliaria es alojado en la casa del labrador rico de la localidad, Pedro Crespo, a cuya hermosa hija Isabel secuestra y ultraja. Cuando Pedro Crespo intenta remediar la situación, ofrece bienes a Don Álvaro para que se case con Isabel, a la que rechaza Don Álvaro por ser villana, es decir de clase inferior. Este desprecio afrenta definitivamente el honor de toda la familia de Pedro Crespo. En pleno trauma familiar, es elegido alcalde de Zalamea y siguiendo una querella cursada a la justicia por la ultrajada Isabel, aún sin poseer jurisdicción sobre el militar, Pedro Crespo prende, juzga y hace ajusticiar a Don Álvaro dándole garrote. La trama se resuelve, cuando el Rey Don Felipe II, revisa la decisión del alcalde, la ratifica y premia su decisión nombrando a Pedro Crespo alcalde perpetuo de Zalamea.
Libreto original de «El amor brujo: gitanería en un acto y dos cuadros» de Manuel de Falla, que se estrenó en el Teatro Lara el 15 de Abril de 1915. Fue escrito, expresamente para Pastora Imperio, por María Lejárraga y publicado en 1915. A pesar de la autoría impresa de Gregorio Martinez Sierra, marido de María de la O, investigaciones recientes han dictaminado que fue su esposa, María Lejárraga, la autora de los textos de este libreto, así como de otros como «El corregidor y la molinera», de Falla, «Las golondrinas», de Usandizaga o «Navidad», de Turina. La densidad poética, la gracia y la hondura popular de la escritura de María Lejárraga resplandecen en esta obra, a través de los años. En la presente edición se han mantenido las normas ortográficas, gramaticales y tipográficas de la edición de 1915, a partir de la cual se ha realizado esta.
Su primera obra dramática, escrita entre 1596 y 1599, está inscrita en la escuela valenciana de la segunda mitad del siglo XVI y posee todas las características de la tragedia de la dramaturgia renacentista. Su marco espacio-temporal es imaginario y su ambiente y personajes palaciegos, por lo que puede adscribirse al género de comedia palatina. La obra plantea una justificación del derecho a rebelarse contra la tiranía. Nísida, protagonista central de esta obra es una de las más admirables heroínas de la tragedia amorosa de todo el teatro de Guillén de Castro. En «El amor constante» plantea el tema del tiranicidio y está muy vinculada a la obra trágica de Cristóbal de Virués. Un rey despótico desea ilegítimamente a Nísida, enamorada de Celauro, que no le corresponde. Todo ello lleva al tirano a perpetrar varios crímenes, vengados finalmente por Leónido, hijo secreto de Nísida, ejecutando al rey. La obra sigue de cerca la tragedia de Virués «La gran Semíramis» y su esquema se reproducirá en la tragicomedia «El perfecto caballero».
El arca de Noé o El mundo al revés es una comedia inspirada en el relato bíblico sobre Noé y el diluvio universal ( Génesis , cap. 6-8 y 9, 1-17) y cuya composición puede fecharse a finales del siglo XVI o primera década del XVII. A pesar de que hace ya bastantes años algunos críticos apuntaron que el único manuscrito que se conserva de ella pudiera haber salido de la pluma de Lope de Vega, lo cierto es que ha pasado prácticamente desapercibida para los estudiosos del teatro del Siglo de Oro. Antonio Paz y Melia, que en su día ofreció un informe sobre el referido manuscrito (hoy conservado en el Instituto del Teatro de Barcelona), apuntaba allí que esta obra «es digna de ulterior estudio», de ahí que nos haya parecido oportuno ofrecer su edición, como herramienta que facilite la tarea para que futuros investigadores puedan profundizar en el estudio de esta comedia y dilucidar (en la medida de lo posible) su autoría.
Principios del siglo XX. Pedro y Julián, amigos desde la infancia, están unidos por dos pasiones: la entomología y el amor por Adela. Aunque Adela elige a Pedro, Julián no se rinde y está dispuesto a seguir luchando por su amor mientras viva. Por su parte, Adela, que es joven y bonita, no se resigna a pasarse toda la vida encerrada entre bichitos. Quiere vivir la vida, ir al baile, coquetear. Veinticinco años después, la situación ha llegado a tal grado de deterioro que Adela toma una decisión: marcharse para vivir lo que le queda de juventud. El transcurso del tiempo y la posibilidad (o imposibilidad) de controlarlo y sus efectos son el eje sobre el que gira esta obra de Neville.
La obra se centra en la vida del escritor español Francisco de Quevedo, de la que refleja dos momentos esenciales: En primer lugar, el esplendor de su madurez, con su ambición y su ingenio intactos, así como sus famosos enfrentamientos con Luis de Góngora. Y en segundo lugar, el ocaso de la vejez, ya cercana la muerte, tras su salida de prisión. Poseedor de una técnica consumada para la adaptación de obras clásicas, Alejandro Casona (1903-1965) presenta en «El caballero de las espuelas de oro», una de sus últimas producciones, una visión de don Francisco de Quevedo en la que lo histórico se entrevera de lirismo. Es tal la maestría del escritor, que textos quevedianos en prosa y verso se hacen vida dramática al servicio de una lección: la de que, como don Francisco, uno debe permanecer fiel a sí mismo, a una verdad. Cumpliendo la enseñanza, Casona permanece aquí fiel a su modo de hacer teatro, que conjuga de continuo fantasía y realidad como componentes inseparables de la vida. Este libro incluye «El retablo jovial, cinco farsas en un acto».
«El castillo de los corazones», obra poco conocida de Flaubert y que aparece por primera vez traducida al castellano, muestra, sin embargo, algunas claves para la comprensión de su autor, ejemplo de las posibilidades de un «teatro mágico» enraizado en la más profunda realidad. Más allá de su apariencia, Flaubert examina descarnadamente los mecanismos de la lucha por el poder y la falacia de las soluciones aparentes. Tras un falso optimismo, el autor esconde su pesimismo radical. Desde el punto de vista formal, «El castillo de los corazones» es de una gran perfección: el texto, al tiempo que se basta a sí mismo, no existe sin que el lector lo desarrolle, lo niegue, lo reinvente y lo cuestione.
El cielo que me tienes prometido fue la última obra dramática que escribió y dirigió Ana Diosdado. Se estrenó el 11 de abril de 2015 en Ávila, en el Centro de Congresos y Exposiciones «Lienzo Norte» y posteriormente la obra realizó una larga gira por España, como parte de la celebración del V Centenario del nacimiento de Santa Teresa.
Tras el fallecimiento de la autora en octubre de 2015, el Centro Dramático Nacional organizó un homenaje en su recuerdo, con diferentes actividades, entre la que estuvo la puesta en escena de El cielo que me tienes prometido en el teatro María Guerrero de Madrid, del 7 al 18 de septiembre de 2016.
La obra narra el conflictivo encuentro que tuvo lugar entre Santa Teresa de Jesús y la princesa de Éboli. Ambas mujeres eran de genio vivo y dominantes en su entorno, ambas tuvieron discusiones y choques durante la construcción del monasterio de Pastrana y volvieron a tenerlos al morir el Príncipe y pretender su desconsolada esposa tomar el hábito en Pastrana… pero sin dejar de vivir y ser tratada como una princesa. En palabras de Ana Diosdado es «una historia de ficción que no falta a la verdad, pero que no es histórica».