Crónicas de Atenas es un poemario de plena actualidad en el que el poeta desgrana verso a verso los problemas de la exangüe Grecia de hoy, con su crisis económica y la desesperación ciudadana. Poesía bien calculada y de inmensa calidad en la que Manuel Jurado sigue rindiendo homenaje al país heleno, constante en su obra.
Los versos de Elvira Daudet enganchan, no como narcóticos, sino con la contundencia de lo auténtico; aprisionan al lector en la única peripecia importante, la de la existencia, que es tanto más espeluznante cuanto esta escritora colmada de dolor adorna sus poemas de la impecable y envidiable sobriedad que solo los sabios poseen. Una de las autoras más relevantes del panorama poético español, en el sumatorio infinito de contradicciones que describe con sus versos, alcanza insospechadas cotas de emoción y clarividencia. Porque Elvira Daudet es esencialmente poesía de su norte a su sur, las 24 horas del día y de la noche.
Llegó ese punto donde tenías que decidir entre huir y quedarte para siempre y sabías perfectamente qué hacer, pero hiciste lo contrario. Y es que algunas veces todo depende de ese “Quédate” que se nos queda atascado en la garganta. La felicidad está en saber que nadie es de nadie, pero hay que disfrutar cada segundo con quien te hace sonreír. A ti te lo escribiría todo, pero me dejaste sin palabras.
Tras la buena acogida de su novela 'Donde brotan las violetas', Carmen Manzaneque regresa con este poemario donde nos cuenta que empezó a escribir cuando las muñecas le negaron el saludo. A través de una poesía clara y directa, la autora nos muestra la evolución de su alma de mujer pasando por diferentes etapas hasta abrir, con los últimos versos, una puerta a la esperanza: 'Canta mujer, canta, no dejes nunca de cantar poesía'.
Al enamorarnos todos pensamos vivir un gran amor, pero al fin descubrimos que el amor puede ser tan volátil como el aire que solía rellenar nuestros pulmones y se convierte en gas carbónico. Este libro reúne textos y poemas del inicio al fin de una relación, dividido en tres momentos importantes: enamoramiento, corazón roto y libertad.
Me pregunto si algún día vas a leer este texto Arrepentido de todo lo que me hiciste pasar De no haberme dado el amor que merecía O de no haber sido sincero cuando deberías.
Porque haber estado con una escritora es así Una explosión de sentimientos que escurren palabras de dolor Para curar un corazón roto".
Al enamorarnos todos pensamos vivir un gran amor, pero al fin descubrimos que el amor puede ser tan volátil como el aire que solía rellenar nuestros pulmones y se convierte en gas carbónico. Este libro reúne textos y poemas del inicio al fin de una relación, dividido en tres momentos enamoramiento, corazón roto y libertad.
Cuentos como puñales, relatos afilados directos al corazón, aforismos que zarandean tu mente, capaces de abrir o cicatrizar heridas profundas. Textos que siempre cierran en alto, que fulminan con dos frases, con los que disfrutar y reflexionar y ante los que el lector no puede mostrarse indiferente. Potentes, sensibles, pedagógicos, combativos, profundos, estimulantes. En definitiva: necesarios.
Bebi Fernández, una vez más, nos acerca derrochando imaginación y creatividad a la descarnada realidad y a la injusta cotidianidad de los más vulnerables y de los más rebeldes, pero también nos lleva a nuestro interior más íntimo. Bebi Fernández viene a prender fuego a las conciencias.
Los libros aquí incluidos muestran una voz lírica que ha ido día a día —Gloria es poeta de guardia— logrando su propia perfección. El amor, la vida humana, el cotidiano sentir y palpitar dictan a la autora las claves de su mundo poético en donde alientan sus gozos, sus penas y sus esperanzas que ella pone al alcance y al servicio de todos nosotros. Poesía personal y popular a la vez, cuyos rasgos difícilmente caben en etiquetas y clasificaciones.
Estas dos obras representan la transfiguración poética del tema de Andalucía, en tono puramente lírico en la primera y con acentos dramáticos en la segunda. Suponen la cima esencial de la poesía de Lorca y han conseguido un éxito y un arraigo en la tradición literaria mayor que ningún otro libro de sus compañeros de generación.
La obra poética de uno de los poetas más precoces, geniales y transgresores de la literatura europea de finales del siglo XIX. Un autor cuya contradicción entre vida y obra ha dado lugar al llamado mito de Rimbaud.
«Eugenio Oneguin», novela en verso, es una de las obras fundamentales de Pushkin y una de las novelas rusas más relevantes del siglo XIX. El personaje de Oneguin encierra una dualidad en la concepción del mundo. Aunque hostil al «gran mundo», está a la vez inscrito e inmerso en él. Su individualismo tendente al escepticismo se convierte en la indiferencia de quien no tiene ningún objetivo ante la vida. Y Pushkin intuyó el peligro que encerraba esa indiferencia. Esta edición ofrece una traducción poética de una de las obras rusas más difíciles de reproducir en cualquier otra lengua.
Nacido como Jacques Louis Napoléon Bertrand, «Aloysius Bertrand» (1807-1841) tuvo a su favor, como poeta, condiciones que deberían haberle convertido, ya en su época, en un referente: la calidad lírica de su escritura, mentores como Sainte-Beuve, Hugo o Nerval, que alabaron su obra, y la conciencia estética de que sus textos representaban una innovación significativa en las letras contemporáneas. La vida y la obra de Bertrand sufrieron, sin embargo, algunas adversidades que contrarrestaron y casi anularon su proyección: por una parte, su obra no gozó de difusión suficiente; por otra, su temprana muerte y las dificultades que rodearon la publicación de su libro, que aparecería póstumamente en 1842. Charles Baudelaire, en la dedicatoria a Arsenio Houssaye que figura al frente de los Pequeños poemas en prosa, iniciaría el debido reconocimiento: «He de hacerle una pequeña confesión. Al hojear por vigésima vez al menos el famoso Gaspar de la Noche de Aloysius Bertrand (un libro que conocemos usted, yo y algunos de nuestros amigos, ¿no tiene todo el derecho a ser calificado de “famoso”?) se me ocurrió la idea de intentar algo parecido». Dos décadas después, J.-K. Huysmans escribiría: «Gaspard de la Nuit […] ha transmitido los procedimientos de Leonardo a la prosa y con sus óxidos metálicos ha pintado cuadritos cuyos vivos colores se tornasolan cual los de los esmaltes lúcidos».
Chesterton llamó a Alexander Pope el último poeta de la civilización. Marcado por la deformidad corporal y las enfermedades, que suplió con la excelencia del ingenio y el cultivo de la amistad, Pope encontró en la imitación y la sátira una forma de expresión que no ha sido superada en ese terreno. Traductor de Homero y editor de Shakespeare, Pope hizo de la literatura una forma de vivir. Prácticamente inédito en español, esta edición presenta a Alexander Pope como un autor que puede orientar al lector en un tiempo —como el suyo— de crisis y corrupción moral y económica que, sin embargo, no puede someter a los espíritus —como el suyo— nobles e independientes.
Amor, desamor, alegría, tristeza, adoración, desprecio, placer, dolor, esperanza, desánimo,... y mucho más sentimientos condensados en veintidos poemas en los que se pretende decir todo, pero que no sirven para nada.
La Dança de la Muerte es un poema alegórico castellano del siglo XV escrito en dodecasílabos agrupados en coplas reales. Pertenece al género literario lírico-dramático de las danzas de la muerte o danzas macabras que se desarroslló originalmente en Francia (Danse Macabre) y Alemania (Upper Quatrain). Esta obra de autor anónimo se conserva en un manuscrito de la Biblioteca del Monasterio de San Lorenzo de El Escorial, aunque no se trata del texto original. La Danza castellana presenta unos rasgos que la diferencian de sus semejantes europeos. El texto se destaca por su estructura muy precisa. En las cuatro primeras estrofas, la Muerte toma la palabra. En las tres siguientes, le responde el Predicador. Después, o sea de la octava estrofa a la decimotercera, vuelve a expresarse la Muerte. A continuación se expresan figuras representativas de los tres estamentos sociales medievales (nobleza, clero y plebe) sucesivamente alternándose laicos y clérigos e invitados por el personaje alegórico de la Muerte a unirse a su danza. Antes de las dos estrofas de cierre, la crítica se hace por orden descendente, desde el Papa y el Emperador hasta el más humilde de los mortales. Los únicos personajes que aceptan el fin de sus días tranquilamente, sin temor ni rebeldía, son el fraile y el ermitaño, a los que redime la pureza de su ascetismo.
Para celebrar la primera edición, en un mismo formato y colección, del conjunto de novelas que forman lo que ahora se conoce como El quinteto de Mogador: Los nombres del aire; En los labios del agua; Los jardines secretos de Mogador, voces de tierra; La mano del fuego; y Nueve veces el asombro, y que no han dejado de ser reeditadas desde la aparición de la primera en 1987, Alfaguara ha querido compartir con sus lectores esta colección de poemas del autor.
De la finitud es el libro póstumo, la despedida del Premio Nobel de Literatura y Premio Príncipe de Asturias, Günter Grass. Entre diario, ensayo y poesía, y profusamente ilustrado por él mismo, De la finitud es el libro que Günter Grass escribió durante sus últimos años. En él hallamos la lúcida mirada, alejada de toda melancolía, de un hombre que se enfrenta a la muerte con ironía, en poemas como «Autorretrato» o «Adiós a la carne», al tiempo que sigue analizando el mundo que le rodea. Desfilan bajo su pluma llena de sabiduría, lirismo y humor los hechos y personajes más diversos, desde la crisis griega («La luz al final del túnel») a la canciller Angela Merkel («Mamá»). Un delicado regalo de despedida, un libro imprescindible.
De la supervivencia. Poemas 2006-2016 son los poemas de la crisis, personal y social. Concisión, elipsis, multisensorialismo, tensión lingüística, sugerencia y desborde en la resonancia conforman la escritura de Ana Gorría, radicalmente perturbadora e inquieta. Sus poemas son estímulos, puntos de partida para abordar de manera activa e interrogadora la realidad y nuestra manera de construirnos como individuos. Responden a un trabajo de búsqueda que hace partícipe a quien lee, provocando un cuestionamiento de lo que se dice, de cómo se dice y hasta de las propias posibilidades del lenguaje. Sus piezas suponen una constatación de la precariedad existencial, de la falta de certezas, de la fragilidad de nuestras herramientas, y de la inseguridad y vulnerabilidad que nos conforman. Poesía que nos abisma, poesía que nos empuja a respirar con intensidad.
Será el dia sexto negro e carboniento, / Non fincará ninguna labor sobre çimiento, / Nin castiellos nin torres nin otro çerramiento / Que non sea destruido e todo a fondamiento. Existen dos tradiciones apocalípticas en los Evangelios: la que arranca de Lucas 17, 20-37, y la que inicia Marcos 13, 3-23. La primera predice un final súbito en el que el juicio de Dios se aplique con toda severidad; la segunda, un final anunciado por signos espantosos pero con el claro fin de salvar a los buenos. Ésta fue la que adoptó la Iglesia primitiva, contra la enseñanza crística expresada por Lucas. Aunque recoja la tradición de los signos previos, el poema de Berceo está inspirado en la tesis del juicio divino y utiliza, para convencer a sus oyentes, la catequesis del miedo. Lo que expresa esta obra de Berceo es la voluntad de aleccionar a una asamblea de gente sencilla y, al mismo tiempo, la reacción de la clerecía ante la Reconquista, que en aquel período de gran avance de los reyes cristianos imponía la conversión del infiel.
En palabras del psicólogo y escritor Juan Luis Vera, quien prologa el libro: En “Dementia Inmaculata”, Carlos de Tomás nos acerca al tipo de locura más extendido de nuestro tiempo, la locura que nos protege de un mundo enfermo... Porque loco siempre ha sido aquél cuyo estado psíquico le impide o dificulta llevar una vida normal o, lo que viene a ser lo mismo, el que se sale de la norma. Con un estilo mordaz y directo a la yugular, el autor construye en este poemario una historia donde la locura se nos presenta como un camino de baldosas amarillas no apto para quien tenga miedo de quedarse castigado sin merienda. Una ruta reservada a los que se saben en un mundo enfermo porque le han obligado a enfermar, porque la opresión es dictatorial y reduce la mente a una parcela odiosa y minúscula, donde mora lo que está bien visto. Ya se sabe: es lo que debemos hacer, no hay alternativas... o eso nos quieren hacer creer. Cualquier alternativa cuerda es entendida como locura dentro de un rebaño de ovejas mansas. Y eso no conviene. La obra se enmarca bajo la lucidez de la poesía de ficción, donde la poesía no se limita a verter sentimientos, sino que nos puede contar historias donde la crítica social y la ironía están muy presentes, pero también las emociones más profundas. Quizá sea esta poesía la que mejor entronque con el mundo en que vivimos. Como narración que es (que no prosa), la obra se divide en cuatro partes bien diferenciadas, a modo de capítulos. En cada uno de ellos, se nos van presentando unos personajes prestos a desgranar los entresijos de un mundo insano, y a vivir felices en su demencia. Gente que ha ido más allá del último bar. Gente loca, qué duda cabe. Marginados, desterrados, perseguidos pero libres, cercanos como nadie a la auténtica cordura'.