Ambicioso, riguroso y totémico, este libro se propone contar la historia del DJ en toda su complejidad: desde sus humildes orígenes en las escenas underground de Londres, París y Nueva York hasta su conversión en superestrellas que viajan por el mundo ganando sueldos propios de un actor de Hollywood. Del reggae al tecno, pasando por la música disco, el hip-hop y el house.El DJ siempre ha tenido que abrirse camino comercial y musicalmente para reivindicar su papel transformador y su carácter de artista. Porque por mucho que le duela a la academia, sin él la música no sería lo que es hoy. Su recorrido a través de géneros y países es, en realidad, la historia musical del siglo xx.Anoche un DJ me salvó la vida es uno de los libros musicales más importantes de los últimos cincuenta años. Una obra de referencia para todo amante de la música... y de la fiesta.
Ensayo, Arte, Ciencias sociales, Comunicación, Psicología
Las imágenes de la violencia y la guerra se han convertido, a través de la pequeña pantalla, en lugares comunes. Susan Sontag nos descubre las implicaciones y los peligros que esto tiene para la sociedad contemporánea. Ya no podemos ser inocentes, somos testigos. Y este planteamiento desemboca en cuestiones fundamentales: la manera en que las imágenes pueden generar rebeldía, fomentar la agresividad o derivar en apatía; la naturaleza de la guerra; los límites de la compasión y la solidaridad; y finalmente, la responsabilidad individual. Para ilustrar sus teorías, la autora evoca una impresionante historia de la representación del dolor: de Goya a los campos de concentración nazis, la guerra civil española, Sierra Leona, Ruanda, Israel y Palestina, y Nueva York el 11 de septiembre de 2001. Susan Sontag retoma aquí uno de sus temas favoritos: la fotografía, ese arte contemporáneo que forma parte fundamental de nuestra manera del ver el mundo y que es pieza clave de las reflexiones de una de las intelectuales más lúcidas de hoy.
Robert Walser fue introducido por su hermano, el pintor Karl Walser, en el mundo del arte de Berlín, aunque también escribió sobre pintura después de su etapa berlinesa y visitó exposiciones en Berna y en Zúrich. Así surgieron prosas y poemas dispersos que conforman una especie de historia personal del arte: en unas ocasiones Walser se enfrenta a un cuadro de manera imaginativamente narrativa, pero en otras responde con un ensayo estricto o con una glosa más lúdica. Walser nunca se muestra académico, pues él considera que el arte es el reino incuestionable de la libertad.
El pintor Ramón Gaya (Murcia, 1910-Valencia, 2005) fue también uno de los escritores más originales que ha dado el siglo XX español, y no sólo uno de los pintores más elegantes de nuestro siglo. Su sensibilidad y perspicacia para tapizar de sentimientos las palabras recuerdan a su dominio de la acuarela y la pintura. Esta antología recoge ensayos, críticas, poemas, cuadernos de viaje, cartas y fragmentos de su diario que demuestran la solidez narrativa y la profundidad de pensamiento de este polifacético artista. Son, probablemente, algunas de las páginas más deslumbrantes y hermosas que ha escrito el pintor a lo largo de su dilatada vida. El escritor Andrés Trapiello (Manzaneda de Torío, León, 1953) ha recopilado los textos y prologado este volumen.
La improvisación musical es muy necesaria para crecer musicalmente y expresar la propia esencia personal. Las bases y fundamentos del arte de la improvisación pueden servir para trabajar en gran variedad de estilos musicales. Ya sean profesores de música, profesionales o aficionados, pueden hallar infinitas satisfacciones en el infinito mundo de la creación en tiempo real. Este libro condensa una gran cantidad de juegos, ejercicios, sugerencias de actividades e ideas para desarrollar y mejorar tu creatividad musical con un teclado o piano. Habilidades que se desarrollan con la práctica musical improvisada. ¿En qué debería consistir una sesión creativa de trabajo? Cómo crear distintas melodías sobre un dibujo. Conocer los patrones rítmicos. Ideas para la creación de canciones. Un libro que se convertirá en imprescindible tanto en el ámbito didáctico (profesores, estudiantes) como para músicos de cualquier situación y habilidad. La improvisación musical es un potente motor para el aprendizaje. Desarrolla aptitudes como la creatividad, la capacidad musical o la personalidad del creador. Pero, ¿se pueden plasmar las ideas musicales en un piano de manera inmediata e instantánea? En este libro se hallan infinidad de sugerencias, ejercicios, actividades y juegos que permitirán al lector acceder al, en apariencia, complejo mundo de la música, aunque en realidad, según las últimas investigaciones en neuroeducación, es en realidad accesible a la mayoría de la población siempre que los enfoques didácticos sean los adecuados. El lector iniciará su andadura en esta didáctica guía abordando el marco conceptual de la improvisación musical, sus beneficios y cómo se desarrolla, para adentrarse posteriormente en el descubrimiento del instrumento a partir de juegos y otras actividades complementarias.
Este libro le puede enseñar a dibujar aunque usted crea que no tiene talento y piense que no puede aprender. Si le gusta dibujar, pero nunca ha ido mucho más allá de un nivel infantil, este libro le enseñará cómo adquirir la habilidad que siempre ha deseado. Si usted ya está dibujando, como estudiante de arte, o como artista profesional, este libro le dará más confianza en su habilidad y hará más profundas sus percepciones artísticas. Aplicando recientes descubrimientos sobre el funcionamiento del cerebro a la enseñanza del dibujo, la doctora Betty Edwards presenta un conjunto de ejercicios básicos planeados para liberar el potencial creativo y activar las facultades especiales del lado derecho del cerebro. APRENDER A DIBUJAR CON EL LADO DERECHO DEL CEREBRO puede enseñar a cualquiera a dibujar bien.
Luis Gonzaga vuelca todos los años de investigación y aprendizaje en el campo de la fotografía en este manual que, gracias a sus sencillas y eficaces explicaciones, se presenta como una obra de consulta imprescindible para los apasionados de este arte. Aquí encontrarán toda la información necesaria sobre el uso y el manejo de la luz del flash en fotografía.
Durante las últimas dos décadas, este carismático austriaco forjador del cuerpo, se ha convertido en uno de los mejores hombres de negocios de América, y forma parte de una de las familias más ricas del mundo, siendo el propietario de una gran cantidad de fructíferos negocios y numerosas propiedades. Schwarzenegger interpretó algunas películas mediocres durante la década de los 70, aunque consiguió llamar la atención precisamente en una de esas películas, especialmente en el documental de George Butler “Pumping Iron” (1977.) Inmediatamente ganó un Globo de Oro a la mejor promesa cinematográfica por su papel en “Stay Hungry” (1976) de Bob Rafelson, dejando bien claro que los miembros del jurado tenían una buena visión comercial. Su gran triunfo llegó con “Conan el bárbaro” (1982) y “Conan el destructor” (1984), recaudando ambas más de 100 millones de dólares. El extraordinario físico de Schwarzenegger, ampliamente diferente a todo lo conocido hasta entonces en la pantalla, le llevó a interpretar con gran credibilidad el papel de cyborg en “Terminator” (1984), que lo lanzó ya de manera imparable como una estrella del cine mundial
Ensayo, Arte, Ciencias sociales, Comunicación, Filosofía
Brillante y original reflexión sobre la utopía, Arqueologías del futuro aúna el análisis literario y el político, el pasado y el futuro, la realidad y la ficción, ofreciendo una perspectiva única y compleja sobre el deseo de cambio que atrapará al lector En la era de la globalización, caracterizada por el vertiginoso avance tecnológico del primer mundo y la desintegración social del tercero, ¿es aún significativo el concepto de utopía?, ¿conserva esta entidad peculiar una función social? Fredric Jameson investiga el desarrollo de esta idea partiendo del texto clásico de Tomás Moro, al tiempo que se pregunta sobre la utilidad del pensamiento utópico en un mundo poscomunista. En la primera parte del libro, el autor analiza la utopía como forma, desde el punto de vista que supone imaginar sociedades alternativas y perfectas, y la importancia que dichos ejercicios han tenido en el desarrollo histórico y social. En la segunda, sin embargo, se centra en la utopía como contenido, analizando las creaciones modernas de la ciencia ficción a través de la representación del «otro» de la vida extraterrestre y los mundos alienígenas y siguiendo una perspectiva más claramente política. Así, se ocupa de los trabajos de algunos de los principales autores del género, como Philip K. Dick, Ursula LeGuin o Kim Stanley Robinson, para concluir con un examen de las posiciones opuestas a la utopía, esto es la distopía, y con una evaluación de su valor político actual.
Arquitectura gótica y pensamiento escolástico no sólo rompe con las simplificaciones positivistas y las idealizaciones institucionistas en el campo de la historia del arte, sino que, a través de un método riguroso —modélico en el ámbito de las ciencias sociales— consigue establecer las homologías profundas existentes entre las catedrales góticas y la filosofía medieval. Se sirve para ello del concepto sociológico de hábito mental. Pero su contribución va más allá. Como Le Goff ha señalado, Panofsky aplicó el análisis político a las obras de arte, es decir, dio un primer paso para mostrar cómo el poder de las obras de arte se organiza en relación con el poder general. Y así, en este libro, relaciona el estilo gótico, a través de la noción polivalente de orden (y de jerarquía), con el método escolástico, y estos dos niveles con el orden sociopolítico encarnado en la isla de Francia, hacia el año 1200, por la monarquía de los Capeto.
Rasgo distintivo estético y estructural de las ciudades del siglo XX, cuyo perfil ha transformado, la "arquitectura moderna" nace y se desarrolla en buena parte del globo entre 1910 y 1970. Su concepción trajo aparejada una promesa de transformación, por su aparente capacidad para transformar ciudades sucias y abarrotadas en espacios amplios de viviendas generosas ubicados en paisajes modelados. En esta breve introducción, Adam Sharr expone el desarrollo de esta arquitectura, que ha creado poderosísimas imágenes culturales apoyándose en las innovaciones de las técnicas de construcción, así como de los materiales que la identifican, como son el acero, el cristal y el hormigón, y teniendo en cuenta de forma insoslayable la incorporación de instalaciones como las correspondientes a la luz eléctrica y el aire acondicionado, para acabar planteándose si la arquitectura contemporánea sigue siendo fundamentalmente moderna.
Art Thinking nos propone un nuevo punto de vista desde el que enfocar la educación y hacer que los alumnos vuelvan a conectar con aquellas clases que se convirtieron en un tedio alejado de su realidad. María Acaso, con un provocador discurso, nos muestra cómo utilizar el arte y la creatividad para revolucionar la forma de enseñar en el aula. Así nos propone pequeños actos cotidianos que tanto profesores como alumnos y padres podrán poner en práctica para darle un giro a la escuela. ¿Y si lleváramos una sandía a clase? ¿Cuál sería el resultado?
Para el franquismo, la República era la enemiga del patrimonio y de la religión, cuyo poder estaba controlado por los “rojos”, y en su territorio dominaba la barbarie, el caos, la iconoclasia y el robo de los bienes patrimoniales. Sin embargo, esta acusación, que mantendría con insistencia machacona durante toda su existencia, escondió durante décadas la labor de salvaguarda republicana de las obras de arte y su destino en la inmediata posguerra. El autor de este libro (reconocido experto en el estudio del devenir del patrimonio durante la guerra y la posguerra en España y director de varios congresos internacionales sobre el tema, el último celebrado en el Museo del Prado en 2019) llevaba años planteándose cuál había sido el destino durante el primer franquismo de las miles de obras salvadas y almacenadas por la República durante la guerra. Tras la concesión de dos proyectos de I + D dedicados a este ámbito y después de cinco años de investigación, vierte aquí los sorprendentes resultados. Parte del estudio de las políticas republicana y franquista durante la guerra para centrarse en el destino que los gestores franquistas les depararon a estas obras en la inmediata posguerra. El núcleo esencial del libro analiza la gestión franquista de aproximadamente 17.000 obras almacenadas por la República, que fueron devueltas en muchos casos a sus propietarios, aunque una gran cantidad fueron desviadas hacia otros destinatarios, que sin embargo reconocían en muchos casos como suyas. Supone una novedad investigadora inédita el estudio de las entregas en depósito de miles de estas piezas a museos, a organismos, a la Iglesia e incluso a particulares, lo que produjo el expolio, la diáspora y la desaparición de numerosas obras. En muchos sentidos, este expolio franquista tiene paralelismos indudables con el realizado por los nazis en los mismos años. Es el arte como botín de guerra.
Arte e ilusión es un estudio clásico de la creación de imágenes, del que Kenneth Clark afirmó que es «uno de los libros de crítica de arte más brillantes que he leído». La obra aspira a responder a una sencilla pregunta: ¿por qué existe el estilo? Aunque la pregunta sea sencilla, la respuesta no es fácil, y la brillante y extensa indagación que el profesor Gombrich hace en la historia y la psicología de la representación pictórica le lleva a muchos campos de estudio importantes. Gombrich examina, pregunta y reconsidera viejas y nuevas ideas sobre la imitación de la naturaleza, la función de la tradición, el problema de la abstracción, la validez de la perspectiva y la interpretación de la expresión. Publicado por primera vez hace más de cuarenta años, Arte e ilusión no ha perdido ni un ápice de su vitalidad y relevancia. Gombrich es riguroso cuando se trata de aplicar los hallazgos de la ciencia a la comprensión del arte y de abordar ideas complejas y cuestiones teóricas; sin embargo, nunca pierde la sensación de asombro ante la inagotable capacidad de la mente humana y ante la sutileza de las relaciones que intervienen en el acto de ver el mundo y hacer y ver el arte. Gracias a un conocimiento profundo y a su excepcional don para hacer una exposición clara, Gombrich presenta sus argumentos con espíritu científico, como hipótesis que han de ser sometidas a prueba. Los problemas de la representación son fundamentales para la historia del arte, y Arte e ilusión es un texto imprescindible para todos los interesados en la comprensión del mismo.
Tres enfoques distintos confluyen en este libro: historia y psicología del arte (Sir Ernst Gombrich), psicología (Julian Hochberg) y filosofía (Max Black). Estos tres distinguidos autores examinan en los tres ensayos recogidos en este volumen el problema de las percepciones de las imágenes y, en particular, de la pintura y la fotografía. Tal confrontación de ideas es ciertamente inédita en la bibliografía en lengua castellana sobre la imagen. Fundándose en experiencias sustancialmente diferentes, los tres ensayos solicitan la reflexión y la profundización de temas ya de por sí sugerentes: el tiempo, la verosimilitud, la escena espacial y otros conceptos, como los de empatía, capacidad de información de la imagen y niveles de atención. De un modo particular, el intercambio de opiniones entre Gombrich y Hochberg abre un debate rico en consecuencias de permanente interés entre especialistas. Al mismo tiempo, las constantes referencias al plano cognitivo de la imagen abren nuevas posibilidades para la investigación de la imagen a partir de la pragmática moderna.
Estos ensayos constituyen las únicas reflexiones que Martin Heidegger ha dedicado a responder estrictamente al problema de la estética. Se trata de «El origen de la obra de arte» y «Hölderlin y la esencia de la poesía», reunidos con el título abreviado de Arte y poesía.
Al calor de los sucesos revolucionarios de 1848-1849, Wagner analiza la situación del arte de su época y esboza el camino que, con el gran impulso revolucionario, habría de tomar el arte para recobrar su plenitud.
Estos textos nos ofrecen la esencia de los puntos de vista de Mumford sobre los papeles opuestos pero a la vez interconectados de la tecnología y el arte en la cultura contemporánea. Mumford sostiene que el excesivo énfasis que el hombre ha dado a la técnica ha contribuido a la despersonalización y la vacuidad de gran parte de la existencia en el siglo XX, y como consecuencia de ello hace un vigoroso llamamiento a favor de un respeto renovado por los impulsos y los logros artísticos. Su repetida insistencia en que el desarrollo tecnológico tome al ser humano como medida —así como su apasionado alegato a favor de que la humanidad saque el máximo partido de sus «espléndidas potencialidades y promesas» invirtiendo el rumbo de su progreso hacia la anomia y la destrucción— resulta aún más relevante en este siglo XXI. Con una esclarecedora introducción de Casey Nelson Blake sobre la vida y obra de Lewis Mumford y con una nueva traducción de Federico Corriente, publicamos por primera vez en España este ya clásico libro compuesto por seis conferencias —«El arte y el símbolo»; «La herramienta y el objeto»; «De la artesanía al arte de la máquina»; «Estandarización, reproducción y elección»; «Símbolo y función en la arquitectura»; «Arte, técnica e integración cultural»— en las que Mumford aborda de manera aún más cercana de lo habitual muchos de los problemas a los que nos enfrentamos como sociedad, además de exponer con una claridad meridiana gran parte de las reflexiones que lo han llevado a ser considerado como uno de los pensadores más importantes del siglo XX.
¿Alguna vez ha escuchado una música maravillosa y se ha preguntado exactamente por qué le hace sentir deseos de bailar o de llorar? ¿Le asombra que los músicos parezcan saber cuál es la siguiente nota que tienen que tocar cuando están improvisando? ¿O por qué ciertas combinaciones de notas le resultan agradables mientras que otras le irritan? John Powell, compositor con formación clásica y profesor de física, desvela hechos básicos, pero a menudo poco conocidos, así como los fascinantes fenómenos físicos que están detrás de lo que escuchamos. Y, por descontado, explica los fundamentos de la armonía, las escalas, los acordes, la tonalidad y el ritmo, y lo hace de manera fácil de entender. Este libro explica cosas que deberían saber las personas que tocan algún instrumento musical, pero que a menudo ignoran. Además, nos ayudará incluso si no sabemos leer ni una nota, ni tocar el instrumento más simple a que aumente el placer que sentimos cuando escuchamos música.
Divulgación, Arte, Ciencias naturales, Ciencias sociales, Tecnología, Viajes
Creada en 2009 por Joshua Foer, Dylan Thuras y Ella Morton, la página web Atlas Obscura rápidamente se convirtió en un éxito. Este libro, inspirado en la web, recoge un catálogo de sitios, personajes, leyendas e historias inesperadas, olvidadas, desconocidas y, más fascinante aún, misteriosas. Cada página nos recuerda cómo de extraño y maravilloso es el mundo en que vivimos. Descripciones vívidas, cientos de fotografías, mapas y gráficos sorprendentes para cada región del mundo son algunos de los elementos de este libro para explorar hasta el último y más recóndito rincón del mundo y conocer lugares e historias que no creerías que podían existir.