Crítica y teoría literaria, Arte, Divulgación, Comunicación
Escribir historias para el cine siempre será una pasión en auge. Estrategias de guion cinematográfico salva el abismo existente entre los paradigmas iniciales y la estructura completa de un texto de cine. El libro abarca todo el proceso de creación de una historia, desde la idea hasta la compleja escaleta de nudos de acción. Al mismo tiempo se introducen numerosos ejemplos, clásicos y más recientes, sacados del cine de género y de textos de guiones literarios como Pequeña Miss Sunshine, Origen, El discurso del rey, Matrix, El Padrino, Aliens, Sospechosos habituales o Amadeus. Antonio Sánchez-Escalonilla estudia las enseñanzas de los gurús del guion, y propone una pauta creativa original, útil para estudiantes de cine y guionistas profesionales.
¿(Pero) qué tiene que ver... Los Beatles con los dibujos animados propagandísticos de la URSS. Los Latin Kings con los Sex Pistols. La toma del Palacio de Invierno con Mad Men. ¿Y con Kiss? Las estrellas del rock con los samuráis. La rock star drogadicta con la redención cristiana. Las drogas consumidas en la SGM con el hippismo. Oscar Wilde con Mick Jagger. Los cigarrillos con los teléfonos inteligentes. La nostalgia con la hipnosis y con la obsolescencia programada. La longevidad de los Rolling Stones con la culpa en el matrimonio católico. Las carátulas de discos con las contraseñas masónicas. Los gremios de artesanos preindustriales con las escenas locales del underground. James Brown con un bróker de Wall Street. Los buhoneros con los cantaurores. La Velvet Underground con Apple Inc. Corporation??? Solo Ian Svenonius, el reverendo del underground mundial, el timonel de la independencia artística, responde a estas y otras muchas preguntas, en una ambiciosísima guía para montar una banda de rock que funciona también como ensayo sociológico y como panfleto antiautoritario. El líder de The Make-Up sabe que «la música es como el tacto, la comida o la banca moderna: escapa a toda explicación». Porque solo hay una forma de explicar lo inexplicable: usando la magia.
Divulgación, Historia, Arte, Comunicación, Memorias
En Estrellas del pasado espiaremos a San Martín en una fiesta pidiendo a una cotorrona para bailar, a Belgrano conduciendo a trescientos hombres lejos del infierno de Vilcapugio, a Sarmiento calzándose una peluca, a Rosas como un padre celoso de su hija, a Mitre haciendo de gasista en su barrio, a Fangio y a Victoria Ocampo aprendiendo a manejar, a Brown vestido con la bandera argentina, a Gardel víctima de punguistas, a Marcelo T. de Alvear haciendo bromas por teléfono, al general Paz fabricando un aparato ridículo y también conoceremos al ET argentino. Con anécdotas compiladas a través de una ardua investigación de cartas, memorias, biografías, expedientes, partes de batalla, tradiciones orales y periódicos, Daniel Balmaceda descubre hechos desconocidos de nuestra historia. En este nuevo libro, uno de los divulgadores más leídos del país nos invita a viajar al pasado para conocer a los personajes que forjaron nuestra identidad y entender de dónde venimos y por qué somos como somos.
En el estudio preliminar de esta obra el autor expone las ideas generales que sirvieron de marco a sus trabajos: la diferencia entre iconografía e iconología, la distinción entre forma, idea y contenido, el carácter humanista que deber asumir la Historia del arte, etc. Los cinco capítulos restantes muestran el singular talento de Panofsky para organizar un vasto material de conexiones temporales y culturales en síntesis concretas: la pintura de Piero di Cosimo, las diversas representaciones del tiempo en la figuración clásica, medieval y renacentista, las variantes de la imagen de Cupido, el movimiento neoplatónico en Florencia y el norte de Italia durante el «Quatrocento» y su posterior influencia sobre Miguel Angel.
La presente obra ofrece un panorama completo sobre la teoría y la estética del cine según sus más recientes enfoques, de manera que las últimas investigaciones sobre el tema acaban enmarcándose en una evolución histórica de los distintos momentos y corrientes que han ido configurando la teoría general del cine. Su estilo es sencillo y muy comprensible, y no sólo permite entender el cómo y el por qué de estas últimas conclusiones, sino que también realiza una aportación inestimable: establece una relación entre el cine y el conjunto de disciplinas no específicas que lo complementan y enriquecen.De fluida y atractiva redacción, en fin, el libro está principalmente destinado a los estudiantes de cine o de estética en general, aunque puede ser también un excelente instrumento de trabajo para todos aquellos que quieran incorporar el cine a sus enseñanzas o conocimientos. Su lectura no exige ningún requisito previo y, a la vez, puede servir de estímulo al simple espectador de cine para comprender y «ver» con nuevos ojos un espectáculo que, no por popular y conocido, es menos complejo.Además, entre otras cosas, esta nueva edición contiene un capítulo suplementario que ofrece al lector una actualización comentada de la bibliografía.
Entre los estudios filosóficos contemporáneos muy pocos hacen referencia al fenómeno de la estética difusa como característica peculiar de la era postmoderna. Ello se debe a la pervivencia de una idea aún “moderna” de la estética, la cual tiende a atribuir al sujeto la razón del cada vez más vivo interés hacia los aspectos formales de la realidad.
Museos y centros de arte llevan varias décadas inmersos en un proceso de cambio, tratando de transitar desde una concepción más patrimonialista de la producción artística, a otra que busca atender a una diversidad de públicos y de actividades, orientada a la producción de conocimientos y experiencias y hacia un modelo socialmente transformador y más democrático de institucionalidad. En dicho proceso, la educación y la mediación han alcanzado una importancia creciente, como atestigua la creación de departamentos de educación y acción cultural (DEAC). Pero en un contexto de recesión económica y política, su evolución ha venido marcada por distintos obstáculos y contradicciones, teniendo que hacer frente a un modelo turistizador y desarrollista de cultura, a la pérdida de autonomía y deterioro institucional o a la explotación y precarización laboral. Sin embargo, en este tiempo, no solo las instituciones culturales se han visto afectadas por estos diversos cambios, sino también las personas y colectivos que, como profesionales o usuarios, interactúan con ellos. Exponer o exponerse quiere dar cuenta de estas transformaciones en el DEAC del MUSAC de León, que podría ser cualquier otro centro de cultura contemporánea de los que se abrieron en España a comienzos del milenio. Este libro nace, por tanto, del deseo de ofrecer un relato situado de las prácticas y experiencias vividas por las personas y colectivos trabajadores y usuarios del museo, incluidas sus contradicciones, tensiones y malestares, pero también su potencia política. Como afirma Nora Sternfeld, la cuestión no es tanto si la práctica educativa deja suficiente espacio a las contradicciones, sino si esas contradicciones pueden marcar una diferencia tanto en los públicos como en el propio discurso institucional. Son estas diferencias las que han buscado plasmarse aquí para aprender de ellas y apuntar quizá así caminos nuevos para lo que está por venir.
Las largas horas dedicadas a la investigación, la redacción de formularios y aplicaciones, las búsquedas de contactos profesionales en ámbitos cargados de gente, las sesiones de revisión de proyectos en instancias educativas, las presentaciones de imágenes, las entrevistas, el tiempo libre malgastado, los sentimientos de culpa y la incertidumbre asociados con los mercados del trabajo creativo son, de alguna manera, los procesos que las imágenes satisfechas dejan en suspenso. Pocas décadas atrás hubiera sido difícil imaginar que la vida de los artistas podía homologarse con una sucesión de escenas de este tipo. Los cambios que se produjeron en el ambiente artístico como esfera de trabajo, y que terminaron por torcer el significado general del concepto de arte, no se dieron de un día para otro. El problema al que hace frente este libro, no respeta niveles de exclusividad, ni siquiera le pertenece completamente al reducto del arte. Su despliegue excede de múltiples modos el campo de las artes visuales. Con lucidez y contundencia Claudio Iglesias nos propone aquí una ruta de acceso a este particular fenómeno.
En diciembre de 1825, apenas dos meses antes del fallecimiento de su autor, Jean Anthelme Brillat-Savarin, el editor Auguste Sautelet había publicado en París, en dos tomos, con el pomposo subtítulo Meditaciones de gastronomía trascendente; obra teórica, histórica y puesta al día, dedicada a los gastrónomos parisienses por un profesor, miembro de diversas sociedades literarias y científicas, la Fisiología del gusto, que, aunque no llevara inicialmente y por deseo propio la firma de su autor, conocería un gran éxito y se convertiría en uno de los clásicos de la literatura gastronómica de todos los tiempos, como atestiguan sus numerosas y continuas ediciones. Merecedor de la atención de personajes de la talla de Balzac, Stendhal, Flaubert, Zola, Hoffman, Faulkner, Hemingway, Malraux, Einstein o Barthes, entre otros, está considerado como el tratado fundacional de lo que ha venido en llamarse gastronomía. En palabras de Néstor Luján, «el libro más inteligente y espiritual que se haya producido dentro de la gastronomía». Autor de otros ensayos de naturaleza jurídica y política, Brillat-Savarin ocupó los últimos años de su vida en redactar esta obra dedicada a la alimentación; en 1822 escribe a un amigo: «En realidad a este libro vengo dándole vueltas desde hace bastante tiempo. Creo que lo tengo en la cabeza (...) y me gustaría verlo editado en 1824. Sospecho que podría llegar a ser un referente dentro y fuera de Francia». El resultado fue un libro apasionante y ciertamente abigarrado, donde se entremezclan las ciencias con la historia y las historias, las poesías y las anécdotas personales con las recetas, fórmulas magistrales y dietas, los aforismos y las narraciones que tienen a algunos productos alimenticios como protagonistas. Con esa fusión de géneros Brillat-Savarin logró ante todo un libro ameno, por más que, antes que entretener al lector, el autor, hijo de la Ilustración, persiguiese sentar las bases de lo que tenía por una nueva disciplina, la gastronomía, a la que quería revestir de análisis científico.
En este libro, desfilan, los humanistas que motorizaron cambios radicales rescatando valores enterrados en el mundo clásico. Arquitectos que alumbraron formas impensadas. Poetas, escritores y artistas que cambiaron para siempre la historia del arte.
Considerado como uno de los fotógrafos más influyentes de nuestro tiempo, Henri Cartier-Bresson elevó la práctica del «snap shotting» a la categoría de arte disciplinar. Crítico y observador penetrante, sus escritos acerca de la teoría y la práctica de la fotografía han ejercido una influencia fundamental en los fotógrafos contemporáneos. «Fotografiar del natural» constituye la primera recopilación en un único volumen de los textos más emblemáticos de Cartier-Bresson, entre los que se encuentran «Los europeos» y «El instante decisivo», uno de sus escritos más conocidos que supuso un punto y aparte en la carrera del fotógrafo. Este volumen reúne también sus relatos de viajes a Moscú o China, y artículos dedicados a sus amigos André Breton, Alberto Giacometti o Jean Renoir. Todos ellos destilan la misma intensidad e inmediatez visual que caracteriza a su obra fotográfica.
El 5 de septiembre de 1946 nació en la colonia británica de la isla de Zanzíbar quien fue el vocalista de una de las más afamadas bandas de rock. La voz la ponía Farrokh Bulsara, más conocido como Freddie Mercury, y al conjunto lo llamaron Queen. Freddie Mercury. Su vida contada por él mismo, nos conduce por el recorrido de uno de los grupos más emblemáticos del último tercio del siglo XX. Incitados por un casi incontrolable, ambicioso y directo Mercury, Queen lograron el éxito, y se convirtieron en la banda más grande de la generación de los setenta en adelante. La historia, contada por él mismo, muestra cómo en muchas ocasiones el grupo estuvo a punto de separarse, pero siempre permaneció unido gracias a su afán por romper con las barreras musicales establecidas. Freddie Mercury, hombre de pocas palabras, nos transmite, a través de sus entrevistas —muchas de ellas inéditas hasta ahora— mucho más que lo que nos puede ofrecer una biografía al uso. No hay mejor retrato que el que muestran sus propias palabras.
Desde su nacimiento en Zanzíbar hasta su auge como artista en el Live Aid; de la persona tímida al frontman más descarado de la historia del rock; de sus increíbles giras a su estoico final, en estas páginas encontrarás la realidad y el deseo de un ser terrenal que sigue siendo un icono en el nuevo milenio.
A través de más de cien entrevistados y buscando en hemerotecas, el autor de este libro intenta hallar en las palabras de quienes vivieron junto al cantante de Queen (productores, amigos, músicos o fans) la fuente de su creatividad. Una investigación que parte de la persona para afrontar el mito que nos sobrevivirá, tratando de encontrar el porqué de Mercury en Freddie.
Todo lo que no te contaron en la oscarizada película Bohemian Rhapsody.
En los últimos diez años una de las líneas más fuertes del arte contemporáneo ha sido la práctica del arte público. Una proliferación de colectivos, artistas, eventos y publicaciones han vuelto el escenario más complejo, diverso y expandido. Este incremento tiene relación con que el arte público ha hecho reaparecer la cuestión política del arte, entendida como fue por el activismo de los años sesenta y setenta del siglo XX, revitalizando la relación entre arte y vida, el rol social del artista y la posibilidad de una estética política. Este libro detalla las distintas concepciones de arte público, analizando a su vez las obras más significativas desde los años sesenta hasta hoy día, para finalmente indagar en la relación entre arte y ciudad en el Chile actual.
Picasso, Braque, Rembrandt, Hals, Duchamp, Whistler, Gruskin, Greco, Hitler, Giacometti, Rothko, Petrov, Manfronio, Furusake, Ferri, Fontana, Varela, son algunos de los nombres que, afantasmados o reales, aparecen en las treinta y tres historias de Genios destrozados. Nuevo desprendimiento de su mítica novela inédita El absoluto, estos cuentos de Daniel Guebel se proponen como una fragmentaria historia universal del arte, una colección de biografías trágicas y cómicas que revelan, con imperturbable estilo sereno, los modos en que los creadores van siendo devorados por sus obras. Un libro donde se lucen una vez más las dotes de narrador de Guebel junto a una audaz combinación de preciosismo, lucidez e ingenio.
La vida de Francisco de Goya (1746-1828) coincidió con una época de transformaciones en la historia de España que desató turbulencias en la política del país y en la corte de la que formó parte el artista, así como cambios sociales, la devastación de la península ibérica en la guerra contra Napoleón y un posterior periodo de inestabilidad. En esta reveladora biografía, Janis Tomlinson se sirve de un amplio rango de documentos (incluyendo cartas, escritos de la corte y un cuaderno de bocetos usado por Goya en los primeros años de su carrera) para ofrecer un matizado retrato del complejo y multifacético artista, cuyo arte es sinónimo de las cautivadoras imágenes de las gentes, los acontecimientos y la revolución social que definieron su vida y su era.
Un libro sobre la política del espectador, en el que a través de distintas aproximaciones metodológicas se ponen de relieve las barreras que debe sortear un espectador ante ciertos textos fílmicos (como el cine experimental, sin ir más lejos), poniendo de relieve asimismo las connotaciones políticas que acarrean dichas barreras al ser sorteadas.
Debemos considerar Gramática de la Fantasía, como un clásico del prestigioso escritor italiano, en él se encarga de difundir una serie de técnicas cuyo objetivo principal está centrado en el desarrollo de la creatividad de los niños, en el momento de escribir historias y relatos fantásticos. Gianni Rodari demuestra a través de una selección de actividades cómo se ponen en juego los mecanismos fantásticos y analiza los secretos de la creación literaria para que los educadores puedan trabajar la escritura en las aulas, proveyendo a la invención de cuentos y narraciones cargadas de diversión y entusiasmo.
Esta obra, producto de las investigaciones realizadas por Rodari, ejemplifica a través de situaciones concretas, desarrolladas en escuelas italianas, estrategias de trabajo conjunto entre docentes y alumnos. Rodari dice en el prefacio de su obra «… se habla aquí de algunas formas de inventar historias para niños y de cómo ayudarles a inventarlas ellos solos…» y que además espera que… «estas páginas puedan ser igualmente útiles a quien cree en la necesidad de que la imaginación ocupe un lugar en la educación: a quien tiene confianza en la creatividad infantil…».
Las técnicas que se explicitan en este libro son: el binomio fantástico, la hipótesis fantástica, el juguete como personaje, el niño como protagonista, el tratamiento de cuentos clásicos, fábulas, personajes de diversos materiales, la construcción de adivinanzas, de limerick, historias equivocadas y muchas más.
Gramática de la fantasía ya es un clásico que no debe faltar en la biblioteca de todo docente preocupado por desarrollar la escritura espontánea. Servirá de instrumento para incrementar la imaginación, desde una propuesta práctica y reflexiva, convirtiéndose además, en un valioso material a tener en cuenta a la hora de promover espacios de acercamiento a la lectura.
El cine no ha venido hasta nosotros desde el fondo de los tiempos, como un rito de viejas magias. Ha nacido en el sótano de un café, en la calle y para las gentes de la calle. Este libro es el análisis de algunos de los más importantes clásicos, pioneros e innovadores de la historia del cine. Villegas López agudiza el análisis con un torrente de información, con ese estilo que le convirtió en un crítico respetado, admirado, sereno y lúcido, autor de una bellísima biografía de Charles Chaplin. El director de Luces de la ciudad llegó a decir de ese libro que era «el mejor y más profundo estudio que se haya realizado sobre mis películas y la visión más hermosa, acertada y generosa de cuantas me han dedicado».
En «Grandes clásicos del cine» Villegas no ha pretendido hacer un diccionario, y menos una enciclopedia. La intención esencial de esta obra es contribuir a la comprensión del cine como factor capital de la nueva cultura de nuestro tiempo.
Nacido de la lectura de «El Señor de los Anillos, La Era Tolkien» supone la primera incursión de dos ilustradores profesionales como los hermanos Greg y Tim Hildebrandt en el maravilloso mundo de la Tierra Media creado por J. R. R. Tolkien. Un paseo por la imaginación y la fantasía que nos sumerge de lleno en la historia más épica de la literatura universal mediante 230 ilustraciones y bocetos.